Sur le chemin du retour vers mon vrai moi : Guide de l'utilisateur

L'art est un processus Le travail est un art

Le nouveau type d'art s'apparentera davantage à une centrale électrique, un producteur d'énergie nouvelle.

Alexander Dorner (1893 -1957)

Prologue : A propos de l'utilisation de la langue dans cette thèse

Qu'est-ce que la langue ? Est-ce la bonne grammaire, la syntaxe parfaite, les formulations élégantes ? La langue exprime-t-elle la vérité ? Est-il même possible d'écrire sur la musique, sur les perceptions, sur l'essence ou sur les arts dans une langue qui suit la norme commune ? De nombreux philosophes ont réfléchi à cette question. C'est un sujet immense et sans fin. Avons-nous besoin d'un langage spécial pour exprimer quelque chose qui ne peut pratiquement pas être exprimé ? La manière d'utiliser le langage est-elle cruciale pour le message que nous voulons partager ?

Il existe de nombreuses façons d'utiliser le langage. Certains écrits utilisent une autre sorte de langage pour exprimer quelque chose de numineux, comme par exemple les écrits sur le silence. La lecture de l'œuvre de John Cage, Silence, est difficile, dans le sens où nous ne pouvons pas l'appréhender avec notre compréhension linéaire du langage. Le langage de James Joyce dans Finnegan's wake ou dans Ulysse est difficile à comprendre parce qu'il crée des expressions qui n'existaient pas auparavant. Dans toutes ces œuvres, on trébuche, on doit lire les phrases deux fois ou plus pour sentir le monde derrière les mots. Vous marchez ainsi sur le chemin de la perception non linéaire.

Quel est le rapport avec mon mémoire de fin d'études ?

Ma langue maternelle est le suisse allemand et la musique. Mon mémoire de fin d'études a été rédigé dans un flux qui allait de pair avec mes recherches sur la musique, l'art et le Process Work, et à travers tout cela, je suis revenue à mon véritable moi. Je n'ai pas suivi les règles de la langue anglaise, car cela aurait perturbé mon flux non linéaire. J'étais dans un flux d'écriture créative.

Écrire sur la musique et les arts, sur le retour à la maison, sur l'essence, est tout à fait impossible. Malgré cette impossibilité, j'ai essayé. Le langage utilisé dans ce document est proche de l'essence, de la musique, des arts en général. L'art ne peut être compris de manière linéaire. L'art peut aider chacun à renouer avec le domaine non linéaire et créatif qui, pour moi, est la source de tout.

Ma façon d'écrire peut vous irriter. Il se peut que vous trébuchiez sur un usage peu familier des phrases anglaises - en vous arrêtant, en saisissant l'énergie derrière les mots, en saisissant l'essence de ce que je veux vous dire. L'essence en tant qu'arène au-delà des polarités - pour reprendre les mots du philosophe chinois Lao Tsu : Le Tao qui ne peut être dit. Parler du Tao qui ne peut être parlé est une entreprise vouée à l'échec. Mais peut-être qu'en utilisant le langage - même s'il est incorrect d'un point de vue standardisé - nous devenons un surfeur dans une arène qui est au-delà de la norme. Ici, nous pouvons au moins nous rapprocher du Tao qui ne peut être parlé. C'est là que nous atteignons la liberté. Nous sommes libres de devenir les sculpteurs d'un langage au sens mystérieux. La langue devient créative et la langue devient une porte de rêve vers nos expériences intérieures. L'objectif est de trouver un langage qui soit aussi congruent que possible avec l'essence et l'art. Si l'art dépasse l'ordinaire, la langue doit suivre.

Mon style de langage crée un dialogue avec vous en tant que lecteur. J'aimerais vous inviter à faire ce voyage avec moi. À chaque phrase, j'imagine mon lecteur, comme s'il se trouvait dans mon studio de musique ou se promenait avec moi dans la nature en écoutant tous les sons. J'imagine que je vous parle directement. Écrire de cette manière, comme une sorte de dialogue musical, m'aide à rester proche de la musique, de ma créativité et du Tao qui ne peut être parlé.

Pour ces raisons, j'ai choisi de ne pas modifier mon style d'expression naturel.

Gratitudes

Mon premier grand merci du plus profond de mon cœur va à Ellen Schupbach. En tant que principal coach et mentor pour ce travail de diplôme, elle m'a guidée avec une profonde confiance pour tout ce qui voulait sortir de moi. Je me souviens d'un voyage incroyable. Ce voyage avec Ellen est caractérisé par la passion et l'amour pour ce que le processus révèle. Pour moi, Ellen Schupbach est un modèle de curiosité profonde et d'amour pour tout ce qui se présente dans la vie. Elle m'a aidée à explorer mon foyer le plus profond et à l'exprimer dans cette thèse. Elle m'a incité à entreprendre un voyage long et intense. C'est à elle que je dois les transformations que j'ai subies au cours de l'étude et de ce travail de diplôme.

Je n'aurais pas pu terminer cette thèse sans mon équipe de direction, les docteurs Ellen et Max Schupbach, et le docteur Josef Helbling. À chaque instant de mon étude, j'ai senti leur grand soutien.

Je n'oublierai jamais les discussions passionnantes sur les questions de mon travail avec Josef, qui m'ont encouragé à approfondir ma réflexion et mes connaissances en matière de travail sur les processus. J'ai apprécié son incroyable savoir et son engagement infatigable.
Je ne trouve pas les mots justes pour exprimer ma gratitude envers Max Schupbach. J'ai rencontré un maître, une inspiration, un génie et un enseignant qui, par ses conférences, ses cours, ses séminaires et ses séances de coaching, a transformé ma vie en tant qu'être humain, en tant qu'agriculteur, en tant qu'artiste et en tant que travailleur du processus. Ce document en est l'un des résultats.

Un grand merci à tous mes pairs du Deep Democracy Institute, en particulier à ceux avec qui j'ai étudié régulièrement et avec qui j'ai eu des discussions positives au sujet de ma thèse : Andrea Fink-Kessler, Brigitta Joost, Simone Brecht, Petra Voss.
Brigitta Joost a été ma première lectrice et m'a aidée à corriger mon anglais dans la première version. Écrire en anglais était un défi pour moi. Je suis très reconnaissante à Brigitta pour ces premières corrections. Les discussions avec elle m'ont permis de clarifier les parties qui n'étaient pas encore compréhensibles.

Je suis profondément reconnaissant à Nader Shababangi et Julia Wolfson. Ils m'ont soutenu pendant l'étude et la phase d'examen. Ils m'ont particulièrement aidé dans la dernière phase de la rédaction de cette thèse, grâce à leurs connaissances et à leur expérience incroyables.

Un grand merci à la faculté du Deep Democracy Institute (DDI). Je sais qu'étudier avec le DDI dépend d'une équipe qui travaille bien ensemble, et j'ai ressenti cette collaboration tout au long de ces années. Je me suis sentie particulièrement soutenue pendant mes examens. Je suis également très reconnaissante à toutes les équipes organisatrices dans le monde entier. Les séminaires et les stages m'ont nourrie à bien des égards pour mon travail de diplôme. J'adore les organisateurs, qui mettent leurs connaissances et leur sens pratique au service des DDI, ainsi que les participants aux séminaires, qui font preuve d'une attitude chaleureuse.

Les équipes d'organisation de DDI dans les différents endroits du monde m'ont permis d'apprendre dans de nombreux séminaires dans de nombreux pays. Ces équipes sont indispensables pour que nous, étudiants en DDI, puissions apprendre en DDI et terminer nos études.

Si je suis ici avec mon mémoire de fin d'études, c'est aussi grâce au Dr Lane Arye. Grâce à Lane et à l'étude de la musique non intentionnelle, j'ai commencé à suivre cette voie étonnante. Il m'a donné le sens de la voie impressionnante et mystérieuse de la musique et du Process Work. Ruby Brooks a été ma thérapeute pendant l'étude avec Lane. Je suis profondément reconnaissante de mon travail avec elle. Elle m'a enseigné un accès profond mais aussi ludique au Process Work. Avec elle, mes luttes sont devenues des dons.

Depuis de nombreuses années, je suis en contact avec le Process Work. J'adresse mes plus vifs remerciements aux Drs Arnold et Amy Mindell. Cette incroyable impulsion a transformé ma vie et ma musique. Quel privilège de vivre à une époque où une telle impulsion était possible ! Je m'incline devant Arnold et Amy pour l'œuvre de leur vie !

Première partie : De l'art et de la musique au processus de travail et au retour à la maison

Chapitre 1 : Idée de base de ma thèse

Introduction

En tant que participant à la conférence annuelle de l Démocratie profonde intensive à Barcelone en 2015, j'ai eu l'occasion de travailler sur un exercice intitulé :

Vous, votre organisation, l'esprit

Avec un pair de confiance, j'ai pénétré dans une zone qui ressemblait à un monde intemporel.

Le message qui m'est venu de cette expérience est le suivant

La musique, un moyen de rentrer chez soi

Cette phrase m'accompagne chaque jour depuis lors, et pas seulement lorsque je fais de la musique, mais aussi dans la vie en général. The way back home est un mantra qui me permet d'aligner ma vie quotidienne sur le fait que chaque jour, chaque expérience de ma vie est quelque part sur le chemin du retour. Que ce soit vers la mort, vers une nouvelle vie, vers l'inconnu, vers l'amour, vers une nouvelle musique, vers la créativité, la vie est un processus de mort et de renaissance.

Mon mémoire de fin d'études est en grande partie basé sur des expériences de ma vie personnelle. Il peut donc être utile pour vous, cher lecteur, de connaître quelques détails à mon sujet. Je suis un musicien classique et expérimental d'une soixantaine d'années. J'ai grandi en Suisse, où je vis toujours. Au milieu de ma vie, j'ai rencontré mon partenaire, un agriculteur biologique de montagne. Pendant environ 25 ans, nous avons géré notre ferme dans les Alpes suisses. Nous fabriquions du fromage de manière traditionnelle. J'ai continué à travailler comme musicien.

Dans les Alpes, j'ai développé un nouveau type de musique, inspiré par la nature. Tout au long de ma vie professionnelle, j'ai enseigné le piano, donné des concerts et des ateliers et formé des pianistes à l'enseignement du piano. Dans la trentaine, j'ai rencontré le Process Work. L'étude individuelle avec Lane Arye m'a permis d'intégrer le Process Work dans le domaine de la musique. J'étudie depuis longtemps le Institut de la démocratie profonde (DDI) où je peux élargir mes compétences. Je me sens très privilégiée d'étudier avec DDI.

Ces dernières années, j'ai vécu une situation très particulière, car mon mari a été atteint d'un cancer. C'était maintenant une situation extraordinaire : la vie avec lui à la ferme, toujours plus de travail qui reposait sur mes épaules, l'amour profond, les paniques, les peurs, les doutes, l'attention, l'espoir et la transformation en moi et mon mari, et dans notre relation : Mon mantra le chemin du retour m'a toujours donné confiance dans les moments difficiles. Je ne suis pas surpris que le mantra me soit venu au milieu de cette situation extrême.

Ce mantra m'a rappelé chaque jour que nous sommes tous sur la même longueur d'onde. le chemin du retour, Il s'agit de se retrouver soi-même, de retrouver son vrai moi. Faire de la musique en suivant ce mantra m'a donné accès à une musique très spéciale. Chaque son que je jouais avait un sens et j'utilisais de plus en plus la musique comme un guide pour mes problèmes quotidiens.

Tout au long de ma vie, la musique a souvent été ma consolation dans les situations difficiles. Ces dernières années en particulier, la musique et les sons, dans leurs diverses expressions, m'ont guidé vers un autre monde, au-delà des problèmes quotidiens. La musique m'a aidé à gérer ma vie avec une qualité qui s'apparente à l'essence.

Le chapitre suivant présente une vue d'ensemble du paradigme du travail par processus, dont voici une brève description. Tout d'abord, le travail par processus fonctionne avec un flux constant d'informations. Certaines de ces informations nous plaisent et d'autres nous déplaisent. En outre, le Process Work affirme que nous percevons trois niveaux de vie en même temps : La vie quotidienne appelée réalité consensuelle, le niveau du pays des rêves et le niveau de l'essence (Arnold Mindell 2012, 15). Au niveau de la réalité consensuelle, la vie est dite “réelle”. C'est là que l'on dit par exemple “Je suis une femme. Tout le monde est d'accord sur ce point.

Au deuxième niveau, appelé le pays des rêves, j'expérimente la vie d'une manière différente. Je ne suis pas seulement ce que je crois être. À ce niveau, des polarisations se produisent et je réalise que je suis aussi ce que je crois être “pas moi”. Le monde extérieur est en même temps mon monde intérieur. Je suis ce que je pense être, mais aussi quelque chose de plus. Je peux dire “je suis une femme”, mais je suis parfois plus “masculine”, ce qui peut créer des conflits parce qu'en tant que femme, je ne réponds pas aux attentes de la vision du monde majoritaire qui m'entoure.

Le troisième niveau, celui de l'essence, est un monde au-delà des polarités. Nous en faisons l'expérience en tant que monde non dualiste. Il s'agit d'une zone qui précède une première manifestation. Laotse (Laotse 2010) l'appelle “le Tao qui ne peut pas être dit, une expérience de l'unicité". À ce niveau, je me sens par exemple soudainement chez moi dans un certain paysage, ou je joue de la musique qui me catapulte hors de la fragmentation d'être une femme ou de ne pas être une femme, parce que la musique est au-delà du genre.

Ce niveau d'essence joue un rôle crucial dans mon travail. La musique est là, le silence est là, l'inspiration de l'art est là, la proximité de la mort est là, les forces de la nature sont là. Tout le monde est capable de le percevoir, mais nous avons tous tendance à ne pas le remarquer ou à l'oublier de temps en temps, surtout dans les moments où nous sommes identifiés à notre réalité quotidienne. Bien que ce niveau d'essence reste souvent invisible, parfois évité, il est à l'arrière-plan de la manifestation.

Travailler et être avec ce monde d'essence m'a permis d'accompagner mon mari jusqu'à sa mort. J'ai découvert en général un aspect plus profond de la créativité, et une expérience d'être à la maison et connectée à mon vrai moi - un espace sans frontières, où tout revient, et d'où tout sort.

Mon expérience de la découverte du niveau de l'essence dans le cadre du travail sur le processus a été l'un des aspects les plus inspirants de mes études. Elle est devenue une source d'inspiration profonde pour ma vie, pour moi en tant que musicien et agriculteur et pour mon travail avec les gens. Travailler avec la qualité de l'essence a révélé un sens profond derrière tous mes problèmes, mes troubles, mes fragmentations. J'y ai découvert un foyer et cela a inspiré ma vie d'une manière puissante. La vie est devenue beaucoup plus riche, plus significative et ma confiance en la vie s'est accrue.

Au fur et à mesure que je découvrais de nouveaux aspects de la musique et des arts grâce au Process Work et la façon dont ils me ramenaient à mon véritable moi, un désir profond que j'avais porté en moi pendant des années s'est réveillé et a frappé à ma porte pour être exploré.

Retour à la maison

Dans mon esprit, le retour à la maison signifie un monde au-delà de tout, au-delà de la vie quotidienne - un monde qui est plus grand et plus vaste que ce que je vis dans ma vie de tous les jours.

Le retour à la maison signifie également un monde où la vie et la mort - la vie ici sur terre et la vie dans une dimension immatérielle - se rejoignent et sont en relation profonde l'une avec l'autre. Le retour à la maison signifie un point d'où tout part et où tout revient. Vivre chez soi, c'est vivre son vrai moi, parce que notre vrai moi réside dans les deux mondes - sur terre et dans une dimension au-delà de la matière. Le retour à la maison signifie également s'éloigner de la maison pour aller vers les luttes et la fragmentation, puis revenir. Le retour à la maison n'est pas statique. C'est un mouvement qui dure toute la vie. Chaque fois que je reviens, ce retour à la maison est plus profond qu'auparavant : plus riche d'enseignements, de sentiments, de pensées et de conscience plus profonds des différentes dimensions qui nous animent. Je m'imagine rentrant chez moi à la fin de mon incarnation actuelle, n'étant rien d'autre qu'une autre personne. retour à la maison.

J'ai fait l'expérience de retour à la maison dans la musique, dans les arts et dans le Process Work. C'est pourquoi mon travail de diplôme se concentre sur ces trois domaines. Mon objectif est également de rendre ces expériences accessibles à tous ceux qui le souhaitent.

Tout d'abord, je voudrais vous raconter quelques anecdotes sur mon expérience personnelle du retour au pays, ce qui constitue déjà une brève introduction à la manière dont je vais traiter ce travail de diplôme. Ce sera très personnel, car je partagerai avec vous mes expériences de vie. Grâce à cela, je comprendrai mieux ma propre vie, la créativité et l'esprit d'entreprise qui m'animent. retour à la maison aspect. J'espère également que cela incitera d'autres personnes à découvrir cette essence mystérieuse de l'être et du retour à la maison.

Quand je prononce le mot domicile, Quand je l'entends ou que je l'entends, une atmosphère particulière accompagne ce mot pour moi. Avec retour à la maison, Quand je suis arrivée à l'école, j'ai respiré profondément et de nombreux souvenirs sont apparus, comme un tableau de ma vie. Lorsque j'étais enfant et adolescente, jeune fille d'une grande famille, toutes mes sœurs quittaient la maison chaque dimanche. Je restais seule, dans une maison pleine de tensions inexprimées, mais avec de nombreuses possibilités d'échapper à ces tensions : la musique, la nature, les animaux, l'espace, l'absence de contrôle.

Seule, j'ai pleuré et j'ai joué du piano, principalement de la musique de Jean-Sébastien Bach - une musique de consolation et de profonde spiritualité. Dans ce monde, je me sentais chez moi. Je ne ressentais plus les tensions de la vie quotidienne dans la famille, je n'avais plus de forme physique spécifique. J'étais dans les tons et l'énergie musicale. Perdue dans la vie quotidienne, j'arrivais dans un autre monde, au-delà du temps et de l'espace. Au cours de ces années, la musique a été ma stratégie de survie et mon foyer profond. Dans ces situations, la marche dans la nature avec mon chien constituait un autre foyer. Là, tous les sentiments étaient les bienvenus. La nature embrassait tout.

Après la mort précoce de ma mère, la musique est devenue un besoin encore plus profond pour moi. La musique a épousé mon profond chagrin. Dans la chorale de l'école qui chantait le requiem de Wolfgang Amadeus Mozart, je chantais avec toute ma dévotion intérieure pour ma mère, et j'étais sûre qu'elle était là à m'écouter. Pendant les années de lycée, j'ai profité de ma petite ville et de toutes ses possibilités culturelles - théâtres, expositions, concerts et clubs de jazz. C'était mon monde. J'y sentais l'espace libre, le groove d'un théâtre, d'une salle de concert, d'un club, d'un musée, d'une galerie. Dans ce monde, j'oubliais tous les problèmes de ma vie - l'école, les problèmes familiaux et relationnels.

Dans cette atmosphère, j'ai trouvé un cadre plus large pour chaque problème en tant que partie de l'ensemble de la vie. Dans l'art, chaque problème peut être transformé en œuvre d'art. N'étant plus fragmentée, je me suis sentie profondément chez moi, dans mon vrai moi. Je me sentais chez moi dans ce monde au-delà de tout. J'ai ressenti une liberté totale et ma décision de devenir musicien professionnel n'était plus réversible.

Dès le début de mes études, j'ai remarqué que j'avais envie de partager mes expériences avec d'autres personnes. J'ai joué de la musique de chambre, j'ai essayé de nombreuses activités proposées, de la danse jazz au travail corporel en passant par l'étude de la composition. Je me suis épanouie. Bien que j'aie connu de nombreux problèmes dans ma vie quotidienne, j'avais un monde dans lequel rentrer. La compositrice Makiko Nishikaze (Drees 2008, 18), dont la musique est également le foyer, parle de “sanctuaire”. Ce terme exprime le mieux ce que je ressens lorsque je parle de retour à la maison.

La musique n'était pas la seule à m'attirer. Comme je l'ai mentionné précédemment, toutes les expressions culturelles telles que les arts visuels, la danse, les paroles, la poésie et le théâtre m'attiraient. Chacun de ces univers était aussi ma maison. Je me rendais le plus souvent possible à des expositions et les musées devenaient également ma maison.

Dans le monde de l'art, j'ai remarqué que chaque expérience - qu'elle soit positive ou négative - peut être exprimée à travers l'art et la musique. C'est là que je me suis sentie chez moi. En étudiant les liens entre les différents arts tels que la musique, les arts visuels, l'écriture et le théâtre, j'ai été de plus en plus convaincue qu'il s'agissait de ma voie vers quelque chose qui ne demandait qu'à être exploré.

En étudiant la musique avec mon professeur, j'ai réalisé que la musique avait un lien direct avec moi-même. Lors des séances de piano où j'ai travaillé les grands morceaux classiques, j'ai senti le lien entre la façon dont je jouais la musique et la façon dont je ressentais ma personnalité. Les mots de mon professeur étaient comme une flèche au cœur de moi-même, et souvent je me sentais nue. “Par la musique, l'âme se fait entendre” (Henck 1994, 15). La musique est devenue mon guide à l'intérieur de moi-même - un guide vers la transformation et le retour à mon vrai moi.

J'ai vécu des expériences où il n'y avait pas de distance entre la musique et moi. Il s'agissait d'expériences de transformation, d'arrivée à un nouveau niveau d'expression - rentrer à la maison, respirer profondément et se sentir plus libre qu'auparavant, non seulement dans la musique mais aussi dans la vie. Des artistes comme John Cage, Joseph Beuys, Marina Abrahmovich et bien d'autres ont été pour moi des maîtres intérieurs, dont les œuvres m'ont guidée encore et encore vers mon retour à moi-même. À différentes étapes de ma vie, j'ai rencontré les œuvres de certains de ces artistes que je présenterai ici dans le cadre de mon mémoire de fin d'études.

Chacun d'entre eux avait quelque chose de crucial à me dire et m'a offert un cadeau énorme pour mon processus de vie et ma façon de revenir à la maison encore et encore. La spécialité de chacun de ces artistes est leur confiance profonde dans la créativité de chaque personne. Chacun d'entre eux a fait des recherches dans un domaine visionnaire inconnu. Ce qu'ils ont en commun dans leur art, c'est la conviction que l'art est une clé pour la vie, une clé pour la créativité de chacun et que l'art appartient à tous, partout. L'art n'est plus le privilège d'une classe supérieure riche dans la culture occidentale.

Lorsque j'ai rencontré le Process Work, j'ai découvert l'accès à un monde qui avait le même effet sur moi que la musique et l'art. Par hasard, j'ai commencé une thérapie avec un étudiant de l'école orientée processus de Zurich et j'ai lu mon premier livre d'Arnold Mindell : The Year One (Arnold Mindell 2019b).

Étonnée, me sentant chez moi, j'ai découvert un autre monde, celui du retour à la maison.

Pourquoi ?

Jusqu'à ce moment, j'avais vécu beaucoup de choses dans le domaine de la musique et de l'enseignement de la musique. J'avais développé un objectif profond dans mon enseignement : la musique et l'art appartiennent à tous ceux qui le souhaitent. Lorsque les gens me demandaient si j'avais des élèves talentueux dans mes classes, je ne comprenais pas la question. Je considérais que mes élèves possédaient des capacités différentes. Un élève était capable de jouer très vite, un autre exprimait une musique qui touchait aux larmes, et d'autres venaient aux cours pour avoir des discussions intéressantes avec moi sur la musique, l'art, la vie et les problèmes personnels.

J'ai vécu le retour à la maison par le biais de la musique comme un cadeau qui était là ou non, mais je ne savais pas comment influencer ou interagir avec cette expérience. Parfois, je me sentais bloquée dans mon travail musical et je me trouvais face à un mur. Je n'avais aucun moyen de passer au travers. L'étude de tant de façons d'interpréter la musique, les nombreuses voix critiques, les attentes et les professeurs sévères dans ma vie ont eu pour effet que j'ai parfois perdu ce sentiment d'appartenance.

Quel destin et quelle chance pour moi d'avoir rencontré Process Work. Une nouvelle clé pour pouvoir travailler à travers la musique, exactement dans les situations où j'avais des difficultés. J'ai trouvé une clé pour traverser les murs d'une manière totalement nouvelle. Le Process Work est devenu un accès profond pour embrasser tous les besoins de mes élèves et étudiants de piano ainsi que les miens. Là encore, j'ai rencontré ce phénomène de retour à la maison.

J'aimerais partager un exemple qui montre l'effet profond que le Process Work a eu sur ma vie musicale. Un jour, j'ai travaillé avec mon thérapeute sur mon trac. Comme c'est souvent le cas dans le travail de processus, travailler sur les symptômes signifie découvrir l'auteur du symptôme, afin d'envoyer un message à suivre. Dans mon cas, il s'agissait d'un symptôme de tremblement et le créateur du symptôme - que j'appelle le trembleur - m'a envoyé le message suivant :

Quittez la voie de la musique conventionnelle et développez votre propre voie. Sinon, je vous ferai trembler jusqu'à la fin de votre vie.

C'était une déclaration claire et forte qui m'a poussé à rechercher l'inconnu sur mon chemin de musicien.

Quelques années plus tard, rencontrant pour la première fois Lane Arye, fondateur de Unintentional Music, lors d'un séminaire (Ayre 2002, 7), j'ai travaillé avec lui en public au milieu du groupe. Il a remarqué un tremblement subtil comme celui que j'avais ressenti auparavant. Même si le trac n'était pas aussi intense qu'auparavant, le symptôme apparaissait toujours, bien qu'avec moins d'intensité. Lane m'a encouragé à suivre le tremblement et je suis entré dans une explosion musicale. Cette expérience a été l'un des sentiments les plus profonds de mon retour à la maison. Je me suis sentie libre de m'exprimer. Je me suis sentie chez moi et j'ai complètement oublié le public. Je me suis sentie au plus profond de moi-même. J'ai même ressenti qui j'étais. C'était incroyable. À ce moment-là, j'ai su au plus profond de mon cœur que suivre ma propre approche de la musique, suivre mon chemin unique deviendrait ma façon de rentrer à la maison.

Mon souhait profond avec ce travail

J'avais la possibilité d'en profiter pour moi seule et d'être heureuse à la maison. Mais un souhait profond m'accompagnait toujours. Ce que j'ai vécu, je l'ai souhaité pour tout le monde. J'étais profondément convaincue que la musique et les arts appartiennent à tous les habitants de la planète et à l'univers tout entier.

Je n'ai jamais voulu vivre ces expériences pour ma seule joie. Chaque fois que j'ai appris quelque chose d'artistes spéciaux et de Process Workers, je l'ai intégré directement dans mon enseignement du piano et de la musique. Dans ces moments-là, mes élèves rencontraient un professeur enthousiaste et enthousiaste qui avait pour mission de diffuser ce qu'il venait d'apprendre et de découvrir.

Pour cette raison et parce que c'est ma nature, je vais partager avec vous les contributions de ces artistes et du Process Work en général à ma façon de rentrer à la maison. Dans ma thèse, je montrerai comment l'utilisation des compétences du Process Work peut aider à faciliter le processus dans les domaines de l'art et de la musique, et comment les domaines de l'art et de la musique peuvent être utilisés pour améliorer le travail personnel sur vos problèmes quotidiens. J'espère que l'association de la musique, de l'art et du Process Work peut offrir de nouvelles façons de redécouvrir son vrai moi et son chez-soi. Je proposerai des exercices pour explorer l'art, la musique et le Process Work dans ce but.

Le retour à la maison, le vrai moi et la démocratie profonde

J'ai mentionné plus haut que ma compréhension de la maison et du vrai moi est liée au niveau de l'essence. Mais c'est plus que cela. Ce n'est pas seulement le niveau de l'essence qui me ramène à la maison. L'expérience de la maison et du vrai moi nécessite le flux entre les trois niveaux de conscience : la réalité consensuelle, le pays des rêves et l'essence - et à travers cette conscience, le sens de la Démocratie profonde.

Dans son livre Leader as Martial Artist (Arnold Mindell 2014a, 5), Arnold Mindell décrit le moi tout entier comme un sentiment de démocratie profonde :

... [ce] sentiment particulier de croyance en l'importance inhérente de toutes les parties de nous-mêmes et de tous les points de vue dans le monde qui nous entoure... La démocratie profonde est notre sentiment que le monde est là pour nous aider à devenir pleinement nous-mêmes, et que nous sommes là pour aider le monde à devenir entier.

Dans ce document, vous rencontrerez les deux termes "Process Work" et "Deep Democracy". Pour une meilleure compréhension, je vais essayer de clarifier ces deux termes.

Arnold Mindell, physicien et analyste jungien, a réuni la physique quantique, la spiritualité, l'anthropologie et la psychologie dans un nouveau paradigme appelé "la physique quantique". Processus de travail. Le travail par processus est pratiqué aujourd'hui de multiples façons. Dans les années 80, alors qu'il effectuait des recherches sur le travail par processus, il a inventé le terme "travail par processus". Démocratie profonde pour décrire la prise de conscience de la multidimensionnalité de la vie : la réalité objective de tous les jours appelée réalité consensuelle, la réalité subjective appelée pays des rêves et la force derrière tout ce qu'il appelait l'essence.

La démocratie profonde est plus qu'une démocratie où la majorité a le pouvoir. La démocratie profonde inclut tous les points de vue et tous les niveaux de conscience au sein des groupes et des individus. Chaque point de vue signifie également chaque dimension. Mindell parle du soi entier comme contenant l'être multidimensionnel de chaque personne et du groupe. Selon lui, le monde devient entier grâce à la prise de conscience de chaque dimension.

Mon rêve d'enfant, le mythe de ma vie

Un dernier élément clé de mon parcours, qui aboutit aujourd'hui à ce travail, est lié à mon rêve d'enfant. J'expliquerai brièvement le concept de rêve d'enfant, puis je partagerai mon propre rêve en relation avec mon parcours de vie et mon expérience de recherche d'un foyer. Le rêve d'enfant et son lien avec le mythe de la vie ont été formulés pour la première fois par le fondateur de la psychologie des profondeurs Carl Gustav Jung (Jung 2010). Il évoque de nombreux exemples de rêves d'enfants et en explore la signification pour l'ensemble de la vie :

En outre, la nature des premiers rêves de l'enfance fait qu'il n'y a généralement pas d'associations connexes : ils sont une manifestation d'une partie de l'inconscient, étrangère au temps. Ces premiers rêves, en particulier, sont d'une importance capitale parce qu'ils sont rêvés à partir des profondeurs de la personnalité et, par conséquent, représentent souvent une anticipation du destin ultérieur (Jung 2010, 1).

Jung fait la différence entre la conscience individuelle et l'inconscient collectif :

Les rêves d'enfants sont souvent extraordinairement importants parce que la conscience infantile est encore faible, de sorte que ces rêves peuvent surgir sans entrave de l'inconscient collectif. La conscience, c'est le temps présent, l'ici et le maintenant.

L'inconscient, quant à lui, est une éternité, une intemporalité, et n'a aucune intention concernant l'ici et le maintenant. Le rêve d'enfance nous montre deux facettes de notre personnalité, l'une qui va de pair avec notre culture et l'autre qui est étrangère à notre culture ou à notre identité. Dans notre enfance, ces forces apparaissent dans les rêves sous la forme d'une image archétypale puissante, donc souvent effrayante et écrasante. (Jung 2010, 80)

S'appuyant sur les fondements de Jung, Mindell décrit le rêve d'enfance de la manière suivante (Arnold Mindell 1993 47) :

Si des alliés puissants apparaissent comme des antagonistes dans vos premiers rêves, votre mythe consiste à affronter un allié, que vous soyez d'accord ou non avec cette rencontre.

L'idée d'ajouter les expériences de mon rêve d'enfant à mon parcours de thèse est devenue cruciale pour moi. Grâce aux séminaires de l'Institut pour la démocratie profonde, j'ai été très intéressée par le rêve d'enfant et sa signification, en tant que modèle, appelé le "rêve d'enfant". mythe de la vie, Il s'agit d'un mythe de vie, qui nous accompagne tout au long de notre vie. Pour partager mes expériences de vie ici, j'ai dû intégrer mon mythe de vie.

Le rêve d'enfance ou les expériences de la petite enfance sont comme une mélodie de la vie. Cette mélodie est présente tout au long de la vie et révèle continuellement de nouveaux aspects de la même polarité qui est apparue dans le rêve précoce de l'enfance. À travers le fil de ma vie, la mélodie de ma vie est devenue beaucoup plus claire pour moi et maintenant, dans la soixantaine, en regardant en arrière sur une longue vie, de nombreux puzzles apparemment déconnectés se sont assemblés pour former une grande image. J'aime l'idée d'aider d'autres personnes à découvrir ce point de vue particulier sur leur vie, c'est pourquoi je partage avec vous le mythe de ma vie :

Dans mon rêve d'enfant, j'ai rêvé à plusieurs reprises que j'étais un enfant qui rentrait chez lui. Derrière une haie, une dizaine d'hommes attendent de m'attraper. J'ai très peur d'eux. Ils sont vêtus de noir et portent des chapeaux noirs. Je commence à courir. Au moment où je tends la main vers la porte de ma maison, ils m'attrapent et je me réveille.

L'un des aspects de mon rêve d'enfant qui est lié à mon travail de diplôme est le suivant : L'enfant veut rentrer chez elle, elle connaît la maison, elle est familière, elle s'y sent en sécurité. Mais les dix hommes l'en empêchent. Au dernier moment, ils saisissent l'enfant par le pied et elle ne peut plus rentrer chez elle.

Nous pourrions maintenant nous demander : pourquoi le travail de diplôme porte-t-il sur le retour à la maison si, dans le rêve, les dix hommes ne le permettent pas ? Cela pourrait signifier que le retour à la maison n'est pas le sujet de ma vie.

En explorant le rêve, je me suis rendu compte que les dix hommes me poussent à chercher toujours un foyer. Ce foyer n'est pas un foyer local dans le monde. C'est un foyer dans l'inconnu. Un foyer tel que je l'ai décrit plus tôt.

Lorsque je repense à ma vie, je me rends compte qu'à chaque fois que j'ai voulu m'installer, les dix hommes sont venus et m'ont entraînée dans un nouveau monde. Pas dans le sens d'un voyage ou d'un déplacement géographique important d'un endroit à l'autre. Il s'agissait plutôt de me sentir chez moi en élargissant ma conscience - en abandonnant ce qui était trop confortable. Mon retour dans le monde s'est toujours fait d'une manière nouvelle et il s'agissait toujours de partager mes expériences avec le monde. Les dix hommes me poussent encore aujourd'hui à explorer la musique, les arts et le Process Work en permanence, à faire de nouvelles expériences, à acquérir de nouvelles connaissances et à trouver ma place dans des transformations permanentes. Cela fait partie du mythe de ma vie et provient de mon rêve d'enfant.

Tout au long de la thèse, je ferai référence à ce rêve et je parlerai des dix hommes comme d'un aspect de moi-même qui m'a poussé à aller de l'avant dans la vie : sortir de la maison et chercher un autre foyer. Chaque fois que vous rencontrerez les “dix hommes”, pensez à cet aspect.

Mon objectif avec ce travail de diplôme

Ma thèse explore les différents chemins qui mènent au retour à soi. Elle décrit mon cheminement personnel et continu vers mon vrai moi, avec l'espoir de montrer que le retour à la maison par la musique, l'art et le travail sur le processus est possible pour tout le monde. Il n'est pas nécessaire d'être un artiste, un musicien ou un Process Worker pour s'embarquer dans ce voyage ! Je me sens investie d'une mission profonde, celle de rendre mes expériences accessibles à tous, et c'est pourquoi je créerai des exercices et des moyens de faire l'expérience de l'art, de la musique et du Process Work ensemble.

Le but de ces exercices est de travailler de manière créative pour trouver le vrai soi comme un foyer au-delà des polarités. Les exercices suivent les expériences des trois niveaux de conscience : la réalité quotidienne, le monde des rêves et le monde de l'essence. Les arts et la musique, en particulier, sont ancrés dans le monde de l'essence et nous permettent donc d'entrer profondément dans le monde de l'essence et d'en rapporter des idées et des dons pour notre réalité quotidienne. En ce sens, mon mémoire de fin d'études est un guide de l'utilisateur pour retrouver son véritable moi créatif.

Les exercices seront un point central de mon parcours. Cette thèse est essentiellement un voyage expérimental et je souhaite vous inviter non seulement à y assister en tant que lecteur, mais aussi à l'expérimenter vous-même à l'aide des exercices. Vous pouvez les utiliser tels quels ou comme tremplin pour vos propres expériences. Je suis convaincue que l'expérience de l'art, de la musique et du Process Work, et surtout de l'essence qui se cache derrière tout, nécessite une découverte à travers notre propre expérience. Le Process Work lui-même est une approche phénoménologique, basée sur l'expérience vécue.

Au cours de ce voyage, je souhaite étudier et explorer en particulier l'aspect essentiel des trois niveaux de la démocratie profonde en tant que force qui sous-tend toute chose et en particulier la force qui sous-tend les arts en général, en tant que foyer. L'art est intemporel, il nous conduit à notre maison, qui n'a pas de frontières. Ma thèse m'a amenée à redéfinir ce qu'est un artiste, un être humain, un chercheur ou un travailleur du processus. Ces questions me préoccupent depuis si longtemps. J'ai ressenti un désir et un espoir d'actualiser et de redéfinir mon attitude à l'égard de ce qu'est un artiste, un chercheur, un être humain ou un travailleur de processus.

L'abandon de mon partenaire a été l'une des raisons de ce processus de redéfinition. Étant au point zéro, tout devait être redéfini dans ma vie. Je me suis reconnectée à l'intemporalité de la musique, des arts et du Process Work et j'ai réalisé que dans cet espace sans début ni fin et sans frontières, j'étais en contact avec tout. J'aimerais partager cela avec vous et j'aimerais soutenir votre créativité en vous guidant vers la maison non-locale du plus profond de mon cœur.

À la fin de la thèse, vous trouverez un glossaire contenant de brèves explications sur les termes que j'utilise.

Chapitre 2 : Stabilité du processus - Le processus de travail du point de vue de l'artiste

Tout bouge, il n'y a pas d'immobilité. Ne vous laissez pas terroriser par des notions de temps périmées. Laissez tomber les minutes, les secondes et les heures. Cessez de résister aux métamorphoses. Soyez dans le temps- soyez stable- soyez statique avec le mouvement. Pour une stabilité dans le présent. Résistez à la faiblesse apeurée d'arreter le mouvement, de pétrifier les instants et de tuer le vivant. Arreter-vous de toujours réaffirmer des “valeur”, qui s'écroulent quand meme. Soyez libre, vivez. Arreter-vous de “peindre” le temps. Laissez tomber la construction des cathédrales et les pyramides qui s'écroulent quand meme comme des tartes. Réspirez profondément. Vivez à présent, vivez dans et sur le temps, pour une réalité belle et totale¹

Hulten 1992

Jean Tinguely était un artiste suisse de renommée internationale. Ses œuvres sont principalement des sculptures en mouvement. Il appartient au phénomène de l'art cinétique. Il était à la fois artiste et artisan. Cela lui a permis d'entrer en contact avec de nombreuses personnes, et pas seulement avec des personnes très instruites et des universitaires.

J'ai découvert la citation de son “Pour la Statieque” au début de ce chapitre lors d'une exposition organisée par le Palazzo Grassi à Venise, en Italie. De nouveau en crise, je me suis rendu en Italie à la recherche de réponses pour ma vie. La déclaration de Jean Tingueley m'a tout de suite fait du bien. Lorsque je l'ai lue, quelque chose en moi l'a complètement comprise, même si j'ai eu du mal à l'exprimer. Mes amis ne comprenaient pas ce que j'essayais de dire après mon voyage. Aujourd'hui, je dirais qu'il s'agissait d'une expérience et d'une compréhension au niveau de l'essence. Le niveau de l'essence peut difficilement être décrit avec des mots. On peut le ressentir à travers l'atmosphère et un vague sentiment d'unité, comme je l'ai décrit dans l'introduction. Lorsque j'essaie d'en parler, mes mains commencent à bouger. Il est plus facile de le décrire par un mouvement des mains, car le domaine de l'essence est très éloigné des mots. Je vais maintenant expliquer plus en détail la théorie générale du Process Work, les trois niveaux d'expérience et la Démocratie profonde.

Processus de travail

Le Process Work a été fondé par Arnold Mindell et repose sur un flux continu d'informations. Le flux continu peut être comparé à une rivière. Imaginez une rivière et essayez de la suivre. La rivière devient large lorsqu'il n'y a pas de frontière, et étroite lorsqu'il y a un ravin. La rivière saute comme une cascade et accélère lorsqu'elle passe une pente. La rivière reste une rivière et, en même temps, elle change constamment. Si les conditions météorologiques modifient la topographie, la rivière suit et change de forme. La qualité de l'eau de la rivière, qui s'apparente à un processus, est sa flexibilité à changer en fonction des événements. Les obstacles naturels, les changements topographiques, etc., sont des éléments d'information qui modifient la forme de la rivière et forcent l'eau à s'écouler en fonction de ces changements.

Pendant les années où j'ai été agriculteur dans les Alpes suisses, j'ai remarqué chaque printemps les changements de la rivière par rapport à l'hiver. Chaque année, c'était une expérience nouvelle et surprenante. La rivière avait un peu changé d'identité, tout en restant la même. En pensant à ce comportement semblable à un processus, j'ai lu la citation de Tinguely comme une description picturale du paradigme du travail par processus. Il parle de ne pas résister au changement et du mouvement du temps. Le temps est synonyme de changement. En général, il proclame que le mouvement est le seul fait stable. Il nous exhorte à ne pas résister au changement. Lorsque les gens me demandent ce que signifie le processus, je leur réponds souvent que le processus est quelque chose qui se produit de lui-même, mais que l'on peut choisir de le suivre ou non. Si l'on ne suit pas, le processus se déroule quand même de telle ou telle manière. Tinguely le décrit ainsi :

Laissez tomber la construction des cathédrales et des pyramides qui s'écroule quand meme comme des tartes.

Il dit que si nous ne bougeons pas, le processus bouge et change nos identités figées comme des gâteaux, qui s'effritent de toute façon. Si je comprends bien, il parle d'une identité qui est fluide et qui est capable de suivre le changement quand celui-ci veut se produire. La description qu'en fait Tinguely semble facile. Dans notre réalité quotidienne, cela peut être un travail difficile parce qu'il faut franchir des limites, c'est-à-dire abandonner de vieilles identités.

Le bord est un élément important dans le travail sur les processus. Le bord est un mur entre un processus que j'aime et qui est familier à mon identité antérieure, et un processus qui est nouveau, inconnu et qui change mon identité. Mindell appelle ces structures processus primaire - ou U - pour le processus familier et secondaire - ou X - pour l'identité inconnue et future. (Arnold Mindell 2017) Nous verrons plus tard comment ces structures apparaissent. Vous découvrirez quelques possibilités de les gérer de manière créative.

Revenons à la façon dont j'ai compris pour la première fois cette citation de Tinguely. Je l'ai appelée niveau d'essence. C'est l'un des aspects d'une approche tridimensionnelle de toutes nos expériences, comme nous l'enseigne Mindell. Examinons cette approche et comparons-la avec la citation de Jean Tinguely.

Trois niveaux d'expérience

Si nous regardons notre vie quotidienne, nous vivons souvent quelque chose comme cela :

Je crois ce que je vois. Je crois en l'existence de ce qui est visible, audible, tactile. Cela peut être considéré comme un fait et semble donc réel. Une table est une table, un être humain est un être humain, ce que j'entends est quelque chose qui résonne dans mes oreilles et, normalement, j'écoute quelqu'un pour me concentrer sur ce que l'on appelle le contenu réel.

Il s'agit du premier niveau - le réalité consensuelle. Ce niveau dépend du groupe auquel j'appartiens. Des sociétés différentes définissent différemment ce qui est réel. Le groupe crée des facteurs sur lesquels la plupart des gens sont d'accord. Cela forme l'identité du groupe. Il y a toujours des membres qui ne partagent pas cette identité. Ils sont différents et deviennent des marginaux.

Un exemple : En Suisse, un artiste nommé Harald Nägeli (Wikipedia n.d.) a été l'un des premiers à apposer ses œuvres sur les murs des maisons de Zurich, notamment dans le centre ville, où l'on trouve de belles maisons anciennes. Il le faisait de nuit, car c'était illégal. Le tribunal l'a condamné, mais il s'est enfui en Allemagne et a reçu le soutien du célèbre Joseph Beuys (Wikipedia 2019). Nägeli acquiert une renommée internationale. Le monde de l'art admire ses dessins. En effet, ils étaient si lucides que je les ai personnellement beaucoup aimés. Bien qu'il ait bénéficié d'un soutien considérable, les agences et les tribunaux lui ont délivré un mandat d'arrêt international et il a dû retourner en Suisse. Il est resté en prison pendant six mois. Par la suite, il s'est installé définitivement en Allemagne et son art est devenu internationalement reconnu.

Quelle est la structure du processus de cette histoire ? Nous disposons de l'identité des agences, des tribunaux et d'un grand nombre de personnes : “C'est quelque chose que nous n'autorisons pas”, dit la voix officielle du courant dominant. “La pulvérisation sur les maisons ne nous appartient pas. Nous n'en voulons pas. Nägeli est fou, ce n'est pas un artiste”. C'était une réalité bien acceptée à l'époque en Suisse. Tinguely décrit les constructions de cathédrales et de pyramides qui “s'écroulent comme des gâteaux”. Ici, Nägeli créait une nouvelle forme d'art qui connut un grand succès.

Si nous travaillons sur ces deux aspects, nous pourrions dire, par exemple, qu'il y a deux parties. Disons qu'une partie est l'agence et l'autre l'artiste. Mindell nous enseigne la structure suivante : Pour la réalité quotidienne, c'est le réel. D'un point de vue différent, lorsque nous entrons dans quelque chose comme le rêve (qu'il appelle le pays des rêves), ces deux parties peuvent surgir n'importe où. Dans la réalité consensuelle de tous les jours, nous voyons l'agence et l'artiste comme des rôles personnifiés. Mais ces deux parties - nous pouvons également parler de rôles - peuvent même surgir en nous-mêmes. Avez-vous déjà fait quelque chose d'interdit, mais votre créativité était plus forte que le domaine donné ?

Process Work dit aussi que Nägeli est un processus secondaire - un X - pour le courant dominant (Arnold Mindell 2017). Le X nous appelle du futur et nous montre quelque chose de nouveau à développer, dans ce cas un nouveau type d'art, qui devient courant après l'achèvement du processus. Max Schupbach appelle le X la phase d'émergence (Schupbach 2007b). Le X se trouve dans la phase initiale - une phase émergente de la manifestation. Il apparaît sous la forme de simples informations et n'est pas encore devenu l'identité d'une personne, d'un groupe ou d'un pays. Nous pouvons dire que le X ou le processus secondaire nous montre l'avenir.

Vous rêvez d'une vie plus créative, mais une voix intérieure vous dit que c'est impossible ? Nous atteignons ici le pays des rêves où nous sommes connectés au rôle d'Harald Nägeli et aux agences suisses de l'époque. C'est comme un rêve nocturne, que l'on ne peut vivre qu'à la lumière du jour. Mindell affirme que nous rêvons 24 heures sur 24 tout au long de notre vie (Arnold Mindell 2000). Derrière la réalité consensuelle se cache le pays des rêves. Il n'y a pas de frontière entre les deux, sauf à notre limite qui ne permet pas la connexion. Le travail sur la limite constitue une part importante du processus. Il s'agit de travailler sur la relation entre le quotidien, la réalité consensuelle et le pays des rêves et, comme dans le cas présent, de suivre le processus en cours. Nägeli est devenu célèbre malgré les critiques et les tribunaux qui l'ont jugé. Il a également contribué à l'émergence d'une nouvelle forme d'art. Ce processus voulait se produire, et rien ne pouvait l'arrêter.

Après avoir abordé deux des trois niveaux (consensus entre la réalité et le pays des rêves), nous pouvons nous demander pourquoi ce processus a voulu se produire. Quelle est la force qui a poussé Harald Nägeli vers son art dit dangereux ? C'est à ce stade que nous rencontrons le troisième niveau : le essence niveau. Pour revenir à Tinguely, il précise “Pour une réalité belle et totale”.

Peut-on dire que les dessins de Nägeli ont apporté plus de beauté et d'espièglerie dans la ville de Zurich et qu'ils ont changé certains citoyens ? Aujourd'hui, le graffiti est devenu un art qui est entré dans les mœurs. Nous pouvons dire que les forces qui ont poussé Nägeli à dessiner sur les murs des maisons se situent au troisième niveau, un niveau au-delà de tout. Il est à peine perceptible et n'est pas visible. Une zone qui est là comme une possibilité d'être saisie par quelqu'un. Je ne pense pas que les dessins de Nägeli soient nés d'une décision rationnelle. J'imagine que quelque chose flirt avec lui, comme dirait Mindell.

Dans ma simple imagination, je dirais qu'il y a des possibilités infinies dans l'air, un monde au-delà des frontières, au-delà des polarités, au-delà de tout ce qui est dans mon esprit de tous les jours. Le moment venu, l'une de ces possibilités me contacte et m'envoie une idée. Ou est-ce moi qui la cherche ? Qu'est-ce qui est venu en premier ? Quelle est la force qui m'anime ? Nous ne pouvons pas répondre à cette question, car les deux parties sont enchevêtrées l'une dans l'autre. S'agit-il d'une force qui voulait s'incarner, qui cherchait quelqu'un pour la réaliser, et l'artiste Nägeli s'en est emparé ?

Goûtons aux enseignements d'Arnold Mindell sur le rêve lucide (Arnold Mindell 2000) :

L'artiste sent le rêve dans la toile, le papier et la pierre et sait que la réalité quotidienne n'est pas seulement concrète. Michel-Ange disait de la sculpture qu'elle était un art.
processus consistant à faire ressortir la forme qui existe déjà à l'intérieur de la pierre. Les artistes et les peuples autochtones ont développé la capacité de voir le Rêve, c'est-à-dire le pouvoir qui se cache derrière les figures que vous voyez dans vos rêves nocturnes et dans la réalité de tous les jours.

Mindell écrit plus loin sur la relation entre la science aborigène et la physique moderne :

Si la physique moderne et la science autochtone diffèrent, elles partagent également certaines idées. Les peuples indigènes parlent du temps du rêve comme de la racine et du pouvoir essentiel d'où vient tout le reste ; les physiciens quantiques parlent d'une entité mathématique invisible appelée potentiel quantique d'où naît la réalité

Arnold Mindell 2000

Ce qui existe avant d'être formé, avant d'être verbalisé, peut être considéré comme l'essence de toute chose. Une essence existe derrière chaque chose de notre réalité quotidienne - comme la materia : des pensées claires, des décisions claires, etc. C'est ce qu'on appelle l'essence ou le niveau sensible de l'expérience, ce qui signifie sentir ce qui est à peine perceptible. Le rêve requiert la capacité de percevoir un monde au-delà de la forme physique, au-delà de la polarité. Cette capacité peut être observée chez les peuples indigènes du monde entier, comme les aborigènes et les chamans de toutes les cultures, généralement des personnes qui vivent très près de la nature. Les artistes sont souvent doués de ce sens également. Naturellement, tout le monde possède cette capacité, mais elle est souvent marginalisée. Le travail par le processus le remet au premier plan.

Au cours de notre voyage à travers ce travail de diplôme, nous rencontrerons la musique, les arts et le Process Work comme des mondes enchevêtrés, revenant à notre vrai moi et à une réalité “belle et totale”. Nous comprendrons de plus en plus pourquoi l'art et la musique contemporains ne sont pas encore compréhensibles. Ils sont créés directement à partir du monde de l'essence, modelant un aspect futuriste comme un processus secondaire du courant principal.

Joseph Beuys a dit que tout le monde est un artiste (Adriani, Konnertz et Thomas 1988). En travaillant sur cette thèse, vous pouvez apprendre à savoir comment vous êtes un artiste et comment vous êtes votre propre avenir, en revenant à votre vrai moi total que vous oubliez de temps en temps. Grâce à la relation entre votre processus primaire et secondaire et votre propre essence, vous devenez le créateur de votre vie, en faisant avancer le monde grâce à votre véritable moi.

Comment le processus communique : canaux, signaux et présignaux

Ce que Tinguely ne dit pas, c'est comment le processus communique. Pour cela, nous avons besoin de la science des processus, dans laquelle Arnold Mindell nous enseigne la science des signaux. Tout processus qui veut être exploré se présente dans différents canaux. Les signaux annoncent le canal dans lequel le processus apparaît. Je fais l'expérience subjective de ce que je vis à travers différents canaux : auditif, visuel, proprioceptif (perception du corps), mouvement, relation et le canal du monde.

Chaque canal a un aspect intérieur et extérieur. Vous entendez quelque chose de l'extérieur ou de l'intérieur. Par exemple, vous pouvez entendre un débat dans votre tête. En termes de travail de processus, vous en faites l'expérience par le biais du canal auditif interne (Arnold Mindell 2011).

Le processus se manifeste d'abord par des signaux (Arnold Mindell 2011). Il s'agit de petites informations, souvent incomplètes. Par exemple, quelqu'un vous invite à dîner : Quelqu'un vous invite à dîner, une partie de vous dit oui et une autre partie montre par un mouvement un signal de résistance en reculant un peu. Ce recul est un élément d'information dont vous n'êtes pas conscient, car vous êtes identifié à votre gentillesse. L'exploration du signal de mouvement pourrait faire ressortir un côté de vous qui n'est pas tellement en relation avec les autres. Si vous vous intéressez à ce côté et prenez conscience de ce signal, vous pourriez répondre :

Oh, merci de m'avoir invitée, c'est vraiment gentil, mais j'aimerais venir une autre fois parce qu'en fait, je ne me sens pas très liée en ce moment et le dîner sera probablement ennuyeux pour nous deux.

Imaginez le changement dans notre société, si nous pouvions capter de tels signaux ? Je suppose que cela signifierait plus de liberté et plus de fluidité !

Le signal dans l'histoire de Harald Nägeli, par exemple, est apparu sur la chaîne mondiale, ce que vous comprendrez aisément. Tout le processus s'est déroulé en public. C'est ce que l'on entend par canal mondial.

Il existe également des pré-signaux. Ces pré-signaux proviennent du niveau de l'essence et sont à peine perceptibles. Mindell appelle un tel pré-signal un flirt (Arnold Mindell 2012). Nous avons rencontré cela dans l'histoire de Nägeli lorsque j'ai discuté des forces, des possibilités, qui nous attirent. L'entraînement à capter le monde de l'essence avec ses flirts nous rend très sensibles. La créativité suivra si nous explorons ces flirts. Je dois dire que je compose et crée toujours de la musique à travers les flirts plutôt que de ruminer sur une feuille de papier. Cela rend le travail beaucoup plus fluide.

Amy Mindell écrit :

Les flirts sont la première façon dont le monde de l'Essence surgit dans notre conscience....Les flirts sont des sensations rapides, évanescentes, non verbales, des scintillements visuels, des humeurs et des pressentiments qui attirent soudainement notre attention. Dès que nous remarquons un flirt qui a attiré notre attention, nous avons attrapé la queue de l'Essence.
d'un processus créatif en cours de déploiement.

Amy Mindell 2005, 23-24

Les flirts et le monde de l'essence joueront un rôle important dans ce guide du retour à la maison par la musique.

Il est maintenant temps d'expérimenter l'un des concepts de base du travail par processus avec un petit exercice sur U et X. J'ai décrit dans ce chapitre U et X comme des processus primaires et secondaires. Pour l'instant, j'aimerais l'exprimer à nouveau de la manière la plus simple possible : U est quelque chose que vous aimez, quelque chose que vous pouvez dire c'est moi et X est quelque chose que vous n'aimez pas ou que vous dites ce n'est pas moi.

Retour à la pratique

Je vais maintenant en faire la démonstration à partir de ma propre pratique. Je décrirai d'abord l'exercice. Vous pourrez ensuite le faire vous-même et vivre une expérience personnelle des concepts théoriques que j'ai décrits.

Exercice 1 : Expérience de base 1 - Goût de u et x

Dans cet exercice, je vous invite à faire l'expérience de votre u et de votre x, c'est-à-dire de quelque chose que vous aimez et de quelque chose que vous n'aimez pas, tout simplement. Vous aurez ensuite l'occasion d'explorer les canaux par lesquels vous faites l'expérience de u et de x.

Pour montrer comment j'ai fait l'exercice, j'ai inséré mes réponses dans la rubrique italique à titre d'exemple.

1. Pensez à quelque chose que vous aimez en ce moment (u)

Je ressens une sorte de bonheur qui me manquait depuis longtemps.

2. Comment savez-vous que vous aimez cela ?

Dans mon corps, je ressens beaucoup d'espace et de respiration

3. Canal : Essayez de découvrir le canal dans lequel vous vivez cette expérience.

Sensation corporelle ou canal proprioceptif

4. Pensez à quelque chose que vous n'aimez pas en ce moment

Douleur à l'orteil, suite à un accident

5. Comment savez-vous que c'est douloureux (trouver le canal) ?

Tension dans l'orteil, je la ressens comme quelque chose qui veut exploser.

6. Canal : Essayez de découvrir le canal dans lequel vous vivez cette expérience.

Sensation corporelle (tension) mais aussi mouvement (explosion)

7. Suivez l'expérience dans le canal où vous avez remarqué la chose que vous n'aimez pas. (Nous appellerons la chose que vous n'aimez pas ‘x’)

Je vais utiliser le canal du mouvement pour exprimer mon ‘x’. Je fais maintenant l'expérience d'un mouvement - quelque chose comme une explosion. L'énergie qui explose donne plus d'espace. Aaah. Je remarque qu'il y a plus d'espace pour ce que je veux pour moi-même.

Dans cet exercice, vous avez la possibilité d'expérimenter deux courants en vous en même temps. Au début, il y a un conflit, parce qu'il y a quelque chose que vous aimez et quelque chose que vous n'aimez pas. Ensuite, en explorant les canaux pour découvrir comment vous remarquez ces expériences, vous faites remonter à la surface votre monde des rêves. Pour moi, la respiration et l'espace constituent un premier rôle, tandis que la tension et l'explosion en constituent un second. Vous pouvez maintenant jouer avec ces deux rôles. L'explosion est plus éloignée de mon identité. Explorer l'explosion à travers le mouvement me permet de me vivre différemment : me battre, défendre mon point de vue, me libérer et être créatif, être moi-même, apporter mon énergie dans ma vie de tous les jours.

Cette expérience est un petit exemple d'une phase de ma vie où je subissais une forte pression. L'exploration et le déploiement de l'explosion m'ont aidé à accéder à ce que je voulais vraiment et à me permettre de le défendre.

Avec cet exercice, je veux vous montrer que derrière votre vie quotidienne, un courant de rêve est toujours présent. Chaque fois que vous le souhaitez, vous pouvez entrer dans ce royaume et faire entrer le rêve dans votre vie quotidienne. Essayez-le !

Chapitre 3 : Travail sur les processus, démocratie profonde, arts et musique - la beauté dans sa totalité

Nous entamons aujourd'hui un voyage dans les arts, la musique, le travail sur le processus et la démocratie profonde - un retour à la maison, à notre vrai moi. Nous entrerons dans le monde de plusieurs artistes de la fin du 20e et du début du 21e siècle. Nous suivrons leurs œuvres et leurs contributions inhérentes sur le chemin du retour à la maison. Mais d'abord, j'aimerais discuter de quelques réflexions fondamentales sur la relation entre l'art, la musique, le travail de processus et la démocratie profonde et pourquoi je parle personnellement d'art et de musique quand je parle de travail de processus et de démocratie profonde (Arnold Mindell 2014a, 5).

Le niveau de l'essence et l'effondrement du temps (Einbruch der Zeit)

Au XXe siècle, les arts et la musique ont connu des changements fondamentaux. Nous verrons comment la musique et les arts ont été le fer de lance de ces changements à une époque où le grand public vivait encore dans un ancien domaine de conscience. La musique et les arts choquaient, ils n'étaient pas compréhensibles. Jean Gebser a parlé d'une nécessité de notre temps :

L'entrée du temps dans notre conscience : cet événement est le grand et unique thème de notre époque. Il s'agit d'un nouveau thème et donc d'une nouvelle approche. Sa réalisation par nous apporte une toute nouvelle qualité de vie : une nouvelle intensité et un nouveau souffle, et donc le renversement des forces qui, dans notre monde, sont à l'origine des changements.²

Schübl, Hämmerli et Gebser 2015, 443

Il affirme en outre que cette énorme question est principalement liée à une nouvelle compréhension du temps :

...dass Zeit, die mental-rationale Zeit, ein teilendes Prinzip und ein Begriff ist Unserem bisherigen Bewusstsein liegt von allen möglichen Zeitformen der mental-rationale Zeit-Begriff am nächsten³

Schübl, Hämmerli et Gebser 2015

Jean Gebser poursuit le processus pour découvrir une nouvelle compréhension du temps (Schübl, Hämmerli et Gebser 2015, 443) :

Ce qui est encore plus important que le mot "Zeit", c'est l'Achronon, c'est-à-dire la liberté de mouvement de chaque forme de temps ; c'est la liberté de mouvement.

Il écrit que notre époque nécessite une nouvelle conscience. Il considère que notre époque est en transition vers une nouvelle conscience qu'il explore dans différents domaines, notamment les arts et la musique.

En lisant Ursprung und Gegenwart de Jen Gebser, j'ai toujours eu le sentiment d'avoir lu...
L'esprit quantique d'Arnold Mindell (2000). Pourquoi ?

Dans son chapitre sur le détachement du temps chez Einstein, Mindell cite Einstein (2012 p 297) :

Les gens comme nous, qui croient en la physique, savent que la distinction entre passé, présent et futur n'est qu'une illusion obstinément persistante ... Le temps doit se dilater et se rétrécir pour que la vitesse de la lumière reste la même

Bien que je ne sois pas doué en physique, je comprends cela à la manière d'un musicien. En musique, le temps se dilate et se rétrécit toujours en fonction du processus musical. Vous pouvez composer un morceau de musique qui n'a ni début ni fin. Vous pouvez ralentir la sensation de temps ou la resserrer.

Mindell écrit :

Pourtant, de nombreux peuples autochtones attendent que le moment soit venu. Certains peuples, comme les Hopis, n'ont même pas de mot pour désigner le temps, mais parlent plutôt de ce qui se manifeste ou de ce qui est manifesté. Il n'y a ni passé, ni présent, ni futur.

Le temps est important ; il peut être vécu comme un déroulement ininterrompu d'un point à un autre, ou comme quelque chose qui s'arrête, s'interrompt, s'étend et se rétrécit en fonction des circonstances et de la culture

Arnold Mindell 2012, 297

Écouter un morceau de musique - par exemple une symphonie de Gustav Mahler. Écoutez le début sur YouTube. Vous suivez le flux de la musique, le temps qui change, qui avance et qui recule dans le même morceau. Vous oubliez le temps, mais vous êtes dans le temps, mais pas dans le sens mental et rationnel du temps. Vous suivez l'expansion, le rétrécissement du temps, les pauses et l'immobilité. En écoutant de la musique, on passe à un autre niveau d'expérience du temps.

Afin d'expérimenter le temps comme quelque chose d'infini, regardez la musique suivante sur Youtube :

• Bleu Maraba par Abdullah Ibrahim
• Et Dans un paysage de John Cage
• L'écoute profonde, par Pauline Oliveros

Dans le cadre de mon travail d'enseignement de la musique, j'ai réalisé ces dernières années que des changements se produisaient chez de nombreuses personnes. Beaucoup éprouvent des difficultés à passer d'une réalité temporelle consensuelle à une autre approche temporelle pour entrer dans le temps de la musique. Il est souvent nécessaire de préparer l'atmosphère, de ralentir la pression quotidienne, de conduire l'élève à une sorte d'intemporalité. D'un autre côté, je remarque aussi chez de nombreuses personnes (moi y compris) un besoin de musique qui ralentit, de musique qui met l'accent sur l'intemporalité. J'en conclus que nous vivons une époque où il est temps de travailler sur cette approche du temps. L'époque nous amène à passer du temps rationnel à ce que Gebser a appelé le La liberté d'action: la liberté spirituelle.

Il est facile de comprendre comment la musique façonne le temps différemment de notre temps quotidien. Lorsque vous écoutez un concert, vous oubliez votre vie quotidienne. Vous êtes dans un autre fuseau horaire. Après le concert, vous pouvez dire :

J'ai l'impression que le concert a duré des heures.

Si vous faites quelque chose que vous aimez, vous oubliez les secondes et vous vivez dans un autre temps. Le langage de Process Work pourrait dire que vous vivez dans une terre et un temps d'essence.

Gebser utilise le terme Einbruch der Zeit - pour l'effondrement du temps (Schübl, Hämmerli et Gebser 2015), c'est-à-dire le changement de l'aspect mental-rationnel du temps. Il dit que cela est pertinent au-delà d'un espace défini. Il a remarqué quelque chose de plus grand, quelque chose comme une révolution ou une évolution de la conscience. Il a reconnu ce Einbruch der Zeit d'une manière particulière dans les arts et la musique. Cette révolution ou évolution de la conscience est comparable à l'approche d'Arnold Mindell dans divers ouvrages et en particulier dans Quantum Mind (Arnold Mindell 2012) que vous pouvez lire ci-dessus dans les citations.

Vous pouvez reconnaître certaines similitudes entre Mindell et Gebser, ce qui aide à comprendre la vie d'une autre façon. Rappelez-vous la citation de Jean Tinguely : “Tout bouge, il n'y a pas d'immobilité. Ne vous laissez pas terroriser par des notions de temps périmées. Laissez tomber les minutes, les secondes et les heures”.

Tinguely parle également d'une autre compréhension du temps. La musique et les arts sont des domaines où il est possible pour quiconque d'expérimenter ces aspects, non seulement en lisant et en pensant, mais aussi en créant des extensions sonores et matérielles de la conscience. A ce stade, la musique et les arts rejoignent le Process Work et la Démocratie profonde dans leur qualité d'élargissement de la conscience et de l'attention.
Revenons à l'ouvrage de Gebser, Einbruch der Zeit :

Il parle de détachement du temps, comme Mindell le fait dans la citation précédente de son livre Quantum Mind. Dans la musique et les arts, l'aspect du temps a été travaillé depuis longtemps dans le monde entier. Vous pouvez penser à certaines musiques, par exemple la musique indienne ancienne, la musique grégorienne en Europe au Moyen-Âge et les anciennes percussions chamaniques : Une musique qui vous transporte dans un autre état, libéré du temps quotidien.

Gebser parle de différentes façons de comprendre le temps. Il parle d'une quatrième dimension en tant que temps - pratiquée dans les arts et la musique depuis le début du 20e siècle en Europe, lorsqu'un énorme réveil a transformé les arts et la musique traditionnels des cultures européennes de manière radicale.

Par exemple, Picasso a dessiné un être humain de différents côtés en même temps. Lorsque nous regardons quelque chose, nous voyons en un instant un côté et avons besoin d'un certain temps pour passer d'un côté à l'autre afin de voir l'autre côté d'un objet. Picasso dessine l'intégralité d'une personne. Il montre avec ses peintures que la conscience quotidienne est fragmentée, qu'elle n'est pas réelle au sens matériel du terme. Picasso dessine l'intégralité d'une personne. Les couleurs qu'il utilise sont aussi des couleurs d'humeurs, d'atmosphères.

Dans l'introduction et dans la section sur les principes fondamentaux du travail par processus et de la démocratie profonde, nous avons vu que la réalité ne se limite pas à la sphère quotidienne. C'est la multidimensionnalité qui nous montre ce qui est réel. Pour comprendre la globalité d'un groupe, nous avons besoin de toutes les voix et de tous les niveaux - la démocratie profonde à ce moment-là. Nous devons, comme le montre Picasso, regarder de l'arrière et de plusieurs côtés pour reconnaître la pleine réalité.

Un phénomène similaire s'est produit dans le domaine de la musique au début des années 20.^th siècle. Jusqu'à cette époque, le système tonal majeur-mineur constituait la structure harmonique de la musique classique. Il s'agissait d'un système hiérarchique. Il s'est effondré en plusieurs étapes au moment où le style dit abstrait est apparu dans les arts.

Schönberg a parlé de l'émancipation de la dissonance et a proclamé contre l'ancien système douze tons libres en relation les uns avec les autres de manière libre (Schoenberg, Stein, et Cohen-Levinas 2011, 104). Un certain nombre d'autres compositeurs sont entrés dans une compréhension totalement nouvelle de l'espace et du temps. Pour le public, c'était un choc.

Qu'est-ce que cela signifie pour nous et pour notre compréhension de la manière dont l'art et la musique sont liés au travail de processus et à la démocratie profonde ? Nous pouvons dire que l'art et la musique - comme la physique quantique et la psychologie des profondeurs - ont ouvert la voie à l'expérience du mystère qui se cache derrière la vie quotidienne. Gebser parle d“”Aperspektivität“ et d”"Achronon" (Schübl, Hämmerli et Gebser 2015, 443), ce qui signifie renoncer à l'ancien modèle qui consistait à tout comprendre, non seulement dans le domaine de la musique et des arts, mais aussi dans tous les domaines de la vie.

Je conclus ce chapitre en disant que l'esprit quantique d'Arnold Mindell, Ursprung und Gegenwart de Jean Gebser, ainsi que l'art et la musique contemporains avec leurs artistes incroyables, nous montrent comment suivre de nouveaux voyages de conscience pour revenir à notre vrai moi, à notre plénitude.

J'aimerais maintenant partager avec vous quelques-unes de mes musiques préférées, qui s'inscrivent dans une autre conception du temps.

Les œuvres de Schönberg et de Webern, écrites au début du XXe siècle, expriment la musique en un temps si court que le temps semble suspendu :

• Arnold Schönberg : 6 petites pièces de musique (Schonberg 2008)
• Anton Webern : 6 pièces pour grand orchestre, op.6 (Webern, n.d.)

Debussy vous entraîne dans une musique qui nécessite de se laisser aller, de repérer ce que l'on entend :

• Claude Debussy : Jeux (Debussy 2016)

Lili Boulanger a suivi une voie similaire, mais elle est décédée beaucoup trop tôt. En admiration, j'aime ses œuvres écrites dans ses très jeunes années. Elle était une pionnière en tant que femme dans un monde de compositeurs masculins.

• Lily Boulanger : D'un soir triste (Boulanger 2012)

Les musiques suivantes, issues d'autres cultures et d'autres époques, ont également une autre approche du temps. La musique indienne m'a appris l'infinité du temps et de l'espace :

• Zakir Hussain et Rakesh Chaurasia : EtnoKraków Rozstaje ROZSTAJE (Zakir Hussein et Chaurasia 2015).

Hildegard von Bingen était une merveilleuse guérisseuse et compositrice au Moyen-Âge. Sa musique me conduit directement à l'essence.

• Hildegard von Bingen : Hortus Deliciarum (Hildegard von Bingen 2017)

Retour à la pratique

Je ne veux pas terminer ces chapitres sans vous inviter à faire une petite expérience avec votre voix ou avec les objets sonores qui se trouvent là où vous êtes.

Expérience de base 2 : u et x et musique

1. Pendant un moment, arrêtez ce que vous faites dans votre vie de tous les jours
2. S'asseoir ou se tenir debout confortablement, prendre quelques respirations
3. Essayez d'ouvrir un peu votre esprit
4. Y a-t-il quelque chose que vous appréciez en ce moment ?
5. Décrivez-le et appréciez-le
6. Trouvez un son pour cela, quelque chose de court (mélodie courte, rythme, bruit).
7. Y a-t-il quelque chose d'inconfortable pour vous, quelque chose que vous n'aimez pas, quelque chose qui vous dérange ou vous perturbe en ce moment même ? Décrivez-le et trouvez un son comme indiqué ci-dessus
8. Maintenant, combinez les deux sons et créez un petit morceau de musique à votre manière. Il n'y a pas de règles particulières pour cela !
9. Comment cette musique vous parle-t-elle ? Des idées ?

Ce que j'ai compris lorsque j'ai fait cet exercice : La musique est l'essence au-delà de la polarité. J'y perçois une qualité vitalisante, qui me rend léger et souple.

La première musique U que j'ai appelée Balcon - c'est une musique de l'espace. Le motif répété exprime le soutien à l'ici et au maintenant sans aucune direction.

La deuxième musique X que j'ai appelée Pression - elle exprime le fait d'aller de l'avant, de pousser, d'avoir de l'énergie. Cette musique requiert plus d'énergie dans mon corps. Il y a une direction.

La combinaison des musiques X et U exprime la fluidité vitale. En chantant cela, mon corps se sent “dans le groove”, plein d'une présence physique et m'éveille.

Cela m'a aidé dans ma vie quotidienne à vivre mes journées de manière plus cohérente, j'ai eu plus confiance en moi en ressentant la combinaison de ces deux énergies dans et à travers mon corps.

À ce stade, je vous invite à écouter une petite démonstration - une courte pièce musicale que j'ai composée avec ces éléments X et U. J'espère que cela vous encouragera à essayer l'exercice, même si vous n'avez pas de connaissances musicales formelles. J'espère que cela vous encouragera à essayer l'exercice, même si vous n'avez pas de connaissances musicales formelles.

• Écouter Soundcloud (Schatzmann 2018c)
• Balcon (Schatzmann 2018a)
• Pression (Schatzmann 2018b)
• U et X (Schatzmann 2018d)

Voici mes réflexions personnelles sur Soundcloud :

1. Ce que j'aime : S'asseoir sur le balcon, le temps infini, l'été.
2. Perturbation : Pression intérieure des projets à venir
3. Combinaison : Dans Balcony, ma voix est calme, un peu sans fin, une sorte de monotonie. Dans Pressure, le motif musical est une sorte de bruit de poussée. Dans X et U, le motif musical de la pression change avec la voix du Balcon dans un mouvement de va-et-vient, en déployant ce processus musicalement, la voix développe un autre timbre, plus chantant avec la voix de poitrine, ce qui signifie pour moi plus d'énergie mais dans une expression détendue.
4. Un aperçu de ma réalité quotidienne : La pression stimule, et la détente influence la pression pour qu'elle soit plus joyeuse.

Partie 2 : Les artistes et leur envie de rentrer au pays

Chapitre 1 : Introduction

Je vous invite maintenant à suivre un voyage à travers la vie et l'œuvre de trois artistes particuliers qui ont joué un rôle crucial dans mon développement. Mon objectif est d'étudier ces artistes ensemble, ainsi que leurs approches particulières de l'art contemporain. rentrer à la maison.

Comme je l'ai mentionné, lorsque je parle d'art, je parle de processus de travail, et je parle de processus de travail lorsque je parle d'art. De plus, j'ai mentionné que l'art et la musique, ainsi que le processus de travail, m'ont toujours transporté. retour à la maison. Je souhaite à présent étudier comment ces artistes et leurs œuvres peuvent être un retour à la maison pour les personnes intéressées, et comment leur approche est liée au travail sur les processus et à la démocratie profonde.

D'un seul coup d'œil, je peux dire que le sculpteur Joseph Beuys a créé un nouveau concept d'art avec la possibilité pour quiconque de suivre la liberté qui découle de la créativité. C'est pourquoi je vais étudier comment le fait d'être libre et créatif peut être compris comme être à la maison.

Un deuxième artiste, le compositeur John Cage, a bouleversé l'approche de la composition occidentale. Il nous permet d'expérimenter notre monde et nous-mêmes comme un cosmos musical. Au sein de ce cosmos, tout est relié par le son, construisant ainsi une immense harmonie. Nous pouvons dire que rentrer dans le monde du son - qui n'a pas de frontière - est une sorte de maison.

Nous rencontrerons Marina Abrahmovich qui a fondé une méthode révolutionnaire de performance avec des modèles vivants dans des situations de confrontation, qui montrent les fantômes de la société. Elle nous apprend à franchir les limites encore et encore pour une transformation sans fin et à nous débarrasser de nos peurs en affrontant nos douleurs de manière directe et impitoyable.

Je discuterai également de certaines déclarations sur l'art de l'auteur Max Frisch, qui exprime très précisément en mots l'essence de l'art et la manière dont l'art est accessible à tous. En atteignant notre liberté de conscience et d'expérience sensorielle grâce à l'art, nous faisons l'expérience d'une sorte de foyer à partir duquel nous devenons des artistes dans la vie.

Dans les chapitres consacrés à Marina Abramovic et Max Frisch, j'inclus le format spécial de processus de groupe de Worldwork. Le Worldwork a été développé par Arnold Mindell comme un modèle de travail sur la transformation collective (Schupbach 2007a). Dans ces chapitres, nous étudierons le potentiel de transformation et de sensibilisation de certaines approches artistiques, en particulier l'art de la performance. L'artiste peut être considéré momentanément comme une sorte particulière de travailleur mondial - quelqu'un qui travaille publiquement sur des sujets qu'il considère comme pertinents pour la société. Elle montre à travers son travail les différentes facettes d'une situation, en particulier celles qui sont marginalisées. Pour moi, cela signifie que l'artiste représente une sorte de “grand amour” (Schupbach n.d.), que je développerai dans ces chapitres.

Je me suis rendu compte, dans mon travail musical personnel et à travers mon étude des artistes dont il est question ici, que l'art peut être un processus de groupe pour la construction d'une communauté dans un sens plus large - parfois de manière très directe, parfois de manière indirecte. Je parlerai des performances de Marina Abramovic qui sont devenues un processus de groupe et je montrerai dans le chapitre sur Max Frisch comment nous pouvons comprendre le processus de groupe dans la façon dont le champ révèle la conscience et la perception sensorielle à travers notre liberté de conscience.

Toutes ces expressions artistiques sont profondément liées au travail sur le processus, qui guide l'action de la Commission européenne. nous ramène à notre vrai moi.

Chapitre 2 : Joseph Beuys et tout le monde est artiste

Le premier artiste que je souhaite aborder est Joseph Beuys, sculpteur, qui a vécu de 1921 à 1986. Dans ce chapitre, j'expliquerai la vision de Beuys sur ce qu'est l'art et je décrirai certaines situations de sa vie afin d'étudier les raisons pour lesquelles il a développé sa nouvelle approche de l'art. Je présenterai mes propres expériences avec son approche, et la manière dont elle m'a permis de me sentir chez moi. J'explorerai également le lien entre son art et le Process Work et la Démocratie profonde. J'ai créé des exercices pour que vous puissiez faire l'expérience de vous-même en tant qu'être créatif et être chez vous, à travers votre propre créativité et en tant qu'artiste dans la vie.

Pendant de nombreuses années, Josef Beuys a été pour moi comme un professeur intérieur. Professeur intérieur signifie que je ne l'ai jamais rencontré en personne, mais qu'il a été mon professeur à travers ses œuvres. Son approche répondait à mes aspirations profondes en matière d'art, de musique et de vie. Tout d'abord, j'ai été émerveillé par son art. Ensuite, j'ai reçu des impulsions profondes pour mon enseignement de la musique et pour moi-même en tant que musicien. Depuis que j'ai découvert le Process Work, j'ai senti un lien entre son approche de l'art et certains aspects du Process Work. Je souhaite maintenant l'étudier dans ces pages. Je veux explorer ce lien et la façon dont son idée de l'art est un moyen de rentrer chez soi.

Ses formulations les plus célèbres de l'art sont les suivantes :

Tout le monde est un artiste

Beuys et Bodenmann-Ritter 1988

et

art = être humain = créativité = liberté

Marx 2009

Ces formules nous donnent déjà un petit aperçu de la manière dont il concevait l'art. Le fait que chacun soit un artiste ne signifie pas que chacun doive devenir un peintre, un musicien, un danseur ou un poète professionnel. Beuys a mis l'accent sur le potentiel de créativité de chacun et a déclaré que l'art est une force créatrice capable de changer le monde. La question centrale de ce chapitre est de savoir si l'art est un moyen de revenir à notre vrai moi.

Suivons d'abord quelques étapes de la vie de Joseph Beuys, et quelques-unes de ses nombreuses déclarations.

‘Ferner punkt’ et essence world

Pendant la Seconde Guerre mondiale, Beuys a servi dans la marine. Lors d'une interview, il a parlé de cette période en tant que soldat de la marine (Joseph Beuys - Jeder Mensch Ist Ein Künstler (Portrait) 2011, 14.3). Il aimait cela parce que cela lui donnait une perspective de l'extérieur, une vue d'ensemble. Il n'aimait pas la guerre, mais il aimait voler, parce qu'il aimait être loin au-dessus de la terre :

J'ai souvent eu des discussions à ce sujet aujourd'hui, mais je me dis que les gens se trouvent à un endroit très éloigné et qu'ils vont chercher l'eau dans l'océan. Ce que je souhaite le plus souvent, c'est que l'on se concentre sur les détails. Il s'agit toujours de l'élément le plus important, le plus visible, le plus visible, et ensuite de l'élément le plus important, puis des détails.⁴

Le ferner punkt (traduction : point le plus éloigné) peut être compris comme une sorte de monde de l'essence en termes de travail de processus. Il n'y a pas encore de polarité et Beuys peut donc dire “c'est là que vous reconnaissez le plus important, le plus évident” et j'ajoute que cette zone est une perspective non dualiste comme le niveau de l'essence en termes de travail de processus.

Après un accident d'avion auquel il a survécu en tant que soldat, il a raconté l'histoire suivante :

Les Tatars l'ont pris dans leurs bras et l'ont soigné. Il s'agissait d'une expérience initiatique (Joseph Beuys - Jeder Mensch Ist Ein Künstler (Portrait) 2011, sec. 13.54) : Il n'a pas donné beaucoup de détails à ce sujet. C'est pourquoi certains pensent qu'il pourrait s'agir d'une légende. Pour moi, il n'est pas important de savoir si cette histoire est une légende ou non. Du point de vue du travail sur le processus, je dis qu'elle est vraie à un certain niveau. Il est vrai que dans le monde réel, il a eu un accident d'avion sur l'île de Crimée, mais il n'est pas certain que les Tatars l'aient recueilli et guéri. C'est pourquoi les experts en ont discuté à l'infini. En guise d'alternative, je pose la question suivante : qui sait ce qui s'est passé lors de son accident d'avion ? Aurait-il pu s'agir d'une expérience à un autre niveau, d'une expérience dans un monde parallèle, comme un voyage chamanique ? Il semble que ce voyage l'ait inspiré, et ce qui était probablement ses expériences intérieures est apparu plus tard dans son art, notamment en ce qui concerne les matériaux avec lesquels il travaillait et sa vision de la manière dont une idée s'incarne.

Il a d'abord étudié les sciences, mais n'a pas été satisfait. Il s'est alors engagé dans la voie de l'art, à la recherche de réponses à ses questions. Après une crise énorme et dangereuse, il a poursuivi son travail de sculpteur et a développé une approche révolutionnaire de la sculpture. Il ne voulait pas d'une forme finie, mais il voulait que le processus de sculpture conduise à des formes autonomes. Il élargit le terme de sculpture à des domaines philosophiques et sociopolitiques.

Ses œuvres ont quelque chose de chamanique et il utilise de plus en plus la forme d'actions et de performances pour les processus de sculpture. En Europe et aux États-Unis, le mouvement Fluxus a choqué la société avec un nouvel art appelé “Performance Art” et “Fluxus” (Harlan, Rappmann et Schata 1984, 55) et a apporté des impulsions importantes pour de nouvelles expressions dans l'art. En tant que membre, Beuys a influencé ce mouvement de manière significative.

Des actions très célèbres ont eu lieu pendant Documentas, une exposition internationale récurrente à Kassel, en Allemagne. Une grande quantité de 7 000 pierres de basalte et des semis de chênes ont été placés sur le terrain de la Documenta. Les gens pouvaient acheter un chêne et une pierre, et les arbres ont été plantés dans toute la ville. Aujourd'hui, on peut encore voir les pierres et les chênes. En général, Beuys travaillait avec des matériaux qui avaient des qualités de changement et de transformation.

Il a créé de nombreuses œuvres, actions, discussions et discours. Il a également cofondé le parti vert en Allemagne, l'Omnibus für Direkte Demokratie - une initiative itinérante de sensibilisation du public - et de nombreux autres projets.

Nous allons maintenant nous pencher sur certaines de ses convictions et de ses visions de l'art dans le cadre de notre recherche. rentrer à la maison avec notre vrai moi et de la combiner avec des aspects du Process Work et de la Démocratie profonde.

Josef Beuys a fortement critiqué les principes académiques traditionnels et les artistes qui s'installent dans une bulle confortable. L'une de ses déclarations fortes est la suivante (Burckhardt 1994, 55) :

Si vous avez une belle vue, vous verrez que chaque homme est un artiste. Je me trouvais à Madrid et j'ai pu constater que les hommes qui travaillent dans le secteur de l'agriculture sont de grands génies. L'homme se rend compte de l'art avec lequel elles accomplissent leur travail et des valeurs qu'elles possèdent. L'homme comprend qu'il s'agit d'acteurs d'une humanité future. J'ai déjà observé certaines choses avec les musiciens, ce que j'ai constaté avec les artistes, car les artistes sont en grande partie opportunistes, ce sont des chasseurs de primes, ce que je ne peux que déplorer aujourd'hui. Les artistes sont la classe la plus réactive.
En soi, il n'y a plus aucune classe, mais les artistes sont si réactifs qu'ils créent toujours une nouvelle classe.⁵

Il s'agit d'une déclaration très provocante de Beuys et je la cite ici parce que je veux souligner qu'il a postulé un nouveau terme d'art : Der “erweiterte Kunstbegriff” - un concept élargi de l'art. Pour lui, les anciennes façons de considérer les artistes ne sont plus pertinentes. Il a rejeté le terme de génie comme appartenant à quelques artistes célèbres et largement acceptés par la société, par exemple ceux des époques antérieures des 18e, 19e et 20e siècles.

Aujourd'hui encore, nous rendons hommage à l'ancienne conception du génie, qui, à mon sens, n'est pas erronée. Mais cette attitude marginalise le potentiel de chacun à être un génie à sa manière. Elle marginalise surtout la possibilité de liberté en chacun comme impulsion de la créativité, comme le dit Beuys dans sa formule art = créativité = être humain = liberté.

L'identité d'artiste solitaire n'est plus utile à Beuys car elle est déconnectée des exigences de l'époque actuelle. Dans son esprit, chaque être humain est un artiste et un génie et a le potentiel de changer le monde grâce à ce génie intérieur. Beuys a proclamé ce potentiel comme étant de l'art.

Au cours de mes études musicales dans les années 1980, ses opinions, ses convictions et ses déclarations fortes ont été une révélation, même si, de mon point de vue, elles ne pouvaient pas encore être formulées globalement. Du point de vue de Deep Democracy, chaque point de vue et chaque rôle est important. L'artiste solitaire est un rôle - par exemple des artistes comme Joseph Beuys. Mais le fait d'être figé dans le système de croyances des artistes des 18e et 19e siècles de la culture occidentale a marginalisé les nouvelles façons de faire de l'art. C'est pourquoi, pendant mes études de musique, l'œuvre de Beuys m'a nourri pour mon propre chemin.

À l'époque, j'étudiais la musique et je ne pouvais pas supporter ces vieux modèles d'artistes. J'avais souvent l'impression de venir d'une planète inconnue. Après mes études musicales de base, j'ai réalisé que j'étais au début d'un nouveau et long voyage vers quelque part ou nulle part. Une fois de plus, je me suis posé la question : Cela a-t-il un sens ? Pour qui ? Mon travail musical est-il l'art pour l'art ? Je cherchais une autre approche qui incluait également ma connexion au monde, avec tous ses problèmes ; et incluait ma connexion à la recherche de qui sommes-nous ici, où allons-nous et surtout comment mieux traiter la planète, les êtres vivants et nous-mêmes. En d'autres termes : Je cherchais un retour à la maison à une vérité intérieure et Beuys a été mon professeur pour une partie spécifique de mon voyage.

De la perception pure au concept

Voyons maintenant comment Beuys a imaginé la source de tout. Beuys reprend la parole (Joseph Beuys Harlan 1988) :

L'art est l'élément du bien-être qui permet à l'homme de comprendre qu'il est le point de départ de tout ce qui se passe dans le monde, de tout ce qui est produit, de tout ce qui est nouveau et de tout ce qui évolue.⁶

Et j'ai trouvé ceci dans une vidéo (Joseph Beuys Über Den Erweiterten Kunsbegriff 2016) :

L'art ou la créativité est le point de départ de tous les phénomènes. C'est la zone où quelque chose vient dans le monde matériel à partir de quelque chose d'extrasensoriel, d'une zone qui n'est pas encore dans le monde matériel. Cela a quelque chose à voir avec la pensée et la liberté.

Pourquoi la liberté ? Parce que dans cette zone, nous sommes libres, pas encore liés à une certaine identité ou à un système de croyances et pas encore impliqués dans les complications et les intérêts de tous les jours. La façon dont Beuys décrit cette zone peut être comparée au niveau de l'essence d'Arnold Mindell. Le niveau de l'essence, ainsi que la description de Beuys ci-dessus, est une zone au-delà des polarités, au-delà des luttes de notre vie quotidienne. Ce monde de l'essence est un espace de liberté au sens le plus profond du terme.

Comparez-le au champ intentionnel, un terme créé par Arnold Mindell lorsqu'il travaillait sur le lien entre la physique et la psychologie. Amy Mindell parle de l'étude d'Arnold Mindell dans son livre The Dreaming Source of Creativity : (Amy Mindell 2005)” :

Il a décrit ce champ comme une force génératrice et créatrice qui est toujours présente en nous et autour de nous.

Dans ce domaine de la force créatrice, Beuys ne voit pas seulement la Liberté, mais aussi la Pensée.

Beuys était profondément lié à Rudolf Steiner, le fondateur de l'anthroposophie. Il a étudié l'œuvre de Steiner et l'a partiellement utilisée comme toile de fond de son art. Dans sa thèse de doctorat intitulée Philosophie de la liberté, Steiner explore l'essence de la pensée et de la liberté (Steiner 2018). Il affirme que la perception a besoin de la pensée, car la pensée nous permet de prendre conscience de ce que nous percevons. Beuys conclut que la pensée transforme nos perceptions en concepts.

Avec Arnold Mindell, nous pouvons dire que nous gagnons quelque chose et que nous perdons quelque chose - à savoir le Tao qui ne peut être parlé (Arnold Mindell 2012, chap. 2). La signification du Tao qui ne peut être parlé est que, au moment même où nous réfléchissons à quelque chose au niveau de l'essence, nous nous en déconnectons partiellement. Mindell décrit que lorsque, par exemple, nous comptons les moutons dans un pré, nous perdons en quelque sorte le mouton - le mouton dans son essence.

Steiner et Mindell nous enseignent l'enchevêtrement entre la perception et la pensée et la façon dont cette relation nous donne la possibilité d'être libres. C'est pourquoi Beuys parle des pensées comme étant déjà une sculpture (Harlan, Rappmann et Schata 1984, 61). Pour lui, la perception est la base d'un processus de pensée et le processus de pensée est une sorte de sculpture. Nous pouvons voir ici le niveau de l'essence comme un monde de pure perception, qui se différencie ensuite par le processus de pensée. Dans le processus de travail tel que je le conçois, l'accent est mis davantage sur la conscience que sur la pensée. Je pense que le terme de pensée de Steiner est comparable à la conscience dans le sens du processus de Mindell.

Beuys et l'identité fluide

Beuys a déclaré que l'art, tel qu'il est pratiqué à l'époque de ces discussions, entre les années 1960 et 1980, est quelque chose qui vit dans une niche, une planète spéciale, à laquelle seules quelques personnes ont accès, et qui a toute une histoire de privilèges. De nombreuses personnes étaient exclues de l'art. Beuys, au contraire, voulait, par son art, se placer au centre du monde, au milieu de la société.

Il a postulé que la créativité de chacun est la force de transformation du monde. C'était son erweiterter Kunstbegriff - sa conception élargie de l'art. Il a combiné sa devise d'artiste avec sa formule L'art, c'est l'être humain, c'est la créativité, c'est la liberté. Nous pouvons dire que Beuys a travaillé avec une identité fluide de transformation continue. Il s'agit d'une créativité et d'un processus sculptural de liberté, qui modifie le monde à chaque instant.

Beuys a également déclaré (Harlan 2011, 13) :

... est donc, ce que je sculpte, non figé et achevé. Les processus se poursuivent : réactions chimiques, processus de fermentation, pourriture, déshydratation

Il a mis l'accent sur le processus et la transformation en travaillant avec des matériaux qui changent toujours, comme la graisse et l'huile. Au Kunsthaus de Zurich, une salle est consacrée à l'œuvre Olivestone (Klophaus 1993), une magnifique sculpture composée de deux énormes récipients en pierre remplis d'huile d'olive. J'ai lu récemment que le musée avait changé l'huile par une procédure compliquée et coûteuse. Quel malentendu à propos de Beuys ! Je pense qu'il n'aurait jamais accepté de faire cela. J'ai imaginé l'endroit avec cette huile, se transformant continuellement, sentant de plus en plus fort et pénétrant les murs pour que l'idée puisse se répandre. C'est une image puissante de la façon dont les visions s'incarnent et se répandent.

Il a mis l'accent sur le processus et la transformation en travaillant avec des matériaux qui changent toujours, comme la graisse et l'huile. Au Kunsthaus de Zurich, une salle abrite l'œuvre Olivestone (Klophaus 1993), une magnifique sculpture composée de deux énormes récipients en pierre remplis d'huile d'olive. J'ai lu récemment que le musée avait changé l'huile par une procédure compliquée et coûteuse. Quel malentendu à propos de Beuys ! Je pense qu'il n'aurait jamais accepté de faire cela. J'ai imaginé l'endroit avec cette huile, se transformant continuellement, sentant de plus en plus fort et pénétrant les murs pour que l'idée puisse se répandre. C'est une image puissante de la façon dont les visions s'incarnent et se répandent.

En résumé, Beuys s'intéresse au potentiel de tous les êtres humains. Il met l'accent sur la liberté, la transformation, le mouvement, les processus de pensée et les processus de conscience. Rien n'est achevé, mais toujours dans un flux continu. Reconnaissez-vous la description du processus de travail dans l'introduction ? Nous étudierons plus tard le lien entre Beuys, Process Work et Deep Democracy.

Nous pouvons dire que le concept élargi de l'art de Beuys travaille sur le processus qui va de l'essence créative à la manifestation sensorielle ancrée dans notre vie quotidienne. Pour Beuys, il s'agit d'un art doté d'une nouvelle signification. Cela inclut également le terme d'utopie - qu'il mentionne souvent, en raison de la qualité de l'essence où la créativité commence et où l'aspect de la liberté de chaque être humain vit. Beuys travaillait avec des utopies et voulait qu'elles se réalisent. Il avait une personnalité très intense et a donné sa vie pour cette utopie. erweiterter Kunstbegriff et Tout le monde est un artiste.

L'approche de Joseph Beuys a été une impulsion cruciale pour mon propre travail. Si tout le monde est inclus dans le monde des arts, j'en ai conclu que tout le monde appartient à ce monde, que tout le monde est invité à créer, à faire partie d'un monde créatif. Cette impulsion a été une énorme motivation dans le développement de mon chemin avec la musique et l'enseignement de la musique. Je me sentais chez moi, invitant chacun à jouer du piano, à trouver sa propre musique et sa propre façon de jouer de l'instrument. L'improvisation a donc pris une grande place dans mon travail. J'ai également conclu que la pratique de la musique préparerait chacun à être plus créatif dans sa vie. Il n'était pas nécessaire de faire beaucoup de progrès au piano comme dans la méthode traditionnelle. Il était crucial que chaque musicien travaillant avec moi ait la possibilité de découvrir sa créativité la plus profonde, et par ce biais, le retour à la maison, au vrai moi.

Le concept élargi de l'art m'a guidé personnellement vers une compréhension élargie du travail dans le domaine de l'éducation. Beuys parle de la créativité de l'être humain comme de la seule force révolutionnaire (Harlan, Rappmann et Schata 1984, 59). L'étude de son œuvre m'a amené à ma propre façon d'enseigner la musique. Si j'étais en mesure d'aider mes élèves à développer leur créativité musicale la plus profonde, j'imaginais qu'ils pourraient utiliser la force de leur créativité dans leur processus de vie.

La relation entre Beuys et Process Work, Deep Democracy et Worldwork : sculpter le monde

J'ai déjà mentionné que les trois niveaux que sont l'essence, le pays des rêves et la réalité consensuelle sont comparables à la façon dont Beuys conçoit l'incarnation d'une idée. Nous allons maintenant aller plus loin dans l'exploration de ce lien.

À propos de la sculpture sociale, Beuys souligne que sa formule est un moyen de créer et de changer le monde. J'en conclus que la créativité de chacun construit une sculpture sociale. Si nous suivons sa formule, Art = Créativité = Être humain = Liberté, est-il possible de résister encore au changement, est-il possible de dire, Oh, je ne peux rien faire ! La formule de Beuys requiert tout notre être. Mais comment être créatif ? Comment être libre, comment être un être humain qui remplit cette formule sans être contraint à quelque chose ? C'est exactement au moment où ces questions et ces problèmes se posaient que le Process Work est entré dans ma vie.

Le paradigme du Process Work et de la Démocratie profonde m'a permis d'apporter ma créativité dans la vie de tous les jours, sur scène et dans mon enseignement d'une manière incroyablement joyeuse. En appliquant le Process Work, je suis un flux infini d'informations - familières et inconnues. Chaque fragment d'information, chaque rôle, chaque voix et chaque atmosphère sont importants. Cela nous permet d'être libres dans chaque situation, même si nous remarquons que nous ne sommes pas libres, nous avons toujours la liberté de le remarquer.

L'expérience continue à travers tous les niveaux de conscience et le champ intentionnel en tant que foyer pour tout ce qui veut émerger, était une façon impressionnante de ressentir cette formule de Beuys dans son essence. Arnold Mindell écrit (Arnold Mindell 2014a) :

La démocratie profonde est le sentiment que le monde est là pour nous aider à devenir nous-mêmes et que nous sommes là pour aider le monde à devenir entier.

Je ressens le lien entre Beuys, Process Work et Deep Democracy de la manière suivante :

Ma compréhension de Beuys est qu'il donne des impulsions importantes, et je considère le Process Work et la Deep Democracy comme une exigence et une manière nécessaires et géniales d'être un artiste en prenant conscience de tous les points de vue, et pas seulement de ceux que j'aime. Cela crée le sentiment d'être chez soi en étant entier et non fragmenté. Ce que je crée apparaît alors à travers ce sentiment d'être chez soi. Le travail sur le processus et la démocratie profonde ont ouvert la voie à une compréhension plus profonde et plus large de la signification de l'expression " démocratie profonde ". tout le monde est un artiste. En suivant l'approche artistique de Beuys, j'ai appris de la démocratie profonde à permettre à chaque voix en moi de créer quelque chose, dans le cadre d'un travail d'équipe, à permettre tous les points de vue. La démocratie profonde est un cadre large qui permet une approche profonde. tout le monde est un artiste. En ce sens, je me sens à nouveau chez moi.

Ma conclusion

L'être humain, en tant que créateur, crée avec la famille mondiale la grande sculpture du monde, pleine de diversité, de liberté, de blocage, de puissance, etc. Cette image qui sous-tend mon action dans ce monde en tant qu'être humain apporte mes souhaits les plus profonds au monde. Je ressens également une responsabilité en tant que cocréateur du monde. Dire que nous sommes responsables du monde n'est pas nouveau, mais imaginez que le monde est une sculpture dont la forme commence dans le monde suprasensoriel - appelé kether dans la Kabbale (Leuenberger 1984), Tao dans le taoïsme (Laotse 2010) et essence dans le paradigme du Process Work. À partir de cette source créative et suprasensorielle, l'essence de la sculpture se déplace à travers les différents niveaux.

Dans la Kabbale, par exemple, le kether se déplace sur le chemin de l'arbre de vie. Dans le Process Work, la sculpture passe de l'essence au pays des rêves et à la vie quotidienne. L'essence se répercute dans toutes les dimensions, tout comme un son avec ses harmoniques - le son qui est audible dans notre monde matériel et dont les harmoniques s'étendent à une dimension dans laquelle il n'est plus audible, mais qui reste un son.

Cette image m'inspire un immense sentiment de co-création en tant que membre de la famille mondiale, qui comprend les animaux, la nature, la terre et l'univers. Il s'agit d'une sculpture matérielle et spirituelle dont nous sommes les co-artistes et qui se renouvelle chaque jour.

Ici, je me sens à nouveau chez moi - chez moi en train de cocréer, de sentir la responsabilité de chaque être humain qui cherche encore et encore sa véritable maison, en restant dans toutes les dimensions, en la sentant et en la formant. Tout cela peut être considéré comme de l'art et chacun est l'artiste qui cocrée le monde. Grâce à l'art, chacun est sur le chemin du retour à leur véritable moi profond.

Canal Art et monde

Chaque être humain est-il un artiste ? Beuys parle des éboueurs de Madrid comme d'artistes et d'êtres du futur. Qu'est-ce qu'il veut dire par là ? Beuys nous dit que l'art est la créativité. Il dit également que la créativité est la force principale du monde et que, dans ce sens, tout le monde peut être un artiste. Cela m'amène à poser les questions suivantes :

Si nous suivons le paradigme de Beuys, pouvons-nous dire que l'art et la musique ne sont plus nécessaires parce que la créativité seule est l'art ? Quels sont les critères et les exigences pour être un artiste dans la vie et être libre de créer, d'être notre vrai moi pour créer quelque chose directement à partir de notre essence, de notre être à la maison ? Comment s'assurer que cette approche n'aboutit pas à faire arbitrairement n'importe quoi et à le qualifier d'art ? En d'autres termes, est-ce que faire un gâteau est de l'art ?

L'art a toujours été partagé avec le monde, avec le public. Beuys aussi parle toujours de l'art en termes de changement du monde. Dans Process Work, nous parlons du monde comme d'un canal. C'est pourquoi je dis que l'art est lié au canal du monde.

Nous avons l'habitude de considérer les peintres, les musiciens, les acteurs et les poètes qui travaillent en public comme des artistes. Mais considérons-nous également les agriculteurs, les enseignants, les artisans, les éboueurs, etc. comme des artistes ? Beuys répondrait par l'affirmative, dans le sens où il les considère comme des changeurs de monde. Changer le monde est un concept inné dans l'art de Beuys.

On peut imaginer, par exemple, des agriculteurs qui empruntent une voie différente de la manière traditionnelle de pratiquer l'agriculture. Lorsque je me sentais coincée dans une routine quotidienne sur ma ferme, j'étais frustrée parce qu'il manquait quelque chose qui s'apparentait à de l'art. Dans ces moments-là, mon partenaire et moi avons créé quelque chose de nouveau, d'inconnu, et l'avons partagé avec le monde. C'est à ce moment-là que je me suis sentie à nouveau chez moi. Je sentais l'art derrière l'agriculture et l'art était et est toujours ma maison. En soi, la pâtisserie n'est pas encore de l'art, mais avec une idée derrière, qui fait une différence dans le monde, la pâtisserie peut être considérée comme de l'art. L'art veut être partagé et veut faire la différence, la maison de l'art est fluide et donc liée au changement permanent.

La fabrication du fromage en tant qu'art

Je pense à un exemple de travail soi-disant banal qui peut être considéré comme de l'art. Mon partenaire et moi avons créé un nouveau type de fromage et l'avons appelé formaggini. Ce fromage était absolument inconnu dans notre région de montagne. Nous avons travaillé avec un groupe d'agriculteurs dans un magasin pour touristes avec nos produits faits à la main. Les autres agriculteurs ne nous comprenaient pas avec ce petit fromage. Ils pensaient que personne n'achèterait ces formaggini. Mais le monde a réagi différemment. Les clients ont été étonnés et les visiteurs sont venus nous voir pour apprendre sur notre alpage comment produire eux-mêmes des formaggini.

Les visiteurs ont commencé à élargir leur identité par le biais de l'agriculture, de l'alimentation et de leurs possibilités de soutenir l'agriculture biologique en tant que clients. C'est ainsi que nous avons un peu changé le monde qui nous entoure. Pour moi, il s'agissait d'un acte artistique, et ces formaggini étaient à ce moment-là des œuvres d'art.

Nous avons mis le monde autour de nous au défi de changer, et des rôles différents sont apparus et ont créé des conflits. Notre maison était destinée à changer quelque chose, à sortir de la routine, à essayer quelque chose d'inconnu qui initiait de nouvelles énergies. Aujourd'hui, ce changement que nous avons opéré est devenu quelque chose de normal et de courant. D'autres agriculteurs fabriquent également des formaggini. Le monde a changé dans la vie de tous les jours et l'identité de la vallée dans laquelle je vis a changé, au moins dans une petite mesure, dans la façon de fabriquer du fromage. En ce sens, cela a changé quelque chose dans le courant dominant. Je dirais que l'époque du formaggini en tant qu'art est désormais révolue. L'art du formaggini appartient désormais à l'histoire dans ma région. Il est temps de créer à nouveau quelque chose d'inconnu, de changer un peu le monde et de créer un nouveau foyer, encore et encore.

Les éboueurs et notre attitude artistique quotidienne

Qu'en est-il des éboueurs ?

Lorsque Beuys parle des éboueurs, se pourrait-il qu'il ait remarqué quelque chose de plein de vie, quelque chose de significatif dans leur attitude, restant proche de leur travail comme quelque chose d'important dans leur vie et celle des autres. C'est à ce moment-là qu'une sculpture se construit. Se pourrait-il que Beuys, en observant ces travailleurs, ait pris conscience du problème des déchets dans le monde et qu'il ait fait l'expérience d'une nouvelle compréhension, qui a changé quelque chose en lui ? A-t-il vu dans les éboueurs une œuvre d'art et ce que cette œuvre peut changer ? Se pourrait-il qu'il ait eu l'intuition que cet art inclut l'observateur qui remarque cet aspect de l'art dans la vie de tous les jours ? Nous ne pouvons plus demander à Beuys, mais nous pouvons suivre cette idée et rêver à cet aspect des éboueurs, en disant par exemple :

L'art commence par un flirt quantique derrière quelque chose que je remarque au milieu de la vie quotidienne. Ce flirt est quelque chose qui m'arrête et qui amène vers moi quelque chose de plus grand, avec une force qui est à l'origine de toutes les manifestations. Cela peut se produire avec des œuvres d'art traditionnelles, mais aussi dans des domaines que nous ne considérons pas normalement comme de l'art. La force qui se cache derrière tout est donc l'art. De ce point de vue, je peux dire que vivre avec l'attitude l'art peut être partout, L'attention que l'on porte aux trois niveaux de conscience est nécessaire pour que l'on puisse se concentrer sur l'essentiel : la réalité consensuelle de tous les jours, le pays des rêves subjectifs et l'essence créative.

Pratiquer l'art et le Process Work

La question suivante se pose alors : Comment pouvons-nous nous sentir artistes, co-créateurs et sculpteurs de notre monde quotidien ? Comment pouvons-nous éviter de tomber dans le même piège lors de chaque discussion sur l'art, en disant : “C'est bon à lire, mais je n'ai pas de talent, je ne suis pas créatif”. Que faire ?

Première réponse : Si tout le monde est un artiste et que cette approche ne nécessite pas les formes traditionnelles de l'art, il n'y a aucun moyen d'y échapper. Nous sommes des êtres humains, donc des artistes, et en tant qu'êtres humains, nous sommes également reliés aux trois niveaux de conscience de la source créatrice, donc nous sommes des artistes.

Deuxième réponse : Faire de l'art dans les zones dites traditionnelles est possible pour tout le monde. Ces zones sont un merveilleux moyen d'accéder directement au niveau de l'essence, car c'est là que se trouve le foyer de l'art.

De mon point de vue, il n'y a pas de Process Work sans musique, danse, poésie, théâtre, peinture, dessin, performance, etc. et il n'y a pas d'expression artistique sans le processus de circulation de l'information. Il n'y a pas d'expression artistique sans processus de circulation de l'information. Le Process Work est la manière de laisser le processus d'information se dérouler de manière créative.

Résumé

Grâce à une meilleure compréhension de l'art, nous nous découvrons nous-mêmes en tant qu'êtres humains créatifs.

En tant qu'êtres créatifs, nous nous connectons à notre liberté.

Au milieu de tout, nous pouvons nous sentir chez nous, en étant connectés à notre qualité essentielle de co-créateur de notre monde.

Retour à la pratique

Le Process Work nous offre des outils incroyables pour expérimenter notre créativité. Parmi de nombreux ouvrages, l'un d'entre eux est Dreaming Source of Creativity (Amy Mindell 2005). Vous y trouverez de nombreux exercices pour découvrir votre créativité.

A partir de l'approche de Josef Beuys, je vous propose deux exercices à essayer : Formation Utopia, et L'incarnation d'une vision.

Le premier, Utopia Training, est un petit exercice pour apprendre à se déplacer avec plus de fluidité entre les différents niveaux de conscience. Cet exercice est lié à l'idée de Beuys mentionnée plus haut - le ferner punkt (le point le plus éloigné) - qui est pour moi un synonyme du niveau de l'essence. Cet exercice peut être utilisé en particulier lorsque vous manquez d'inspiration et d'excitation dans votre vie quotidienne.

Utopia Training, sculpter son monde

1. Observez votre vie quotidienne et pensez à un domaine dans lequel vous manquez d'inspiration et d'enthousiasme.
2. Prenez quelques respirations, détendez-vous, laissez-vous aller à la rêverie, au brouillard.
3. Imaginez que vous êtes très loin de la terre ou de votre situation quotidienne.
4. Regardez autour de vous. Que remarquez-vous ? Y a-t-il quelque chose qui vous semble spécial et attirant ? S'agit-il de l'ensemble de la scène ou d'un aspect particulier ?
5. Essayez ensuite de faire disparaître la frontière entre vous et cette zone jusqu'à ce que vous ayez l'impression d'être la zone elle-même. Oubliez votre vie quotidienne. (Cela peut prendre un peu de temps). Devenez ce lieu. Vous êtes maintenant ce lieu.
6. Dans ce lieu (qui est vous), quelle caractéristique ou qualité vous sentez-vous être ? Appréciez-le. Ce lieu est plein de créativité, sans limites. En tant que ce lieu, explorez la qualité qui diffère de votre moi quotidien. Soyez maintenant cette nouvelle qualité, appréciez-la, bougez-la, laissez-la résonner.
7. À partir de cette nouvelle perspective, examinez la question à laquelle vous avez pensé à l'étape 1. Y a-t-il un point principal, un aspect général que vous remarquez à cet endroit ? Quel est le point le plus important de votre point de vue actuel ? Quel est l'aspect qui vous inspire ?
   
   Cet aspect peut être quelque chose de plus grand que ce que vous êtes habituellement capable de réaliser dans la vie de tous les jours. Ne vous inquiétez pas, vous êtes maintenant ce nouveau moi pour un moment et non un être dans la vie de tous les jours.
8. Après avoir accordé suffisamment d'espace à ce que ce nouveau moi vous dit, créez en tant que ce moi quelques étapes suivantes qui se rapprochent de l'inspiration, des idées, des réalisations. Qu'est-ce qui pourrait changer dans le monde en réalisant ces étapes ?
9. Essayez de sculpter cela maintenant dans une sorte d'œuvre d'art :
   
   Prenez un matériau pour le façonner, trouvez un son pour créer un morceau de musique, invitez des personnes à partager votre idée, écrivez un poème, réalisez une performance, etc.

Exercice : Incarnation d'une vision

Cet exercice a pour but de vous donner l'occasion d'explorer votre artiste intérieur et de réaliser avec lui vos visions et vos projets. J'entends ici l'art comme un voyage qui commence dans un monde super sensoriel. Le niveau de l'essence dans le travail de processus ou le ferner punkt de Beuy peut vous aider à transcender votre esprit quotidien, à revenir à vous-même et, à partir de là, à créer une vision. L'exercice comporte deux parties et vous pouvez y travailler pendant deux jours ou plus pour approfondir vos visions. L'exercice vous aide à trouver un grand plan ou une grande vision. Il peut également être utilisé pour des changements profonds dans votre vie.

Première partie :

1. Pensez à un projet, une vision ou un rêve que vous ne pouvez pas réaliser parce que vous ne pensiez pas que c'était possible ou que le moment n'était pas encore venu de le faire. Quelque chose est resté vague, quelque chose vous a arrêté, il n'y avait pas assez de volonté et d'énergie. Mais vous avez maintenant envie de vous lancer.
2. La vision, le plan : Examinez d'abord la vision globale, qui peut être vague, un sentiment, une image intérieure ou autre. Prenez quelques notes, puis mettez-les de côté.
3. Laissez-vous dériver vers un endroit très éloigné de votre vie quotidienne (ferner punkt de Beuys).
4. Regardez autour de vous, appréciez la qualité particulière de ce lieu. Sentez, bougez, écoutez cette qualité et devenez de plus en plus cette qualité. En tant que lieu doté de cette qualité particulière, vous êtes la force qui sous-tend votre vision. Qu'est-ce que c'est que d'être cette force ? Quel est son caractère distinctif ?
5. En ce lieu, en cette force, examinez votre vision. Quelle est la raison la plus importante pour réaliser cette vision ou ce plan ? Qu'est-ce qui est à l'origine de cette vision ou de ce plan ? Quelle est l'essence de cette vision ou de ce plan ?
6. Maintenant, en tant que cette force, choisissez un média et, tout en étant vous-même cette force, façonnez l'essence de votre vision. Peignez, sonnez, bougez, écrivez en tant que cette force. Si c'est le son, faites une cassette ou écrivez la partition de la musique, si c'est le mouvement, faites un film. En tant que cette force, vous êtes l'artiste qui crée une œuvre d'art.
7. Donnez-vous suffisamment de temps pour créer cette œuvre d'art. En tant qu'artiste, vous êtes loin de votre quotidien, vous vous envolez au-delà des limites et vous créez comme un artiste célèbre. Vous êtes maintenant l'artiste et cet artiste est le créateur qui transforme la source de la vision en une forme audible, visible et tangible.
8. Après la finition. Laisser reposer pendant au moins un jour.

Partie 2 :

1. Le lendemain, regardez, écoutez ou lisez ce que vous avez créé comme si vous étiez un observateur et non le créateur. Laissez naître vos inspirations comme si vous étiez dans une exposition, un concert ou un spectacle.
2. Essayez de trouver quelle partie de cette œuvre d'art ne vous ressemble pas dans la vie de tous les jours. Peut-être plus grande, plus folle, plus étrange, etc. Quelle est la différence entre vous et cette partie spéciale de votre œuvre d'art ? Remarquez l'artiste qui a créé cette œuvre. Décrivez cet artiste comme si vous le décriviez pour une publicité.
3. Qui est cette artiste, quelle est sa qualité ? Imaginez pourquoi le public adore cet artiste.
4. Faites un mouvement de la main pour la qualité particulière de cet artiste et répétez-le jusqu'à ce que vous compreniez comment votre artiste intérieur vous soutient dans votre vie quotidienne et dans la réalisation de votre vision.
5. Célébrez la naissance de votre nouvel artiste intérieur, dansez, bougez, chantez, etc.
6. Quelles sont les prochaines étapes pour concrétiser votre vision ?

Pour tester cet exercice, j'ai demandé à Ruth, une amie, architecte et artiste, d'y travailler avec moi.

Elle n'a pas fait la première partie parce que sa vision était déjà établie, mais elle était intéressée par la deuxième partie de l'exercice. Sa vision est de réaliser une exposition de ses œuvres d'art. C'est nouveau pour elle et audacieux parce qu'elle est architecte et que jusqu'à présent, elle ne créait que pendant son temps libre.

Voici ce qu'elle a découvert :

Partie 2

Avec l'objectif de déterminer ce qui, dans mes travaux, est plus important que dans mon travail d'architecte et de planificateur, je vois que, grâce à l'intelligence dont mes travaux sont imprégnés, le jeu, l'intuition, l'organisation et l'esprit d'équipe se manifestent de façon frappante. Je vois aussi le désir, l'esprit, la joie gentille du jeu et j'essaie de faire en sorte que rien ne soit faux.

Daraus entwickle ich eine Handbewegung, dieses Spielerische, what ist es ? Je me fais une idée, je me fais une idée de mes mains, et c'est alors que commence un jeu de balle. Dans ce jeu de balle, je me réjouis gentiment, je m'enflamme, le monde entier est de plus en plus à la fête.

Traduction :

En cherchant à savoir en quoi mon travail diffère de ma vie professionnelle d'architecte, je constate qu'à travers la simplicité qui caractérise mon travail, le jeu, l'intuition et un élément organique et créatif se manifestent fortement. Je remarque la joie sensuelle, amusante et enfantine. L'expérience de la légèreté permet de se libérer de la critique. Il n'y a rien de faux dans mon travail.

Grâce à cette intuition, je développe organiquement un mouvement de la main dans lequel je remarque un jeu de balle auquel j'ai souvent joué dans mon enfance. Je me sens comme un enfant, en apesanteur. Le monde entier se trouve à nouveau à mes pieds.

La vision et le message de Ruth ramènent l'espièglerie au cœur des gens. Elle travaille avec des matériaux de tous les jours. Les œuvres d'art sont d'une beauté particulière et le jeu de balle, dont beaucoup de gens se souviennent dans leur enfance, fait renaître ce sentiment de joie et de légèreté.

Vous en saurez plus sur son expérience avec son projet dans un deuxième exercice qu'elle a fait avec un exercice dans le chapitre sur John Cage.

Chapitre 3 : John Cage - Deep Democracy et le Tao de la musique

John Cage est le deuxième artiste qui a donné une impulsion importante à mon voyage de retour à la maison et au processus de réalisation de mon rêve d'enfant. John Cage était un compositeur qui a vécu et travaillé au 20e siècle. Il est l'un de mes compositeurs préférés et peut être comparé à Joseph Beuys, bien qu'il ait eu une personnalité artistique très différente. John Cage et Josef Beuys ont tous deux ouvert une nouvelle porte à l'art et à la musique au XXe siècle.

En ce qui concerne mon sujet, la phase de l'œuvre de John Cage la plus importante pour cette thèse est celle où Cage a commencé à composer avec le Tao et à inclure des bruits comme des sons du moment, en les traitant comme de la musique.

Dans ce chapitre, je vous donnerai un aperçu des aspects les plus importants de la musique de John Cage pour ma recherche sur le sentiment d'être chez soi. Je voyagerai avec vous à travers quelques œuvres musicales et vous laisserai découvrir, par le biais d'un processus d'écoute, comment sa musique offre la possibilité d'être chez soi. Je vous dirai ce que j'ai appris de John Cage pour mon processus de vie et les liens que j'ai découverts entre son œuvre, le Process Work et Deep Democracy. Je vous montrerai également comment vous pouvez utiliser les sons de la vie quotidienne pour votre processus de vie. Deux exercices sont proposés à la fin du chapitre.

Je connaissais déjà les œuvres de John Cage pendant mes études de musique, mais ce n'est qu'après que Cage est devenu très important pour moi, ma vie, ma musique, mon enseignement de la musique et mon propre processus de composition. Enfin, j'ai appris à le connaître et à l'apprécier en profondeur lors de mes premières rencontres avec le Process Work.

Écoutons d'abord Cage lui-même pour avoir un aperçu de sa façon de composer (Kramer 1999, 20) :

Nous ne pouvons pas nous en passer, nous ne pouvons pas nous en passer, nous ne pouvons pas nous en passer. Ne les écoutez pas, ne les laissez pas tomber. Hören wir an, finden wir sie faszinierend(...) Sollte das Wort Musik heilig sein und den Instrumenten des 18. and 19. Jahrhunderts vorbehalten, können wir dafür ein sinnvolleres einsetzen : Klangorganisation.⁷

Cage et sa nouvelle définition de l'harmonie : Démocratie profonde et Tao

Cage a été l'élève d'Arnold Schönberg, célèbre compositeur et professeur de nombreux jeunes compositeurs qui ont connu le succès après avoir étudié avec lui, par exemple Alban Berg et Anton Webern. Schönberg jugeait John Cage incapable de composer. Il lui reproche son manque de connaissance de l'harmonie européenne traditionnelle dans la composition. Cage mit fin à ses études et transforma radicalement le processus de composition (Neff 2015).

Cage a proposé une nouvelle définition de l'harmonie. Selon lui, l'harmonie est le son et les bruits que l'on entend dans l'instant : Il peut s'agir de la circulation, d'oiseaux, de voix, etc.

dit Cage (Nattiez 1995, 38) :

Le matériau de la musique est le son et le silence, et l'intégration de ces éléments est la composition.

Il a également déclaré ceci :

Je ne cherche pas à différencier le musical de l'immatériel, mais je commence par l'objet et je n'utilise pas d'éléments qui n'ont pas le caractère de l'objet. Je voudrais savoir si ces pratiques ne contribuent pas à une amélioration de la société. Cela s'apparente à une démokratisation. Grâce à la composition de Cage, nous sommes conscients que le monde entier est en train de s'effondrer ou qu'il est tout simplement en train de s'effondrer.⁸

Kramer 1999, 21

En étudiant le compositeur Cage, nous avons une merveilleuse occasion de découvrir certains aspects de la démocratie profonde à travers la musique. Dans le chapitre sur Joseph Beuys, nous avons discuté de l'importance de remarquer chaque voix, chaque point de vue dans un groupe ou chez un individu. Nous pouvons remarquer dans les citations ci-dessus l'ouverture de John Cage à tout ce qui sonne. Normalement, les musiciens sont très sensibles au son et sont souvent dérangés par le bruit. Ce n'est pas le cas de John Cage. Pour lui, tout est musique, y compris le silence. Toute la vie est musique et il écoute tous les sons et les bruits quotidiens comme un musicien qui écoute un morceau de musique. C'est cela Deep Democracy : tous les sons. Dans ce qui est probablement sa pièce la plus extrême, intitulée 4’33”, un pianiste entre sur scène, ouvre le piano, reste assis pendant 4 minutes et 33 secondes, puis referme le piano et quitte la scène. Pendant ce temps, chaque membre du public entend son propre morceau de musique. (Cage 2006).

Les œuvres de Cage ressemblent souvent à un processus de groupe, où le flux de la musique est imprévisible. Mais revenons d'abord au point de départ de Deep Democracy. En travaillant avec des groupes, Arnold Mindell a découvert quelque chose de plus profond que la démocratie. Il a développé une nouvelle façon d'explorer le champ informationnel d'un groupe. Il a remarqué l'approche multidimensionnelle non seulement chez une personne ou dans une relation, mais aussi dans les petits et les grands groupes.

Dans les groupes, il a découvert que les rôles marginalisés et visibles, ainsi que les rôles fantômes - qui existent dans l'ambiance du groupe - constituent un aspect important de la résolution des conflits (Arnold Mindell 2014a). Ce n'est que lorsque toutes les voix ont la possibilité de s'exprimer que l'information est complète. Ce processus permet de trouver des solutions surprenantes. C'est ce qu'il a appelé la démocratie profonde (Arnold Mindell 2014a).

Si l'on revient à l'une des citations de John Cage ci-dessus, on remarque qu'il s'intéresse à tous les sons et pas seulement à ceux qui sont choisis intentionnellement. Il s'agit là d'une nouvelle conception de l'harmonie. En autorisant tous les sons dans son travail, John Cage a développé un nouveau type de composition, travaillant avec le Tao en utilisant le I Ching ou en laissant le Tao décider de différentes manières.

Par exemple, dans son œuvre Etudes Australes, il a pris l'image des étoiles sur une carte du ciel et a formé la musique à partir de cela (Cage 2013) :

Il a également jeté des pièces de monnaie pour planifier des compositions, pour décider quels tons étaient les plus appropriés pour une œuvre. Les préférences ou les goûts personnels ne doivent pas créer l'œuvre. Dans les compositions de Cage, c'est le Tao qui co-créait l'œuvre. Cage n'était pas intéressé par l'exclusion de ce qui n'appartenait pas à son choix, à son identité, à ses goûts, etc. L'inclusion de tous les sons, y compris ceux que l'on n'aime pas au premier abord, est la bienvenue dans sa compréhension. Nous pouvons dire, d'un point de vue axé sur le processus, qu'il recherchait la démocratie profonde de la musique.

Un autre aspect de Cage était qu'il laissait autant de liberté que possible aux musiciens. En tant qu'interprète, vous êtes surtout libre de façonner le rythme. Il a toujours écrit sans tempo, sans rythme, et de nombreuses œuvres sont constituées de tons ou d'accords qui ne sont pas liés les uns aux autres. L'interprétation de ses œuvres requiert une sorte de présence.

En tant que musicien, je dois évoluer dans un territoire musical inconnu, et l'approche de John Cage est donc un entraînement parfait pour les métacompétences que sont le détachement, la vigilance et la curiosité dans la pratique du travail sur le processus. Les métacompétences sont des attitudes proches des sentiments, un terme inventé par Amy Mindell (Amy Mindell 2003). Ces attitudes ne sont pas liées à des attentes, elles sont liées au flux et vont de pair avec tout ce qui veut se produire. Si vous voulez vous entraîner à ces métacompétences, jouez ou écoutez des œuvres de John Cage !

John Cage est l'un des compositeurs américains qui a inspiré la famille des compositeurs du monde entier. Il a été le fer de lance de la rupture avec les formes classiques traditionnelles. La musique contemporaine ne peut être imaginée sans son influence.

Dans ce chapitre, nous pourrions également utiliser les impulsions d'autres compositeurs pour notre voyage en suivant la voie de la musique orientée vers le processus et en suivant la musique comme moyen d'expérimenter le travail sur le processus. Je tiens à citer ici Morton Feldman, qui m'a particulièrement inspiré pour passer de l'âge de la retraite à celui de la retraite : Morton Feldman, qui m'a particulièrement inspiré pour passer d'un moment à l'autre et entrer dans le flux.

En travaillant avec ce type de musique, j'ai commencé à comprendre un peu ce qu'Arnold Mindell appelle “le chemin des miettes” (Arnold Mindell 2012, 43). Mindell écrit que suivre quelque chose d'un point à un autre est différent de “se balancer dans le flux”. Par exemple, suivre un son d'un point à l'autre est différent d'écouter la phrase musicale dans son intégralité.

Si vous écoutez d'un point à l'autre, vous arrivez à la limite de la capacité à percevoir les moindres moments. Soudain, on entre dans un flux intemporel. La musique de Feldman oblige l'auditeur à faire cela parce qu'il n'y a pas de phrase musicale. Cette musique vous aide à entrer dans un flux au-delà de tout, vous entrez dans le monde de l'essence.

Pauline Oliveros, qui a développé l'écoute profonde et composé des œuvres qui nous permettent d'en faire l'expérience (Oliveros 2005). Je pourrais en citer d'autres et je porte tous ces compositeurs dans mon cœur. Pour ne pas compliquer les choses, car cette thèse ne concerne pas seulement la musique, je me réfère à John Cage, qui, à mon avis, est l'initiateur de cette orientation particulière de la musique.

Si cela vous intéresse, vous pouvez par exemple voir et entendre les œuvres suivantes de John Cage :

• Deux 2 pour deux pianos
• 4’33” pour piano solo

Travaux dans lesquels il a utilisé des stations de radio jouant involontairement :

• Paysage imaginaire
• Musique pour piano

Retour à la pratique

Formation à l'écoute 1, être à la maison

Cet exercice vous aide à élargir votre compréhension de ce qu'est la musique et vous permet de vous entraîner à vous ouvrir à des qualités inconnues. Les qualités inconnues dans le canal auditif comme dans la musique sont un processus secondaire très fort. Si nous n'aimons pas quelque chose dans la musique mais que nous devons l'écouter, cela nous montre des bords forts et c'est souvent douloureux à supporter.

1. Ecoutez l'un des enregistrements de Imaginary Landscape, prenez celui qui est le moins confortable pour vous. (voir le lien sur la page précédente).
2. Écoutez-en une partie.
3. Éteignez la musique et décrivez-vous l'aspect le moins familier du morceau en faisant un mouvement de la main.
4. Répétez le mouvement jusqu'à ce que vous en compreniez le sens (jusqu'à ce que vous en compreniez l'énergie).
5. Détendez-vous, respirez un bon coup et partez en imagination vers un endroit de la terre ou de l'univers. Vous n'avez pas besoin de connaître cet endroit.
6. Soyez là, ressentez la qualité du lieu. Pouvez-vous remarquer un lien entre l'énergie du mouvement de vos mains et ce lieu ?
7. Si oui, connectez-vous profondément à cette énergie. Laissez tomber votre personnalité de tous les jours et soyez cette énergie maintenant. Qui êtes-vous ? En quoi êtes-vous différent de votre personnalité de tous les jours ? Appréciez cette nouvelle saveur.
8. Examinez votre vie quotidienne sous cet angle. Avez-vous des conseils à donner à votre personne de tous les jours ? Qu'est-ce qui changerait dans votre vie si vous viviez davantage cette énergie ? Comment cette énergie pourrait-elle être plus présente chez vous ?
9. Écoutez à nouveau Imaginary Landscape. En quoi la musique est-elle différente pour vous ?

Formation à l'écoute 2, être à la maison

1. Écoutez une œuvre de John Cage, par exemple Two2 (voir le lien à la page précédente).
2. Prenez quelques respirations avant de commencer l'enregistrement et asseyez-vous confortablement.
3. Mettez de la musique et écoutez
4. Si quelque chose n'est pas confortable, remarquez-le et laissez-le aller
5. Connectez-vous profondément à chaque son que vous entendez, soyez cette musique maintenant, laissez tomber votre vie quotidienne et votre moi de tous les jours, voyagez maintenant en tant que son, ton, pause.
6. Vous êtes maintenant dans un monde parallèle, un monde musical. Ce monde est partout, il n'y a pas de frontières, le son n'a ni début ni fin. Soyez ceci maintenant, un être de partout et sans frontières, sans commencement ni fin.
7. Soyez cette musique et regardez votre moi de tous les jours. En tant que cette musique, quel message avez-vous pour votre moi de tous les jours, en ce moment même ?
8. Retournez-y et méditez sur le message. Qu'est-ce qui pourrait changer dans votre vie si vous suiviez ce message ?
9. Qu'est-ce qui pourrait constituer pour vous un nouvel aspect de la vie à la maison ?

La cage et mon processus de vie

Cage s'est imposé à moi après quelques années de pratique professionnelle de la musique. En enseignant le piano, j'ai été confronté au monde élitiste de la musique classique qui était un décalage insupportable par rapport à la réalité des enfants que j'enseignais. Je me suis rendu compte du fossé entre les deux mondes. J'ai d'abord réagi par la résistance. D'un côté, je ressentais la réalité des enfants et, de l'autre, je me rebellais contre l'attitude élitiste de la musique classique. Je n'étais plus chez moi. J'ai perdu mon sentiment d'identité - mon “je suis”.

J'aimais tellement la complexité de la tradition classique et j'aimais aussi que les enfants fassent de la musique à leur manière. D'un côté, j'essayais de pénétrer profondément dans le cœur d'un morceau de musique, en étant disciplinée, en cherchant à atteindre le maximum de mes capacités pour interpréter l'œuvre. D'autre part, j'ai été inspirée par la vision de l'artiste. Tout le monde peut faire de la musique. Que faire de cette polarisation ?

En étudiant la musique de Cage, j'ai découvert une manière totalement nouvelle de faire de la musique, très éloignée de la conception traditionnelle de la connaissance et de la capacité. À travers les yeux de Cage, même les œuvres traditionnelles semblaient changées. Grâce à John Cage, j'ai découvert une attitude différente qui m'a permis de me fondre dans l'instant et, en même temps, j'ai commencé à découvrir, par le biais du Process Work, comment me fondre dans l'instant. Sur cette voie, je n'ai pas perdu ma capacité à jouer des œuvres complexes et, en même temps, je suis devenu plus apte à communiquer avec mes élèves de piano. Le monde musical s'est ouvert à un large spectre.

En outre, la musique de John Cage m'a transformé. Son approche m'a encouragé à entrer plus profondément dans mon propre processus créatif et mon âme musicale a timidement goûté au retour à la maison, en se sentant d'une nouvelle manière dans une musique où un ton ou un silence sont toute une symphonie.

Le fait d'être dans un son, ou de passer d'un son à l'autre librement, m'a conduit à l'expérience d'être en conversation avec le son en tant qu'être indépendant et partenaire pour moi, en tant que cocréateur. Dans ce monde, j'ai remarqué de plus en plus que jouer de la musique était une façon de co-créer de la musique avec les vibrations du son qui remplissait l'espace.

Je me souviens d'un concert dans une église de Bâle, où j'ai joué quelques pièces de la Musique pour piano de Cage (Cage 1998). Le public semblait voyager, et une atmosphère de connexion avec l'univers était palpable. À la fin de la musique, le silence s'est installé pendant de longues minutes. Lors de ce concert, j'ai découvert une nouvelle identité en tant que musicien. Une identité qui me permet de faire un voyage chamanique et d'emmener le public avec moi.

Ma nouvelle identité de musicien a également été profondément soutenue par Lane Arye, mon formidable professeur de musique non intentionnelle (Ayre 2002). Cage et la musique non intentionnelle sont devenus une paire inséparable. À cette époque, j'ai également commencé à créer de la musique avec des cloches de vache.

S'agissait-il d'une nouvelle apparition des 10 hommes vêtus de noir derrière la haie, dans mon rêve d'enfant ?

Cage et l'étude de la musique non intentionnelle m'ont conduit à un autre aspect de ma maison, à mon vrai moi. Le fossé entre la musique d'élite et les enfants d'aujourd'hui a disparu. J'ai surfé facilement dans tous les mondes, j'ai ressenti de nouvelles possibilités en créant de la musique, en jouant de la musique et en enseignant la musique.

Là encore, le travail sur les processus, la démocratie profonde, les arts et la musique étaient liés et inséparables. Lorsque j'étais dans un monde, j'étais en même temps dans l'autre espace. Cela m'a amené à travailler de manière plus cohérente avec les outils du Process Work dans mon travail de musicien et dans ma vie (Schatzmann 2003).

En ce qui concerne mon rêve d'enfant, Cage est entrée avec force dans ma vie en même temps que la ferme, où j'ai ensuite vécu pendant plus de 20 ans. Cage et la ferme étaient les deux faces d'une même pièce. Tout comme les hommes de mon rêve d'enfant qui m'attrapaient derrière la porte, dans ce cas, c'est mon mari - un fermier - qui m'a attrapée à la porte alors que je me rendais dans ma maison familière. Une fois de plus tirée hors de ma zone de confort, j'ai dû continuer à avancer et à chercher une nouvelle maison, un nouvel aspect de mon vrai moi et trouver mon chemin vers la maison, en me rapprochant de la découverte, Qui suis-je, pourquoi ?

La vie à la ferme a été l'une des études les plus profondes de ma vie et j'ai dû apprendre à suivre la nature, à me connecter avec elle. La vie dans les montagnes m'a appris que je n'avais qu'une seule possibilité : suivre ce qui voulait se produire : le temps, les rythmes des animaux et apprendre à vivre constamment avec l'imprévisibilité.

Cela a stimulé ma musique. Jouer Cage en concert était lié à une sorte de solitude et de nudité. Je ne pouvais jouer qu'à travers mon vrai moi. En travaillant dans les Alpes, j'ai vu mes vieux schémas s'effondrer. Une fois de plus, je me suis rendu compte que j'étais dans un voyage sans fin, faisant l'expérience de la maison d'une manière toujours nouvelle. Ma maison s'est agrandie de plus en plus.

Cage voulait laisser les préférences de chacun à leur goût personnel : C'est pourquoi il a utilisé le Yi King pour de nombreuses étapes de son processus de composition. Le fait de laisser mes préférences personnelles m'a aidé à franchir les limites. Cela m'a aidé à travailler avec le Process Work et à entrer dans des zones inconnues de nouvelles énergies et attitudes et m'a ouvert à de nouveaux processus créatifs.

Par exemple, le ne pas savoir au début d'un processus créatif m'a aidé à regarder la feuille blanche ou le silence avant de créer de la musique d'une manière désormais curieuse, en demandant, Qu'est-ce qui veut se produire, qu'est-ce qui veut être créé ? C'était l'expérience du processus de co-création avec quelque chose qui était déjà dans l'air. Pour vous donner un petit exemple, je vais vous raconter l'histoire de la traversée d'un bord avant un concert.

C'était mon tout premier concert avec un nouveau programme Solo intitulé Élémentaire avec des cloches de vaches et du piano. C'était un défi pour moi de partager ce programme avec un public parce qu'il combinait la musique classique moderne avec mes propres créations pour les cloches de vaches. J'ai rencontré dans le public certaines personnes que je considérais comme très critiques. Dans un premier temps, j'ai été terrifié. Dans un second temps, je me suis souvenu du cocréateur de mes pièces et de l'idée qui sous-tendait le concept du programme. Je ne me suis plus sentie seule et séparée. J'ai sauté et je suis montée sur scène pour embrasser le public avec mon cocréateur. C'est l'un des moments où j'ai laissé une partie de mon histoire personnelle derrière moi.

Pour moi, cela a quelque chose à voir avec la pratique de l'esprit du débutant. Jouer et créer de la musique sans préférences m'a conduit à une nouvelle façon d'interpréter la musique, y compris les œuvres musicales traditionnelles. Découvrir la véritable nature d'une œuvre donnée est désormais mon guide vers la musique. Écoutons ce que Shunryu Suzuki dit de l'esprit du débutant (Dixon et al. 2011) :

L'esprit du débutant est vide, libre des habitudes de l'expert, prêt à accepter, à douter et ouvert à toutes les possibilités. C'est le genre d'esprit qui peut voir les choses telles qu'elles sont, qui, pas à pas et en un clin d'œil, peut réaliser la nature originelle de toute chose.

À la ferme, en travaillant avec la nature et les animaux, en jouant de la musique et en pratiquant de la musique involontaire, j'ai découvert que toutes les expériences mènent à l'esprit du débutant.

L'esprit du débutant en tant que voie spirituelle était l'un des aspects cruciaux des dix hommes de mon rêve d'enfant. Je ne rentrais plus chez moi dans ma maison familière, mais j'essayais d'être chez moi à chaque instant, quoi que je rencontre. C'est devenu une pratique quotidienne qui a connu de nombreux échecs. Vous serez d'accord avec moi pour dire qu'il s'agit de la figure la plus difficile des dix hommes. Dans ma vie, John Cage est une clé importante pour dire oui à ce processus d'apprentissage.

Retour à la pratique

Entrons maintenant dans une expérience étonnante que j'ai développée en m'inspirant de John Cage pour la vie de tous les jours.

Dans l'exercice suivant, je veux découvrir ce que le son du moment me dit, comment il peut être utilisé comme un entraînement à la démocratie profonde en moi-même et me permettre de retourner dans le monde de tous les jours avec un sens élargi de la maison.

Votre numéro, votre symphonie

Cet exercice peut être pratiqué à l'intérieur ou à l'extérieur, dans la nature. Vous pouvez l'essayer seul ou avec quelqu'un qui vous guide.

1. Respirez un peu et asseyez-vous ou tenez-vous debout confortablement.
2. Pensez à un sujet sur lequel vous voulez en savoir plus, prenez des notes. Puis mettez ces notes de côté.
3. Prenez votre temps, détendez-vous et commencez à écouter.
4. Ouvrez vos oreilles et tout votre corps à tous les sons et aux bruits de votre environnement. Vous êtes désormais un organisme auditif.
5. Imaginez que le son que vous entendez est un morceau de musique à plusieurs voix. Essayez d'écouter toutes les voix qui sonnent en ce moment, essayez d'écouter non seulement horizontalement mais aussi verticalement, de manière à écouter la musique comme une partition avec différentes voix, par exemple comme une symphonie avec de nombreux acteurs. Appréciez la plénitude des différentes voix.
6. Vous pouvez maintenant essayer de différencier les voix. Notez le rythme, la hauteur, le tempo et la couleur du son ou le timbre que vous entendez et observez-les de manière neutre. Par exemple :
   1. Quelle couleur de son entendez-vous ?
   2. Quel est le volume ou les différents volumes ?
   3. Quelle est la hauteur du son ? Aiguë ? Faible ? Ou, s'il s'agit de plusieurs sons, de hauteurs différentes ?
   4. Combien d'acteurs remarquez-vous dans cette musique ?
   5. Quelle est la qualité spécifique de chaque voix dans cette symphonie ?
7. Enregistrez les sons de votre environnement et/ou écrivez une description de ce que vous entendez - étudiez chaque voix.
8. En écoutant et en étudiant, essayez de séparer les différents sons, de sorte que chaque son exprime quelque chose d'unique - un rôle, comme une figure.
9. Comment cette musique vous parle-t-elle ? Certains sons sont-ils plus proches de vous que d'autres ? Certains sons vous dérangent-ils ? Si oui, prenez un son dérangeant et ouvrez-vous à son message. Vous pouvez soit changer de forme et devenir ce son, soit écouter profondément jusqu'à ce qu'une intuition émerge. Essayez de faire cela avec toutes les voix, y compris celles qui sont proches de vous et que vous aimez.
10. Comment tous les sons s'assemblent-ils ? Quelle est la qualité de cette musique dans son ensemble, comme une symphonie de ces différents sons ? Quel est votre lien avec cette symphonie ?
11. Essayez maintenant d'être toute cette symphonie et d'exprimer cette symphonie dans votre propre style : mouvement, imagination, un son qui inclut les différentes voix. Y a-t-il un conseil que vous tirez de cette expérience pour votre vie de tous les jours ?

Des questions pour votre quotidien :

1. Quel est le message de chaque son se rapportant à votre problème de l'étape 2 de cet exercice ?
2. Comment les voix peuvent-elles vous aider à résoudre votre problème ?
3. Si vous, en tant que personne de tous les jours, étiez cette musique en ce moment même, qui seriez-vous à ce moment-là ? Qu'est-ce qui changerait dans votre vie ?
4. D'autres idées ?

Démonstration

Voici un exemple de l'exercice que j'ai fait avec Ruth, que vous avez rencontrée plus tôt. Ruth est une architecte et une artiste qui prépare une exposition de ses œuvres d'art “Hüllen”. J'ai inclus des commentaires sur certaines étapes de l'exercice pour vous montrer comment vous pourriez procéder !

Le problème de Ruth à l'étape 2 était son enthousiasme pour l'exposition, mais aussi sa nervosité, ses craintes, ses attentes élevées, etc. Elle souhaite en savoir plus sur la manière de mener à bien ce processus.

Étapes 5 et 6 : La musique qu'elle écoute :

• Le vent sonnant dans les arbres, belle, toujours là, flux constant, agréable.
• Son du moteur d'une machine agricole : ronronnement agressif, dominant, actionné par quelqu'un, en ce sens contrôlable.
• Oiseaux: C'est l'épice de la musique, très belle, variée, elle apporte de la profondeur à la musique.

Étape 8 : Figures significatives dans la musique.

• Moteur: conducteur, va de l'avant, puissance, celui qui fait
• Le vent: Ludique, tendre, sans souci, à la dérive : le contrepoint du moteur
• OiseauxLes voix : elles font des commentaires, les voix qui viennent de l'extérieur, imprévisibles

Étape 9 : Les liens avec Ruth

• Le vent: Mon attitude à l'égard de mon travail
• Moteur: Maintenant que vous pouvez le faire, foncez !
• Oiseaux: Il y aura des commentaires, des gens qui critiqueront vos œuvres d'art

Étape 10 : Le message de toute la symphonie

Tout est là, maintenant, vous pouvez commencer. Le fait d'être toute la symphonie me calme, les tremblements de mon corps s'arrêtent. Je peux mettre de côté ma nervosité, être détachée.

Il vient à moi, il passe par moi, il sort de moi.

Important : le moteur peut être contrôlé. Je peux l'utiliser, mais je ne suis pas obligé d'être le moteur jusqu'à l'exposition sans interruption, ce qui m'épuiserait. Toute la symphonie me détend.

Pourquoi cet exercice ?

Pour les personnes qui ne sont pas musiciennes, il peut être difficile d'écouter toutes les voix comme dans la partition d'une symphonie. Pourquoi est-ce que je mets l'accent sur la différenciation des voix ?

Je crois en cette formation à l'écoute comme une possibilité de devenir plus sensible aux voix séparées - cela peut être utile dans un processus de groupe ou dans votre travail quotidien, en équipe, dans votre famille, etc. Le Tao de toutes les voix qui se rejoignent à un moment donné est à mon avis un entraînement merveilleux - être en même temps avec les voix séparées et l'intégralité de tous les sons individuels qui se rejoignent. Si vous avez des difficultés à percevoir toutes les voix, commencez par ce que vous entendez dans l'instant. S'il ne s'agit que d'une seule voix, c'est suffisant. Avec l'entraînement, votre capacité d'écoute augmentera.

Dans mon propre exemple, à la fin du chapitre suivant, vous verrez deux exemples où l'on dessine aussi ce que l'on entend. Trouvez votre propre façon de dessiner. Toutes les façons de faire sont bonnes pour vous.

Ce type d'harmonie, comme le souligne Cage dans son œuvre, était sa méditation. Il s'intéressait au bouddhisme zen mais ne pratiquait pas la méditation de manière traditionnelle. Sa façon de composer peut être considérée comme une manière unique de pratiquer le bouddhisme zen. Et dans le sens du Process Work, il pratiquait la démocratie profonde en musique, en aimant tous les sons.

Résumé

L'accès à l'art de John Cage d'une manière orientée vers le processus peut être considéré dans mon esprit comme une formation auditive :

• Me libérer des préférences, aimer toutes les voix et pratiquer la démocratie profonde
• Rentrer dans ma propre nature, mon vrai moi, pratiquer l'esprit du débutant. Être présent dans l'instant, aimer le Tao.
• Formation à la différenciation de la qualité des sons.
• Formation à la sensibilisation.
• Apprendre que tout est musique, y compris la langue, le bruit, les sons de la nature, etc. et être connecté à tout ce qui est musique en arrivant dans une maison fluide. La maison est un son sans fin.

Pour conclure ce chapitre, voici une sorte de méditation sonore utilisant le Tao du son momentané.

Musique matinale à la rivière

Méditer en marchant J'ai moi-même essayé l'exercice.

Étape 1 - J'ai découvert 4 voix en même temps : Oiseaux, avion militaire, trafic, rivière

Étape 2 - Vous pouvez dessiner une sorte de partition (page suivante). Ensuite, essayez d'écouter chaque voix et voyez laquelle est la plus X. Naturellement, l'avion militaire est mon X. Je le déteste.

Tout d'abord, je prends conscience que je vis dans un endroit sûr en Suisse. L'avion militaire ne fait que s'entraîner, mais je vis ici en toute liberté. Est-ce que je vis en liberté ? Politiquement, oui, mais je me rends compte que certaines questions me dérangent. L'avion militaire me rappelle qu'il faut parfois se battre. Il n'est pas toujours utile d'être gentil.

Étape 3 - C'est avec cette idée en tête que j'ai commencé ma journée de travail. Le mois suivant m'a montré que ma vie exigeait une Magdalena combative, croisant des bords forts.

Dessins de l'étape 2 - Vous trouverez ci-dessous deux façons de dessiner la musique.

Chapitre 4 : Marina Abramovich et le franchissement des limites

Je commence par citer l'une des réflexions de Marina Abramovic à l'issue de la représentation L'artiste est présent. Cela a duré 90 jours, six jours par semaine et sept heures par jour sans aucune pause, assis sur la même chaise. Tous avaient la possibilité de s'asseoir en face d'elle aussi longtemps qu'ils le souhaitaient (Abramovic 2018, 32) :

La quantité d'amour, l'amour inconditionnel de parfaits inconnus, est le sentiment le plus incroyable que j'aie jamais éprouvé. Je ne sais pas si c'est de l'art, me suis-je dit. Je ne sais pas ce que c'est, ni ce qu'est l'art. J'ai toujours pensé que l'art était quelque chose qui s'exprimait à travers certains outils : la peinture, la sculpture, la photographie, l'écriture, le cinéma, la musique, l'architecture. Et oui, la performance. Mais cette performance allait au-delà de la performance. C'était la vie. L'art pourrait-il, devrait-il, être isolé de la vie ? J'ai commencé à ressentir de plus en plus fortement que l'art devait être la vie, qu'il devait appartenir à tout le monde. Plus que jamais, j'ai senti que ce que j'avais créé avait une raison d'être.

Marina Abramovic est une artiste dont l'œuvre a croisé ma vie il y a des années lors d'une exposition au Kunstmuseum de Berne. Je n'ai pas vraiment compris, mais quelque chose m'a attiré. Une photographie de la performance est restée dans ma mémoire avec la légende suivante : "Assis, attendant une idée : Assise, en attente d'une idée. Marina Abramovic est assise devant un énorme tas de pierres.

Cette image est gravée dans ma mémoire. Chaque fois que je devais créer quelque chose, cette image était présente et me donnait la certitude que quelque chose allait se produire. Pourquoi les pierres ? Je ne peux pas donner de réponse, mais en y réfléchissant, je pense que les pierres sont un symbole d'intemporalité. En me connectant à l'intemporalité de ces pierres, j'ai fait passer mon esprit au niveau de l'essence. Le niveau de l'essence contient tout, d'une manière qui ne peut être exprimée. C'est le point d'où tout émerge et où tout retourne. Et c'est là que se trouve la créativité dans son intégralité, prête à être déployée en une idée.

Je l'avais plus ou moins oubliée, puis, ces dernières années, j'ai appris l'existence de son projet L'artiste est présent, J'ai acheté la vidéo. Une fois de plus, les dix hommes sont venus me chercher pour que je poursuive mon voyage. Dans ces moments-là, lorsque les hommes arrivent, je suis obsédée et je dois étudier pour en savoir plus, en intégrant la recherche dans ma propre vie et mon travail.

À cette époque, j'étais déjà un étudiant officiel du Deep Democracy Institute (DDI) et j'étais confronté à des enseignants étonnants et stimulants. Le contact avec mes pairs m'a ouvert à de nouveaux mondes et j'ai recommencé à voyager. La première étape a été d'apprendre à monter dans un avion. Je n'avais pas pris l'avion depuis des années à cause de ma peur de voler. Le début de mes études en DDI a été l'occasion de franchir cette limite.

Pour en revenir à Marina Abramovic, je peux dire que c'était exactement le moment idéal pour étudier son travail de performance.

Dans ce chapitre, je présenterai quelques-unes de ses performances. Nous étudierons :

• Comment Marina Abramovic et ses performances sont un modèle pour franchir les limites, s'aventurer dans des zones inconnues et être encouragé par elle à franchir nos propres limites et à trouver à travers ce processus un nouveau foyer au sein de notre vrai moi.
• Comment ses performances, dans une perspective orientée vers le processus, peuvent être considérées comme une forme particulière de processus de groupe, offrant des possibilités de découvrir des rôles et des rôles fantômes en nous-mêmes et dans le domaine, afin de découvrir la véritable nature de moi-même, du groupe dans lequel je me trouve et du domaine dans son ensemble.
• Comment nous pouvons utiliser le spectacle comme un travail intérieur pour résoudre nos problèmes, franchir nos limites, obtenir des informations grâce à un spectacle et le partager avec des amis, le public ou être nous-mêmes témoins après coup de ce qui s'est passé pendant le spectacle grâce à l'enregistrement de ce dernier. Trouver sa place dans un processus, c'est remarquer chaque changement au cours de la représentation.

J'ai découvert en Marina Abramovic un modèle de franchissement des limites. Je ne suis pas surpris que ses mémoires s'intitulent Traverser les murs (Abramovic 2018). Récapitulons la définition du bord :

Le bord, en termes de Process Work, apparaît au moment où mon identité atteint sa limite.

Au-delà de cette limite, quelque chose d'inconnu commence. En général, je n'en veux pas et j'en ai peur. Dans ces moments-là, je ne peux pas quitter la personne que j'étais jusqu'à présent, une réaction normale que nous avons tous parfois. Notre vie est pleine de limites et notre destin nous oblige souvent à les franchir. C'est en franchissant ces limites que nous grandissons sans cesse dans la vie.

Quitter les études pour commencer un métier est une limite naturelle. Devenir mère pour la première fois, c'est franchir une limite. Vieillir ou craindre la maladie sont d'autres limites. Je pourrais dresser ici une liste interminable. Nous pouvons attendre que le destin nous force à franchir des limites, mais le Process Work offre des outils pour travailler en conscience sur les limites et permettre des changements pour accéder à plus de potentiel et de créativité.

L'art et le franchissement des limites

Dans la plupart des performances, Marina Abramovic s'est exposée à des situations effrayantes, voire risquées. Dans l'une d'entre elles, Rythme 0 en 1974, elle a posé nue et les gens pouvaient faire ce qu'ils voulaient de son corps. C'était très menaçant pour elle. Les gens lui faisaient du mal et elle se sentait comme un objet. Comme elle le raconte dans une interview, sa démarche consiste à libérer sa peur de la douleur et de la mort et, en tant que modèle, à surmonter cette peur et à trouver un accès à l'inconnu au-delà de cette peur. Elle a imaginé que ses performances permettraient aux gens de surmonter leurs peurs (La bouleversante Marina Abramovic 2014).

Je reviendrai plus tard sur Rhythm 0. Elle était et est toujours un modèle de franchissement des limites et de modélisation de la nouvelle maison qui se trouve derrière la limite. Les bords sont toujours la frontière de quelque chose d'inconnu et le fait que je ne les franchisse pas est dû à la peur de l'inconnu. En fin de compte, franchir les limites a quelque chose à voir avec la mort. En ce sens, je dirais que le franchissement des limites est une sorte de mort. L'ancienne identité meurt et a la possibilité de trouver un nouvel espace de vie - une nouvelle maison. En suivant la biographie de Marina Abramovic, je remarque qu'un fil conducteur traverse sa vie d'artiste, franchissant toutes les limites qu'elle a rencontrées et/ou constellées dans ses performances. Il est impressionnant de constater les changements que ses performances ont révélés au fil des ans, dans un processus sans fin.

Dans ses mémoires, elle décrit une douleur qu'elle a ressentie au cours de sa vie. L'artiste est présent (Abramovic 2018, 313) :

J'ai souffert plus que ce que le corps humain semblait pouvoir supporter. Pourtant, c'est au moment où je me suis dit : "Je vais perdre conscience, je n'en peux plus" que la douleur a complètement disparu.

Rencontrant de nombreux obstacles au cours de mes premières années d'études à DDI, confrontée à une situation très difficile avec la ferme, la maladie de mon mari et sa mort, Marina Abramovic m'a donné l'exemple du courage d'aller vers l'inconnu, même si cela signifie supporter la douleur et faire l'expérience de l'inconnu comme guide vers un nouveau foyer.

Je pense qu'un aspect important de l'art est de franchir les limites, d'atteindre de nouvelles dimensions, de me transformer et de transformer mon travail. C'est la vie elle-même. Si nous étudions l'histoire de l'art et de la musique, nous voyons constamment des artistes franchir des limites pour atteindre de nouvelles dimensions qui deviennent ensuite courantes.

Je pense par exemple à Ludwig van Beethoven. Il a été le premier compositeur indépendant. Avant lui, tous les compositeurs étaient des employés de l'église ou des aristocrates. La musique de Beethoven était un modèle d'autonomie dans la composition. Il a fait avancer la musique. Après lui, les compositeurs étaient déjà habitués à l'autodétermination et ne devaient plus plaire au public. De plus en plus d'artistes sont apparus, dont l'art a choqué le courant dominant et a été le fer de lance de nouveaux développements dans la société.

En ce sens, l'art anticipe les tendances qui veulent naître chez chacun. Nous pouvons également dire de ce point de vue que l'art est la vie. En outre, nous pouvons dire que le franchissement des limites nécessite de l'amour ou au moins une ouverture à l'inconnu. Du point de vue de L'artiste est présent et d'autres expériences de performance qu'elle a vécues, Marina Abramovic nous enseigne : Art = Vie = Amour.

Son approche de l'art nous amène à ressentir notre planète comme une communauté. Comme Joseph Beuys, elle élargit sa conception de l'art et donne accès à quelque chose de fondamental, accessible à tous. Marina Abramovic s'écarte de la manière traditionnelle de faire de l'art.

Marina Abramovic a vécu avec son partenaire Ulay de nombreuses performances au cours desquelles ils ont exploré leur relation de multiples façons, y compris douloureuses. Avec une grande endurance, toujours liée à l'inconnu, ils se sont exposés devant les visiteurs. À travers ces performances, ils ont abordé les thèmes des relations et ont montré au public la profondeur des interactions que nous essayons souvent d'éviter dans la réalité quotidienne. Après son divorce avec Ulay, elle a exploré avec encore plus d'énergie les domaines de l'inconnu et a partagé ces expériences avec le public.

Marina Abramovic nous montre l'endurance, la grande discipline, l'amour profond, la créativité sans frontières, la volonté d'aller vers l'inconnu et l'ouverture au monde numineux. Ses performances frôlent parfois les questions de vie et de mort.

Telles sont, à mon sens, les exigences de son approche de l'art. En même temps, je me rends compte que ce sont des qualités nécessaires pour les agents de processus qui travaillent avec des individus ou des groupes, où que ce soit dans le monde. En outre, ce sont des compétences requises pour les musiciens, les acteurs, les danseurs, les poètes, les sculpteurs, les peintres et - pour dire les choses franchement - toute personne qui veut vivre sa vraie vie : Ne jamais abandonner, faire preuve d'une grande discipline et, en même temps, suivre sa créativité. Ces expériences sont tantôt le paradis, tantôt l'enfer au centre de la vie.

Nous voyons souvent ces capacités dans les zones de conflit du monde entier, où les gens vivent constamment à la limite de leurs capacités. J'incline la tête en signe de respect pour ces personnes. Ils sont souvent des enseignants pour ceux d'entre nous qui ont le privilège de vivre dans une situation sûre. Mais je suis sûr que nous faisons tous l'expérience de certaines de ces qualités, lorsque nous traversons des moments très difficiles et que nous trouvons en nous des énergies qui vont bien au-delà de notre identité quotidienne. Dans ces moments-là, nous n'avons généralement pas le choix. Marina Abramovic a consciemment décidé de s'exposer aux limites, nous montrant ainsi que nos possibilités en tant qu'êtres humains sont bien plus grandes que ce que nous croyons habituellement.

Aspects du processus de groupe dans l'art de Marina Abramovic

À ce stade, j'aimerais explorer certains aspects du processus d'un groupe de travail et le comparer à l'art, en particulier à l'art de Marina Abramovic. En tant qu'artiste, elle a développé un art qui n'existe que dans le temps - au moment où la performance a lieu. Cela nécessite un public qui participe, est témoin et co-crée la performance. Elle ne crée pas une œuvre d'art fixe pour la montrer ensuite au public. L'œuvre vit au moment où elle se produit. Cela s'apparente à un processus de groupe.

Le processus de groupe ne peut pas être organisé, ni contrôlé, mais c'est un processus qui sculpte la vie, c'est de l'art en action pour créer du sens à travers la performance. Un processus de groupe peut être considéré comme un type de performance. À ce stade, jetons un nouveau coup d'œil à la démocratie profonde. Nous l'avons abordée dans le chapitre sur John Cage en établissant un lien entre la musique et le Worldwork - un élément important du Process Work.

En quoi la performance est-elle un processus de groupe ?

Démocratie profonde et travail mondial

Arnold Mindell et ses collègues ont développé une méthode spécifique pour travailler avec des groupes, appelée Worldwork. Dans ce domaine, il a découvert ce qu'il a appelé la démocratie profonde. L'un des formats du Worldwork et de la Démocratie profonde avec les groupes est ce que l'on appelle le processus de groupe. Arnold Mindell partage ses expériences et nous apprend que le champ d'action d'un groupe est un flux constant d'informations (Arnold Mindell 2014a). Il considère que le rôle du facilitateur est d'aider le groupe à accéder non seulement aux informations visibles, mais aussi aux informations invisibles et non exprimées - les sentiments, l'atmosphère, les rêves et les esprits qui influencent le champ.

Il décrit les rôles visibles et les rôles invisibles, qu'il appelle les rôles fantômes. Les fantômes sont des rôles qui sont présents, mais que personne ne représente dans l'instant. Il dit aussi que le champ n'a pas de frontière - il n'y a pas d'intérieur et d'extérieur. Chaque champ est relié à tout.

Dans son travail, il met l'accent sur la non-localité de tous les événements qui se produisent. Il parle de la démocratie profonde, qui approfondit notre compréhension politique de la démocratie dans le but de mettre au premier plan toutes les voix et tous les états d'esprit dans ce domaine. Cela permet de résoudre les conflits, de construire une communauté et d'apporter plus de conscience à tout ce qui se passe sur la planète.

Nous sommes habitués à avoir des dirigeants qui dirigent et organisent des groupes. Beaucoup d'entre nous vivent dans des systèmes démocratiques, où les gens ont la possibilité de voter. Dans un système démocratique, la majorité l'emporte, de sorte que les problèmes ne sont que partiellement résolus.

Dans le cadre du travail sur le processus, une autre voie est proposée, celle de la démocratie profonde. Sur cette voie, l'objectif du facilitateur est de faire ressortir toutes les informations invisibles et désavouées en suivant les signaux d'information du champ dans le temps présent. De cette manière, le champ s'exprime à travers les participants et de nouvelles perspectives, relations et résolutions peuvent se produire.

Max Schupbach parle d'un principe d'auto-organisation dans chaque groupe, ce qui signifie que le groupe possède un champ avec une tendance naturelle à organiser le groupe, de sorte qu'il devienne équilibré (Schupbach 2010). Cette tendance est souvent cachée dans des structures invisibles, telles que des pensées, des sentiments et des humeurs non exprimés qui perturbent l'identité première d'un groupe. Schupbach mentionne également trois niveaux d'information au sein d'un groupe. Il y a l'information visible dans les positions clairement exprimées. Nous pouvons parler ici de la réalité consensuelle. C'est le niveau que nous rencontrons souvent dans les discussions publiques. Le processus de groupe fonctionne également à un autre niveau : le niveau du rêve. Schupbach parle de niveau d'émergence (Schupbach 2007b). Nous sommes ici au niveau du rêve. Quelque chose veut émerger, c'est là mais ce n'est pas aussi clair que les éléments d'information au niveau de la réalité consensuelle. Les informations du niveau du pays des rêves, que nous pouvons également appeler des signaux, ont déjà un potentiel de changement et d'augmentation du flux. En réprimant ces signaux, on réprime donc d'autres potentiels importants.

Schupbach mentionne ensuite le früh emergenz ebenele niveau de pré-émergence (Schupbach 2007a). C'est le niveau de l'essence et il est à peine perceptible. Ce niveau a un potentiel élevé pour le groupe car les informations émergent d'un monde spirituel et ont donc un potentiel de changement profond. Le facilitateur aide le groupe à rendre les signaux des trois niveaux visibles afin de trouver de meilleures solutions au sein des équipes et des groupes ad hoc qui explorent un sujet.

Ces processus de groupe peuvent être considérés comme une sorte de processus de construction de la communauté. Parfois, un processus de groupe est nécessaire pour la résolution de conflits, pour une meilleure collaboration au sein d'équipes et d'organisations. Le processus de groupe peut également être utilisé comme une forme étendue de discussion et est pratiqué dans le monde entier sous le nom de Worldwork, où les questions mondiales sont abordées en groupe. Selon la pratique chamanique, nous pouvons dire que la façon dont le champ change à travers un processus de groupe, le monde qui nous entoure et les mondes géographiquement éloignés peuvent changer. Dans de tels processus de groupe, il existe un potentiel de co-création du monde, comme je l'ai déjà mentionné dans le chapitre sur Joseph Beuys.

Revenons à l'art : Je considère l'art, et en particulier le format de performance suivi par Marina Abramovic, comme une sorte de processus de groupe particulier.

Dans le spectacle Rythme 0, Marina Abramovic commence à briser la frontière entre l'artiste et le public en permettant au public d'être un facteur déterminant (Marina Abramovic parle de l'interprétation de ‘Rhythm 0′". - 1974 2017). Dans une galerie en Italie, elle a placé devant elle, sur une table, de nombreux objets que le public pouvait utiliser à sa guise sur son corps passif. Parmi ces objets, il y avait aussi des objets dangereux, comme des pistolets, des lames de rasoir, des couteaux et des clous. Certains visiteurs lui ont coupé ses vêtements et ont pratiqué d'autres procédures effrayantes. Dans cette performance, elle a ouvert un vaste espace pour les tabous et pour le potentiel invisible ou la tendance en chacun de nous à abuser, abuser et blesser les autres.

Que cette performance Rythme 0 Cette performance, qui s'est déroulée dans une galerie, a montré les doubles valeurs de notre soi-disant haute culture. Elle a franchi une limite de la manière que j'ai décrite plus haut et a offert avec sa performance un aperçu d'eux-mêmes. Nous condamnons tous la violence. La performance a montré la violence cachée en chacun de nous. Dans son livre The Year One, Mindell parle de nuages d'informations qui, s'ils ne sont pas suivis, commencent à puer comme des ordures et sont envoyés dans d'autres parties du monde, appelées zones de conflit. La performance artistique de Marina Abramovic est à mon sens un processus de groupe dans lequel chacun a la possibilité de travailler sur l'invisible et d'explorer ce que nous avons tous tendance à refouler. Elle s'est surtout rendue dans des zones taboues pour faire ressortir ces schémas interdits. Marina Abramovic peut être considérée comme une sorte de facilitatrice particulière. Par ses performances, elle facilite l'apparition de nombreux fantômes et les rend visibles.

Contenu sensible : Contient de la nudité

Au cours de sa vie, elle a suivi ce fil d'expériences douloureuses dans ses spectacles. Elle a pu le faire parce que - d'après ce que j'ai compris - elle avait traité le sujet dans toute son agonie et sa beauté à de nombreuses reprises. Elle a créé de nombreux autres spectacles qui ont rassemblé les gens, comme Generator, dont nous parlons dans la section suivante.

La déclaration qu'elle a faite au début de ce chapitre, selon laquelle l'art est lié à l'amour, montre sa façon unique de traverser la douleur et de rechercher l'amour. Sa performance artistique, considérée comme une sorte de processus de groupe, est un processus de construction communautaire dans lequel nous nous rencontrons dans nos zones refoulées, mais aussi dans notre potentiel d'illumination et dans l'expérience que nous avons de nous-mêmes comme étant sur le chemin du retour. L'art de Marina Abramovic nous invite à explorer la maison en traversant les peurs dans les groupes, les conflits de groupe et les peurs de nous-mêmes. Elle nous invite ainsi à pratiquer la construction d'une communauté en explorant ce que nous craignons et ce à quoi nous aspirons. Pour ma part, il s'agit d'une formation continue qui durera probablement jusqu'à la fin de ma vie. J'imagine être après la mort au milieu de tout, chez moi dans un monde où rien n'est renié et où tout vit dans l'essence pure.

Au cours de sa vie, elle a suivi ce fil d'expériences douloureuses dans ses spectacles. Elle a pu le faire parce que - d'après ce que j'ai compris - elle avait traité le sujet dans toute son agonie et sa beauté à de nombreuses reprises. Elle a créé de nombreux autres spectacles qui ont rassemblé les gens, comme Generator, dont nous parlons dans la section suivante.

La déclaration qu'elle a faite au début de ce chapitre, selon laquelle l'art est lié à l'amour, montre sa façon unique de traverser la douleur et de rechercher l'amour. Sa performance artistique, considérée comme une sorte de processus de groupe, est un processus de construction communautaire dans lequel nous nous rencontrons dans nos zones refoulées, mais aussi dans notre potentiel d'illumination et dans l'expérience que nous avons de nous-mêmes comme étant sur le chemin du retour. L'art de Marina Abramovic nous invite à explorer la maison en traversant les peurs dans les groupes, les conflits de groupe et les peurs de nous-mêmes. Elle nous invite ainsi à pratiquer la construction d'une communauté en explorant ce que nous craignons et ce à quoi nous aspirons. Pour ma part, il s'agit d'une formation continue qui durera probablement jusqu'à la fin de ma vie. J'imagine être après la mort au milieu de tout, chez moi dans un monde où rien n'est renié et où tout vit dans l'essence pure.

En résumé, ma vision de l'art de Marina Abramovic est la suivante :

• Franchir le cap, c'est de l'art
• Le processus de groupe, c'est l'art, c'est l'amour.
• Et cela exige : de l'endurance, une grande discipline, un amour profond, une créativité sans frontières, la volonté d'affronter l'inconnu, l'ouverture au monde numineux.

Generator, une performance de Marina Abramovic

À Kiev, en Ukraine, j'ai eu l'occasion de participer à une performance de Marina Abramovic intitulée "La vie en Europe". Générateur (‘Générateur (2014/2017)’ n.d.).

Voici la brève description que j'ai trouvée dans le musée :

Dans cette œuvre, Abramovic invite le public à faire l'expérience de son corps, de son esprit et de l'espace qui l'entoure, en étant complètement privé de l'ouïe et de la vue. Elle transpose la notion d'état fragile sur le corps et l'esprit du spectateur, le plaçant dans une position de vulnérabilité tout en se concentrant sur une notion centrale dans l'œuvre d'Abramovic : le “néant”. Comme elle l'a dit : “La chose la plus difficile est de faire quelque chose qui est proche du néant”. Cette œuvre a été créée à l'origine à la Sean Kelly Gallery, à New York.

Goûtez-y :

Mon travail intérieur avec GENERATOR

Conduit par un facilitateur dans la pièce, les yeux bandés, avec un casque. Seulement mon corps et mon corps de rêve et l'espace autour de moi.

Première fatigue, ralentissement, temps illimité

Marcher le long des murs pour s'orienter.

Ensuite, il faut lâcher les murs.

La rencontre du corps avec d'autres personnes est quelque chose de délicat, d'un peu blessant, de surprenant, de terrifiant. Parfois, un corps me touche, comme s'il cherchait à s'orienter. Il s'appuie sur moi ou je sens des mains sur mon corps. Je ne me sens pas à l'aise dans les deux cas. Je ressens ma propre fragilité. Je réalise que j'ai besoin de beaucoup d'espace autour de moi. Si quelqu'un me touche, je le ressens comme une irritation.

Processus de groupe sans mots, le contenu est le corps, quel degré de contact est acceptable pour moi ? Je dois le montrer par mon corps, en m'éloignant ou en restant. Étonnamment, mon animateur m'a dit après coup que j'étais souvent seul dans la salle. Coïncidence ?

Debout, assis, adossé au mur. Quelque chose en moi a besoin d'être soutenu, d'être tenu. Là, je dors quelques secondes.

Mes préparations habituelles pour un spectacle ne fonctionnent plus. Il s'agissait d'un concept de ma réalité quotidienne, de mon processus primaire. En étant dans la pièce sans canaux visuels et auditifs extérieurs, j'étais hors de la fenêtre et j'ai fait des expériences imprévisibles. Par exemple, la chose suivante : ma pensée disparaît. Je ne peux plus suivre un concept. Au lieu de cela, j'entre dans un état où le néant, le vide, la présence, la fragilité sont les forces. Je me sens dans mon corps. Une sorte de maison. C'est la seule orientation. Après je ne sais combien de temps, la joie surgit. La joie et la tendance à bouger. Mon corps navigue dans le mouvement. Il n'y a pas de pensée, même pas de sentiment, d'une certaine manière, il n'y a que l'être. D'une manière étrange, c'est la liberté. Il y a des règles dans l'espace de performance, qui interdisent aussi quelque chose comme parler. Pourtant, je ressens de la liberté. Mon corps se déplace autour de son axe et devient de plus en plus équilibré, ce qui n'était pas le cas au début. Je me sens calme, centré, détaché.

Retour à la pratique

Comme dans chacun des chapitres consacrés à un artiste, nous revenons maintenant à la pratique. Cette fois, je vous invite à créer votre propre spectacle sur un sujet que vous souhaitez aborder. Au lieu de faire un travail intérieur privé sans être vu par les autres, votre performance sera vue. Ainsi, à travers le miroir des autres, vous aurez l'occasion d'en tirer des enseignements. Il s'agit d'une sorte de processus de groupe de renforcement de la communauté, qui doit être suivi d'une discussion.

Dans mes ateliers, les représentations ont eu un effet puissant sur l'ensemble du groupe, comme dans l'exemple suivant.

Au cours d'un atelier musical dans les Alpes suisses, l'une des participantes s'est retrouvée à la limite du possible en montrant une performance musicale de son processus intérieur. Après toutes les performances, c'était son tour. Elle était assise dans le refuge où se déroulait l'atelier et était totalement bloquée. Le groupe entier a occupé l'espace et la présence de chacun a créé une énergie très intense.

Après un long silence, elle s'est soudain levée et est sortie en courant de l'abri avec un outil de fabrication de fromage. Cet objet ressemble à un mégaphone et est également utilisé pour chanter l'hymne national. Alpsegen. Elle a pleuré et chanté, sans plus remarquer les auditeurs. Ce fut un spectacle libérateur, non seulement pour elle, mais aussi pour tout le groupe. Tout le monde a appris de cette performance. Cet exemple m'a donné une confiance profonde dans ce format. Une performance exige que je franchisse les limites de ma propre volonté et crée une énergie intense.

La performance a une certaine durée que vous pouvez définir à l'avance si vous le souhaitez. Vous créez une conception de la performance qui, selon vous, permet de faire l'expérience de votre problème. Ainsi, le processus a une structure définie, mais à l'intérieur de cette structure, tout est possible.

Je présente ci-dessous un exemple montrant comment vous pouvez le créer.

Exercice : Le franchissement d'arêtes en tant que performance

1. Avez-vous un problème auquel vous êtes confronté ? Vous êtes peut-être en conflit, vous êtes paniqué ou vous avez peur. Quelque part, vous vous sentez au bord du gouffre et vous n'arrivez pas à aller de l'avant ?

Réfléchissez et prenez des notes, en particulier sur une énergie qui vous dérange, qui vous fait peur. Il peut aussi s'agir d'une personne qui vous fait peur.

Ma situation pour 1 : Je dois maintenant entrer dans une phase de décision concernant la vente de ma ferme. Beaucoup de difficultés, des nuits sans sommeil. Confronté à une charge matérielle énorme, confronté à un nouveau rôle qui m'effraie. Je suis le vendeur et je dois décider, même si je ne sais pas si c'est la bonne décision. Prendre la responsabilité.

2. Travaillez maintenant sur l'énergie qui est la plus effrayante et la plus douloureuse pour vous

Ma réponse au point 2 : La ferme avec cet aspect matériel est une pression énorme et un poids énorme pour moi.

3. Essayez maintenant d'entrer dans cette énergie, d'entrer en contact avec cette énergie

Ma réponse à la question 3 : Je m'engage dans le poids énorme qui pèse sur Magdalena.

4. Créez une performance pour vous-même afin de vous permettre de faire l'expérience de l'endurance, de la volonté d'être dans l'inconnu, d'une grande discipline, de l'amour.

Ma réponse à la question 4 : Décider de faire une cassette, parce qu'une performance a besoin d'être partagée et qu'aujourd'hui personne n'est là.

5. Conception de la performance : Fixez une heure pour réaliser la performance que vous voulez faire. Vous entraînerez ainsi votre discipline et votre endurance. Soyez prudent lorsque vous fixez le temps. Pouvez-vous évaluer votre capacité momentanée d'endurance et de discipline ? Vérifiez-le en faisant un essai, vérifiez votre endurance et créez ensuite un modèle qui exige un peu plus, afin que vous puissiez franchir un cap.

6. Créez une idée de sculpture de vie, c'est-à-dire que vous êtes la sculpture.

Mon exemple pour 6 : je dois créer quelque chose qui appuie sur quelque chose, qui veut s'échapper. Par exemple, je pourrais appuyer une partie de mon corps sur une autre partie pendant un temps donné de 30 minutes.

7. Il faut d'abord s'entraîner à trouver la bonne position.

Ma réponse à 7 : Le premier essai n'était vraiment pas supportable. Je me suis effondré comme vous pouvez le voir dans le petit film. J'ai donc dû trouver une position plus réaliste.

8. Changez quelques idées pour le spectacle afin qu'il corresponde à ce que vous voulez faire.

Ma réponse à 8 : La deuxième tentative a fonctionné.

9. Pendant le spectacle, remarquez ce qui se passe

Ma réponse au point 9 : Après quelques minutes, j'ai commencé à compter les secondes sur ma montre. J'ai eu du mal à entrer dans l'expérience. Après un certain temps, c'était parfois possible, et parfois j'avais à nouveau des difficultés. J'avais très mal au bas des jambes à cause du poids qui reposait sur elles. Au bout d'un certain temps, il s'est produit quelque chose d'étonnant : Je sentais de plus en plus le poids lui-même et je devenais le poids. Mon corps a commencé à lâcher prise. Le corps s'est connecté de plus en plus à la gravité et je suis devenu en quelque sorte la ferme couchée sur Magdalena. Il n'était plus possible de penser. Il s'est passé quelque chose avec mon cerveau. C'était comme si j'étais connecté à la terre dans une expérience physique profonde.

10. Regarder le spectacle

Ma réponse à 10 : Fort effet de concentration, énergie de méditation. Pendant le premier visionnage, un léger effet soporifique. Lors du second visionnage, quelques heures plus tard :

Sensation intense de lâcher prise, de ne plus être actif et de ne plus contrôler. Insight : Ne pas faire est une possibilité. Le champ lui-même peut organiser ce qui veut se produire.

Avant ce travail, j'ai vu ne pas faire Le fait de ne pas faire a une autre qualité : ne pas faire avec conscience. Mais cette forme d'inaction a une autre qualité : l'inaction consciente.

11. Vos idées, les prochaines étapes

Ma réponse à 11 : Ne pas faire comme une méditation liée à la pratique de la gravité dans la sensation du corps. Être moi-même le poids. En cas de panique, se connecter à ne pas faire et la gravité, au contact de la terre, est le poids.

Un jour après cette représentation, une solution concernant la ferme est apparue. Surpris ?

Que s'est-il passé ?

Cet exercice de performance a été une sorte de franchissement d'un cap. Auparavant, j'avais tendance à lutter contre ce poids, cette énorme responsabilité. Grâce à cette expérience, j'ai pu suivre la douleur jusqu'au moment où un changement s'est produit. En étant ce poids, j'ai établi une connexion profonde avec la ferme et j'ai ressenti la ferme. Je l'ai aimée au lieu de détester cette énorme tâche.

Que s'est-il passé alors dans le champ pour qu'une solution se produise juste après ce jour ? En traversant mon bord, le champ s'est éclairci. Je n'étais plus la Magdalena craintive qui tentait de s'échapper, enfermée dans son processus primaire. Dans mon nouveau rôle, j'ai tendu la main en tant qu'être centré, enraciné, profondément connecté à la ferme et à son avenir, en accédant à mon processus secondaire. Je me suis entendue penser : Je veux cela pour la ferme, je ne veux pas cela. Je suis entrée en contact avec le véritable vendeur et le propriétaire, qui sait ce qu'il doit vendre et comment il va le faire. Ce nouveau rôle, qui n'était pas représenté auparavant, ce fantôme, a eu l'occasion de passer au premier plan et a été occupé pendant les 30 minutes de la représentation. En conséquence, ce rôle dans le champ a aidé à trouver une solution parce que le champ est devenu entier.

Aujourd'hui, le champ peut changer parce qu'un rôle est passé d'un rôle fantôme à un rôle représenté - ce rôle était absent avant la représentation.

• Poids et performance (Schatzmann 2018e)

Chapitre 5 : Max Frisch et la force cachée de l'art et du Process Work

Dans ce dernier chapitre consacré aux artistes, je souhaite partager avec vous mon enthousiasme pour une discussion que j'ai regardée par hasard à la télévision. C'était au milieu de la nuit. Je voulais m'endormir et comme j'étais fatiguée, j'ai cliqué sur mon ordinateur portable dans un état de rêve. Soudain, je me suis retrouvée au milieu d'une discussion, ma fatigue s'est immédiatement dissipée. J'ai senti les dix hommes de mon rêve d'enfant me posséder à nouveau.

Lors d'un entretien à la télévision suisse en 1978 avec un membre du gouvernement suisse, Max Frisch, écrivain suisse, a fait part de ses réflexions sur la poésie et les arts en général (Max Frisch Und Kurt Furgler Im Gespräch (Schweizerdeutsch) 2012). Voir ici.

Lorsqu'il parle de poésie, il parle aussi des arts en général. La discussion portait sur la politique et les arts et sur leur approche différente de la société et de la vie en général. Le texte est une transcription de la discussion en dialecte suisse. J'ai essayé de l'écrire et il y a une partie de l'original de Frisch et une partie de mes propres mots, de la façon dont je le comprends.

Dans ce chapitre, j'examinerai quelques déclarations de Max Frisch sur l'art. Je les discuterai et les comparerai avec des aspects des processus de groupe et des attitudes intérieures. J'étudierai le retour à la maison à travers le processus de corrosion des idéologies. Je regarderai Andorre, une œuvre de Max Frisch, et discuterai de la manière dont il trouve les fantômes. Je partagerai également le sentiment et la nostalgie des utopies et la recherche d'un foyer sur ce chemin sans fin.

Max Frisch était un auteur célèbre en Suisse. Il a partagé ses opinions politiques et sa littérature artistique avec un public international. Dans mon enfance, j'ai entendu parler de lui par les adultes de mon entourage qui le critiquaient vivement. Adolescente et jeune adulte, j'étais très intéressée par lui et j'ai lu la plupart de ses livres. J'adorais Frisch et d'autres auteurs qui étaient très politiques dans les années soixante, soixante-dix et quatre-vingt, et je me suis politisé à travers eux. Ce monde est devenu une sorte de foyer non local et les dix hommes m'ont poussé hors de la zone de confort de la classe moyenne.

Après de nombreuses années sans penser à Frisch, la discussion que j'ai trouvée par hasard a ravivé mon intérêt pour la façon dont il comprend les arts. Le point central de ses déclarations est la question suivante : pourquoi l'art irrite-t-il les hommes politiques ? Et j'ajouterais la société en général. Fritz affirme que l'art vit dans un espace où les gens ne sont pas socialement connectés. L'art déchire les états figés et l'art est lié à l'utopie. L'art met à mal toutes les idéologies. Vous souvenez-vous des déclarations de Tinguely au début, lorsqu'il parlait des pyramides qui s'effondrent, ou de Beuys qui travaillait sans relâche sur son utopie selon laquelle tout le monde est artiste ?

Mais écoutons les réflexions de Frisch lui-même. Je les ai notées à partir de l'émission télévisée que j'ai regardée aux petites heures du matin :

La poésie n'est pas une chute de la réalité, de la subjectivité, de la sentimentalité, etc. La poésie est un obstacle aux véritables expériences de l'existence humaine. La poésie nous fait prendre conscience de la réalité, elle nous conduit à l'endroit où nous nous trouvons dans des situations d'adversité personnelle. Elle nous ramène à la réalité. (...) La poésie, comme l'art d'ailleurs, nous conforte dans notre spontanéité, qui peut être source de malheur et d'épuisement.

Ce qu'un politicien peut reprocher, ce ne sont pas les souhaits politiques. Si vous avez la majorité au Parlement, vous n'avez pas la chance d'avoir une grande communauté littéraire et c'est aujourd'hui, dans le contexte international, une communauté hétérogène.

Qu'est-ce qui vous irrite ?

La poésie touche les hommes d'ici, qui n'ont pas d'intérêt, pas de rôle familial ou officiel. Elle défie toute conscience idéologique et l'art, lorsqu'il porte ce nom, est subversif et fondé sur le droit. Ce qui la caractérise, c'est qu'elle est gratuite. Il n'en va pas de même pour les autres : Sie als Bundesrat regieren, Sie müssen Massnahmen ergreifen. La poésie ne produit pas de masse. Elle a le mérite d'exister, et même d'être une preuve de la profonde insatisfaction et de la profonde détresse qui nous habitent tous.

La poésie s'intéresse à ce qui, dans la politique, est de plus en plus oublié, c'est-à-dire à l'utopie. Lorsqu'un roman met en scène une vie détruite ou la mort d'un travail accompli, il s'inspire de l'utopie selon laquelle l'homme, sur notre Terre, ne peut être que différent. En effet, les recettes sont impossibles à trouver dans l'art et c'est toujours un fardeau.

Pour un pragmatique, l'art n'est jamais un obstacle. La poésie ne dit rien qui vaille avec l'amour. Et la poésie ne s'éloigne pas de l'amour. Elle est tout simplement, comme la liberté dans la conscience et dans la recherche, ce que tout le monde peut faire, et pas seulement les artistes.

Toute collaboration entre l'art et la machinerie aboutit, même si elle est bonne, à un sentiment de satisfaction personnelle pour l'art. L'art est une position négative par rapport à la nature.

Traduction : La poésie n'est pas une fuite de la réalité, ni un engourdissement ou un sentimentalisme... La poésie est une percée vers les expériences authentiques de l'existence humaine. La poésie nous émeut. La poésie nous déchire là où nous sommes figés dans des situations que nous considérons comme acquises. (...) La poésie, les arts en général, nous libèrent par la spontanéité, qui peut être bonheur ou horreur. Les opinions politiques ne sont pas dérangeantes pour un politicien. Lorsque vous avez la majorité au parlement, vous n'êtes pas dérangé par l'ensemble de l'équipe littéraire, qui, comparée à celle d'aujourd'hui au niveau international, est assez importante.

Qu'est-ce qui irrite ?

La poésie atteint les gens là où ils n'ont pas de fonction, là où ils ne jouent pas de rôle dans la famille ou la société. Elle s'infiltre dans toutes les consciences idéologisées et, dans cette mesure, l'art - s'il est à la hauteur de son nom - sera ressenti comme subversif, et à juste titre.

La particularité de l'art est qu'il n'a pas de but. On pourrait le dire autrement : En tant que membre d'un gouvernement, vous êtes censé gouverner, vous devez agir. La poésie n'agit pas. Il suffit qu'elle soit présente, présente en tant qu'expression d'une profonde insuffisance et d'un profond désir que nous avons tous. La poésie est la gardienne de ce qui se perd toujours dans la politique : l'utopie. Si un roman dépeint un mariage brisé ou la misère engendrée par un travail aliéné, il suppose une utopie selon laquelle l'être humain pourrait être différent sur notre terre. On ne peut pas attendre de la poésie qu'elle fournisse des recettes, ce qui est toujours gênant.

D'un point de vue pragmatique, la poésie est inutile. La poésie ne nous dit pas où mettre les déchets radioactifs. Et la poésie ne demande pas de permission. Elle est simplement là, en tant que liberté de conscience et de sentiment, ce qui est possible pour tout le monde, et pas seulement pour les artistes. Toute collaboration entre l'art et le pouvoir aboutit à une incompréhension fatale de l'art, même les collaborations réussies.

L'art - comme le rappelle Frisch - est une contradiction avec le pouvoir.

Quelques réflexions principales

L'art est le pendant du pouvoir. Son foyer est la liberté dans la conscience et la perception sensorielle. Frisch affirme également que c'est précisément ce qui est accessible à tous. Cette conviction est similaire dans mon esprit à la compréhension du point de vue de Beuys dans sa formule Tout le monde est un artiste.

Selon Frisch, l'art a quelque chose à voir avec la liberté de conscience et de perception sensorielle. Tout ce qui découle de cette liberté peut être considéré comme de l'art. Une rencontre, un discours, une peinture, une poésie, un morceau de musique, l'agriculture, l'entreprise et le processus de groupe. Le cadre est la liberté de conscience et de perception sensorielle. En outre, nous devons tenir compte du fait que Frisch affirme également que l'art s'infiltre dans toutes les idéologies. L'art n'a pas de but, selon Frisch, et le véritable art ne peut être trouvé dans la collaboration avec le pouvoir.

Une autre réflexion de Frisch dans l'interview que j'ai regardée me semble également importante :

Je klarer, absichtsloser, in jener bedingungslosen Aufrichtigkeit gegenüber dem Lebendigen, die aus dem Talent erst den Künstler macht ...

Tout ce qui est vivant a en soi une tendance à l'erreur, cela remet en cause l'idéologie et nous nous efforçons de ne pas nous laisser abattre, si quelqu'un nous demande de faire preuve de zèle à l'égard de notre bibliothèque.⁹

Tout ce qui est vivant a en soi une tendance à la surenchère, cela remet en cause l'idéologie et nous nous efforçons de ne pas nous laisser abattre, si quelqu'un nous demande de faire preuve de zèle à l'égard de notre bibliothèque9.

Si nous suivons maintenant la liberté de conscience et de perception sensorielle de Max Frisch, nous pouvons la comparer avec le travail de processus et dire :

N'étant pas libre dans ma conscience et dans mon corps sensoriel, je suis coupé des arts, coupé de la vie inconditionnelle, coupé du flux. Dans ces moments-là, je suis à la limite de quelque chose qui ressemble à de l'art. Plus précisément encore, je dirais que la conscience de chaque état dans lequel je me trouve a quelque chose à voir avec la liberté de conscience.

S'apercevoir que je suis bloqué, c'est déjà être libre de reconnaître et donc lié à la liberté de conscience et de perception sensorielle. Voici U et X, vous vous souvenez de U et X dans le chapitre sur les principes fondamentaux du Process Work.

U est toujours lié à ce que nous connaissons déjà, il surgit de notre passé. X est toujours quelque chose dans le futur, une qualité qui nous invite à quitter les zones familières et à franchir les limites pour atteindre de nouvelles dimensions.

Suivre la liberté de conscience et de perception sensorielle est donc une pratique de toute une vie et une voie artistique, accessible à tous, et en ce sens, chacun est un artiste.

Prenons un exemple. Récemment, j'ai dit à l'un de mes pairs que j'avais des difficultés avec le président d'une association à laquelle j'appartiens. Ce qui m'irritait, c'était son monologue permanent, qui m'agaçait et m'embrouillait. Nous avons analysé cela comme X. J'ai également eu un jugement en pensant qu'il n'était pas réfléchi, pas créatif, pas assez en relation avec les autres.

Vous voyez, ce sont des jugements lourds et naturellement notre collaboration n'était pas très étonnante. Par mon comportement direct, je l'ai choqué. Deux êtres humains qui ne s'accordent pas. Je dois admettre que mes jugements étaient idéologiques. Avec mon pair, j'ai suivi un processus qui peut montrer ce que j'entends par liberté de conscience et de perception sensorielle.

Le déploiement de son style de monologue qui m'irritait a conduit à une qualité d'être présent partout. L'étape suivante de notre travail a conduit à un geste d'étreinte de la planète et je me suis entendue dire : Monde laisse-moi t'entendre. Un sentiment d'amour est né même pour ce président.

Dans un premier temps, il était nécessaire de découvrir la question la plus dérangeante, d'exprimer honnêtement mes jugements. Puis, dans un deuxième temps, le fait d'aller à X, de franchir un cap vers l'inconnu, m'a apporté une compréhension élargie de ma propre relation au monde et aussi à ce président.

La force cachée du processus de groupe

Max Frisch était un auteur qui a participé à la vie politique et a beaucoup contribué à la démocratie en Suisse. J'aimerais donc mettre l'accent sur le processus de groupe dans cette analyse en tant que format de travail sur les questions mondiales.

Nous avons rencontré le processus de groupe dans le chapitre consacré à Marina Abramovic et nous en reparlerons ici en le comparant aux pensées et aux points de vue de Max Frisch.

Une fois encore, je souhaite étudier le lien entre le fait d'être chez soi et le mythe de ma vie, mon rêve d'enfant et l'apport de Max Frisch. J'ai fait mes toutes premières expériences de processus de groupe à Zurich, à l'Institut de psychologie orientée processus, le premier institut fondé par Arnold Mindell il y a de nombreuses années. Je n'avais jamais rencontré cette méthode auparavant.

Je me suis immédiatement sentie totalement émerveillée. Je me sentais à nouveau chez moi. J'ai découvert un nouveau style d'interaction et je suis rentrée chez moi avec le sentiment d'avoir gagné en courage. Je me souviens que dans le train pour Berne, j'ai parlé avec toutes les personnes que j'ai rencontrées, manifestement quelque chose avait changé en moi. Je me sentais comme un oiseau libre. Aujourd'hui, je suis avide d'étudier ce format, d'apprendre et de lancer des projets. Max Frisch est revenu dans ma vie au bon moment. Mais j'ai dû réfléchir à nouveau aux raisons pour lesquelles j'étais si émerveillée par Frisch et certains aspects de mon passé me sont revenus à l'esprit. Permettez-moi de vous faire part de quelque chose de personnel :

Dans ma ferme, avec mon mari, nous avons beaucoup travaillé dans le domaine politique, en particulier dans le domaine de la politique agricole. C'est lui qui me mettait au défi. Il m'a poussée à parler en public, nous avons fait campagne ensemble. Nous vivions dans les Alpes pendant les mois d'été avec des gens qui s'intéressaient à ce que nous avions à partager. Nous avons eu beaucoup de discussions, beaucoup de problèmes, beaucoup de moments extraordinaires et mon énergie musicale sensible et subtile a été vraiment tourbillonnée dans la confrontation avec la chaîne mondiale et toutes les difficultés, les polarisations, les échecs et les réussites.

Souvent, je me suis posé la question :

Pourquoi avez-vous abandonné votre vie sensible pour entrer dans un domaine aussi difficile, où il y a tant de problèmes à résoudre ? Pourquoi ne pas continuer à jouer du piano et à s'amuser avec la musique ?

Aujourd'hui, je suis convaincue que lorsque les dix hommes se sont à nouveau présentés, il était temps de quitter ma zone de confort, d'aller vers un nouveau foyer et d'aller plus loin dans le développement de qualités personnelles que je n'avais pas encore expérimentées. À cette époque, les arts et le Process Work ont été des mondes et des foyers cruciaux pour moi. Le Process Work m'a appris à toujours avoir l'attitude que dans chaque chose il y a quelque chose de bon, quelque chose qui vous fait avancer. L'art était un chemin qui rassemblait toutes mes parties lorsque je me sentais divisée, ce qui m'a permis de suivre mes visions, mes utopies et de les amener dans ma vie quotidienne.

Aujourd'hui, je peux dire que l'art, qui est en quelque sorte sans but quotidien, a un pont - et ce pont, c'est le Process Work, qui relie le monde de l'art à notre vie de tous les jours. Oui, l'art n'a pas de but en soi, mais l'art, et en particulier l'art en relation avec le processus de travail, est capable de changer nos vies. Nous verrons plus loin dans ce chapitre que l'art et le travail de transformation révèlent ce qui est caché.

J'ai commencé à écrire ce chapitre à un moment où je ne savais pas pourquoi, ni si cela ferait partie de mon travail de diplôme. J'ai ressenti une obsession de comprendre et de refléter ces pensées et ces points de vue dans cet exposé au plus profond de la nuit, en découvrant cette discussion étonnante par hasard sur l'internet. Quelque chose m'a interpellé, et tout le jour suivant, je n'ai pas pu lâcher cette discussion. Je n'étais pas intéressé par le fait qu'il ait une utilité pour mon travail de diplôme. Mais il fallait que je réfléchisse, que j'écrive, que je réécrive encore et encore. Qu'est-ce que je veux faire de ce Max Frisch dans mon mémoire de fin d'études, me suis-je demandé six mois plus tard. Je me suis demandé si c'était toujours d'actualité.

Une voix, probablement celle de l'enfant du rêve de l'enfance, qui veut rentrer chez lui, a dit :

Mmm, je pense que ce n'est plus important, pourquoi ouvrir à nouveau une autre fenêtre, une autre vue ? Il semble difficile d'approfondir ce point et de le relier au mémoire de fin d'études.

Une autre voix, probablement celle des dix hommes, s'est fait entendre :

Mais il est important de reprendre les mots de Max Frisch, qui sont très conflictuels. N'arrêtez pas votre impulsion originale et continuez à travailler dessus. Vous ne verrez qu'en marchant si cela fera partie du travail de diplôme ou non, et il se pourrait qu'il manque encore une sorte d'énergie de confrontation. Sans énergie de confrontation, vous n'êtes pas votre vrai moi. Ne rentrez pas chez vous, vous en trouverez un nouveau et plus grand.

J'ai donc commencé à réfléchir aux idées de Max Frisch, au processus de travail et en particulier au processus de groupe.

Une nouvelle étude interne sur le travail par processus a été lancée

Si quelqu'un me demande ce que je fais et pourquoi j'étudie et pratique le processus de groupe, je me sens souvent comme un débutant et je cherche des mots, qui ne sont pas vraiment ce que je voulais dire. Pourquoi ?

Des questions telles que : pourquoi faire des processus de groupe ? Cela a-t-il un effet ? Est-ce utile pour le monde ? Comment un processus de groupe peut-il être une sorte de maison spéciale ? Il est très difficile de décrire ce qu'est un processus de groupe car, comme je l'ai déjà dit, en entrant dans un processus de groupe, tout devient différent de ce que l'on attendait. Le processus de groupe est comme l'art : D'un point de vue pragmatique, l'art n'est pas utile, dit Frisch. Relisez ce que Frisch dit à propos des arts :

La poésie ne nous dit pas où mettre les déchets radioactifs. La poésie ne demande pas de permission. Elle est là de toute façon, en tant que liberté de conscience et de sensation, qui est possible et accessible à tous les êtres humains, et pas seulement aux artistes.

J'ai déjà dit que Marina Abramovic est une sorte de facilitatrice, car elle entre dans un domaine et fournit des informations qui sont invisibles et rend visibles des aspects désavoués. Grâce à cette facilitation artistique, elle lance des discussions, des réflexions et contribue à modifier le terrain.

Après la Seconde Guerre mondiale, Max Frisch a rédigé un projet qui est devenu plus tard la pièce Andorra, dans laquelle il a travaillé sur le thème du modèle du paria et du bouc émissaire (Frisch 1969). À un moment donné, Andri, le paria de la pièce, répond à la question de savoir pourquoi il est différent des autres :

... soudain, vous êtes comme ils le veulent et c'est ça le mal. Le mal est dans tout le monde, mais personne ne veut l'avoir et le mal est dans l'air, mais il ne reste pas là, il doit entrer dans quelqu'un, pour qu'il puisse l'attraper et le tuer.

L'artiste a formulé cela et a choqué la société avec cette pièce. Cette pièce a été écrite à une époque difficile, après la Seconde Guerre mondiale, où les gens avaient beaucoup de mal à reconnaître les mauvaises habitudes qu'ils avaient en eux. Qu'a fait Max Frisch ? Il a partagé avec une honnêteté inconditionnelle un rôle qui existe en chacun de nous. Dans un processus de groupe, on appelle cela un rôle fantôme - un rôle qu'il est difficile de représenter et de s'approprier parce qu'il s'agit le plus souvent d'un tabou.

Depuis lors, ce rôle et ce sujet sont discutés dans un cadre plus large. De nos jours, le rôle du fantôme, du mal qui est en chacun de nous, est un peu plus familier, même s'il reste un sujet difficile. Les artistes ont très tôt remarqué le rôle du fantôme. Pourquoi un artiste est-il capable de le faire ? Grâce à son honnêteté inconditionnelle et à la liberté de conscience et de sensation dans laquelle elle vit.

C'est ce que Frisch exige des artistes, mais il est également convaincu que cela est possible pour tout le monde. En tant qu'artiste, Frisch a toujours exprimé tout ce qu'il remarquait et en a parlé directement. Comme un rayon laser, il examinait les rôles et les rôles fantômes dans la société dans laquelle il vivait.

Cette capacité de rayon laser me semble très importante pour le rôle du facilitateur, pour un membre de l'équipe et pour mon travail intérieur. Non seulement lorsque je nage au sein d'un groupe, dans mes illusions ou mes besoins, mais aussi en étant suffisamment détaché pour sentir quelles voix sont présentes dans l'instant et pour l'exprimer. Dans un processus de groupe, le facilitateur et les participants sont des artistes pendant ces moments, parce qu'ils suivent ce qu'ils remarquent.

Avec de l'entraînement, ils peuvent devenir de plus en plus capables de remarquer les modèles invisibles, tout comme l'artiste. En ce sens, le processus de groupe peut être qualifié d'art. C'est la raison pour laquelle j'ai été si enthousiasmé par les réflexions de Max Frisch. Je sais maintenant pourquoi j'ai besoin de Max Frisch pour mon mémoire de fin d'études et pourquoi je me sens à l'aise avec ces pensées.

Une deuxième idée de Max Frisch est son point de vue sur les des idéologies qui se corrodent. Il considère l'art comme subversif et comme une antithèse du pouvoir. Je vais maintenant essayer de comparer avec la méthode de Deep Democracy. A travers ce document, nous avons vu à plusieurs reprises l'importance de tous les points de vue pour permettre au domaine de s'exprimer dans sa globalité. Mindell écrit dans Le chef en tant qu'artiste martial (Arnold Mindell 2014a) :

La démocratie profonde est notre sentiment que le monde est là pour nous aider à devenir nous-mêmes et que nous sommes là pour aider le monde à devenir entier.

Les signaux cachés comme les rôles fantômes deviennent visibles. Derrière chaque rôle et chaque rôle fantôme, nous pouvons révéler l'essence du rôle. Toute la structure primaire d'un groupe s'effondre et de nouvelles perspectives et de nouveaux potentiels apparaissent. Arnold Mindell décrit dans ses livres, notamment dans Assis dans le feu De nombreux exemples de ce phénomène montrent comment des personnes puissantes ont changé grâce à la découverte d'informations cachées (Arnold Mindell 2014b). En ce sens, nous pouvons voir quelque chose de subversif dans la voie de la démocratie profonde.

Un regard sur le sens originel du mot "subversif" : sub-vertere = umstürzen, untergraben/undermine. Si je prends le mot de manière totalement neutre, je dirais alors oui : le processus peut tout changer et oui, le processus est capable de tout subvertir. Mais le mot "subversif" peut être mal compris en raison de sa connotation avec quelque chose de rebelle.

Normalement, nous utilisons ce terme pour décrire une subversion intentionnelle, ce qui n'est pas le cas dans Deep Democracy. C'est pourquoi je remplacerais le terme subversif par celui de révélateur. Le processus de Démocratie profonde révèle ce qui est invisible, ce que nous avons tendance à éviter et révèle l'essence des rôles.

Dans l'exemple suivant, j'essaierai de montrer ce que j'entends par la qualité révélatrice du champ. Vous verrez que le rôle du critique reste inexprimé, parce que le rôle sur le terrain était présent dans l'atmosphère insupportable.

Il s'agissait d'un atelier de musique non intentionnelle dans une académie de musique professionnelle. J'ai été invité à travailler avec des étudiants. J'avais l'habitude de demander à quelqu'un de travailler avec moi au milieu de l'atelier pour montrer le travail.

Personne, silence, atmosphère figée. Je me suis sentie un peu nerveuse et j'ai attendu. Rien ne s'est passé. Puis j'ai dit : “Le processus vient de commencer, personne ne veut jouer, bien, explorons maintenant ce qui se passe”.

Une profonde respiration a traversé tout le groupe et un rôle fantôme est apparu, souvent lié à une école d'artistes - à savoir, le critique. C'est pourquoi personne ne voulait jouer. Tout le monde avait le critique en soi et en même temps une grande peur de lui.

La critique dans l'art, et en particulier dans l'art de la performance, est quelque chose qui traumatise les gens. Le critique est un rôle de fantôme énorme et dangereux. Dans ce séminaire, je n'étais pas suffisamment formé pour traiter avec les fantômes. Heureusement, la situation était si claire qu'il a été relativement facile d'identifier le critique.

Aujourd'hui, je constate qu'il s'agit là d'un exemple étonnant d'idéologie corrosive, à savoir l'idéologie ou le système de croyance de la musique classique à notre époque. Jouer de la musique doit être absolument parfait ! dit le critique. Après avoir discuté des craintes entourant la critique et le rôle de la critique, nous avons pu poursuivre l'atelier. Nous avons passé un moment merveilleux, plein de joie et de créativité.

L'énorme potentiel de la qualité révélatrice de la démocratie profonde est qu'elle nous donne la possibilité d'accéder à tous les rôles qui se présentent. Les idéologies et les états figés se caractérisent par l'oppression des voix marginalisées dans un groupe et chez les individus. Le pouvoir subversif ou révélateur du Process Work et de la Démocratie Profonde réside dans le fait que le terrain l'évoque à coup sûr, parce que je ne peux pas supprimer mes signaux - ils sont plus forts que mon identité, comme dans l'exemple de l'atelier décrit plus haut (Arnold Mindell 2014b).

Le rôle fantôme du critique se trouvait dans chaque élève, et pas seulement dans le chef de l'école. Rappelez-vous la déclaration de Max Frisch :

Il suffit que la poésie soit présente, présente comme une profonde insuffisance, un profond désir que nous avons tous.

Se pourrait-il que l'univers nous utilise dans un processus de groupe comme des canaux pour explorer ensemble notre insuffisance et nos désirs les plus profonds ? Dans certains moments d'un processus de groupe - par exemple lorsque des rôles fantômes sont attribués - je ressens souvent cette insuffisance et ce désir dont parle Max Frisch. Cela me rend humble et reconnaissant. Dans l'exemple ci-dessus avec les étudiants, une atmosphère d'amour s'est installée, tout le monde a partagé ses idées et ses sentiments. Les fantômes appartiennent à tout le monde et le paradigme de la démocratie profonde est déjà un processus de corrosion des idéologies.

Retour à la pratique

À ce stade, je pense qu'il est temps de pratiquer et d'expérimenter.

Réaliser des processus de groupe n'est pas la chose la plus facile et nécessite de la formation et de la pratique. Mais ce que je veux vous offrir ici, c'est un avant-goût de ce que vous pouvez faire avec vous-même. Comme précédemment, je l'associe à une petite expérience de création d'une œuvre d'art.

Exercice : processus de groupe interne

1. Souvenez-vous d'un problème avec un groupe. Il peut s'agir de votre groupe de travail, de votre famille, de vos amis, de votre club de sport ou de tout autre groupe. Il peut s'agir d'un conflit, d'une collaboration, d'une envie d'approfondir, d'un projet.
2. Décrivez le problème.
3. Décrivez tous les participants que vous remarquez.
4. Entamez un processus de groupe avec vous-même et laissez toutes les voix s'exprimer.
5. Jouez tous les rôles, passez d'un rôle à l'autre, laissez les voix s'affronter en apportant leurs arguments et remarquez ce qui est spécial, surprenant, non prévu/imprévu. Suivez le flux d'informations qui surgit.
6. Essayez de créer une sorte de pièce de théâtre avec tous les éléments d'information.
7. Tout en faisant cela, une partie de vous-même remarque ce qui change et repère les moments surprenants. Une partie est constituée par les participants, une autre par l'animateur.
8. Suivez le processus jusqu'à ce que quelque chose de significatif se produise. Par exemple, une idée peut émerger.
9. 9a. Rédigez le processus sous la forme d'une histoire. Étudiez toutes les voix et laissez libre cours à votre créativité jusqu'à ce que cette histoire ne soit plus liée aux membres du groupe.
   9b. Autre possibilité : Créez un son, une mélodie, un rythme pour chaque voix et enregistrez-les. Écoutez les voix comme s'il s'agissait d'un morceau de musique.
10. Créez surtout l'intuition que vous avez sous forme de musique, de poème, de peinture, de danse...
11. Lorsque vous rencontrerez à nouveau le groupe, remarquez si quelque chose a changé. L'information n'est pas locale, il se peut donc que vous ayez aidé le groupe à révéler des informations cachées.

Cet exercice est une petite expérience sur le processus de groupe. Naturellement, un processus de groupe est quelque chose de très complexe qui ne peut pas être entièrement traité dans un petit exercice.

Mais le fait de pratiquer cela pour vous-même peut vous aider à accéder à davantage de rôles qui ne vous sont pas familiers. Vous remarquerez que tous les rôles sont partagés et que le champ est totalement libre de nous envoyer des signaux, même de la part de rôles qui ne sont plus sur terre !

Après avoir écrit ce chapitre, je suis convaincu une fois de plus que le travail sur les processus, la démocratie profonde et les processus de groupe en tant que moyen particulier de démocratie profonde sont des œuvres d'art. Pour reprendre les mots de Joseph Beuys, nous pouvons également affirmer que chaque processus de groupe est une sculpture sociale. En tant que facilitateur de la démocratie profonde, cette idée est cruciale pour moi. Commencer un processus de groupe avec l'attitude de sculpter ensemble une sculpture sociale est un guide utile.

L'utopie : une autre politique, un autre art

À la fin de ce chapitre, je me rends compte que j'aspire profondément à un autre type de politique. Permettez-moi d'expliquer l'origine de ce sentiment.

Après de longues années de lutte pour nos convictions politiques, mon mari et moi avons été frustrés de constater que la politique prenait une direction que nous ne pouvions plus partager. Il a quitté son travail politique au sein du parlement et des organisations non gouvernementales dans le domaine de l'agriculture, qui étaient impliquées dans les processus politiques. Nous avons beaucoup souffert et je me suis demandé ce qu'il fallait faire.

C'est à ce moment-là que j'ai commencé à rejoindre le Deep Democracy Institute et c'était parfait. En travaillant sur le format du processus de groupe tel que je l'ai décrit dans les chapitres de Marina Abramovic et Max Frisch, je réalise de plus en plus la promesse d'une autre politique et d'autres formats pour l'art.

En écrivant cela, je pense que le processus de groupe est aussi une possibilité de travailler avec des personnes sur des sujets liés à des événements culturels. Il peut s'agir d'une exposition, d'un concert ou d'un autre projet culturel. Il s'agirait d'un autre travail de diplôme, mais je partagerai avec vous un petit essai de cette utopie dans la troisième partie, sous le titre Hüllen.

Résumé

Grâce à Max Frisch, j'ai appris :

• Faire confiance à ce que je remarque et le dire
• Mettre en œuvre le processus de groupe intérieur dans ma vie de tous les jours
• Je m'intéresse à ce que je remarque dans des groupes tels que la littérature, le théâtre, la poésie et, par ce biais, j'améliore ma capacité à changer de rôle et à mieux comprendre les différents rôles.

Partie 3 : Applications

Dans cette section, je décrirai quelques exemples de mon travail avec l'art, la musique et le Process Work.

Chapitre 1 : Rita

Introduction

Le premier exemple sera un voyage avec Rita, une musicienne professionnelle.

Rita est une femme très intelligente qui possède plusieurs diplômes universitaires : Masters en sciences de la musique et en philosophie, diplôme de musicien, etc. Son processus à long terme est qu'elle manque de confiance en elle. Elle y a beaucoup travaillé. Je la connais depuis de nombreuses années. Nous avons d'abord travaillé ensemble sur le plan musical, puis, une ou deux fois, je lui ai donné des séances de musique non intentionnelle, pour travailler sur son trac et d'autres difficultés à faire de la musique. Une fois, elle a participé à un atelier d'un week-end sur la musique non intentionnelle dans ma ferme.

Aujourd'hui, elle a accepté un engagement attrayant pour interpréter sa propre musique lors d'une lecture par un auteur spécial. Il s'agit là d'un événement marquant dans sa vie.

Mais quelques heures après avoir dit oui aux fiançailles, elle a eu peur de son propre courage. C'est alors qu'elle m'a appelé pour la soutenir dans sa démarche.

Merveilleux, ai-je pensé. J'avais hâte, j'aimais cette idée, de l'aider à improviser pour la première fois en public.

Structure du processus

Étudions maintenant la structure du processus pour en savoir plus sur ce qui se passe - la signification, les rôles, les rôles fantômes, les trois niveaux d'expérience et les informations que nous obtenons du canal du monde grâce à son expérience :

Elle a franchi la limite et a subi un retour de bâton.

Son modèle principal : Suis-je capable de faire cela ? Je ne l'ai jamais fait auparavant. Je ne peux pas. Comment cela se fait-il ? Je ne suis rien.

Mon rôle en tant que coach : Soutenir non seulement son processus, mais aussi travailler musicalement sur son projet, afin que le résultat soit suffisamment bon pour un musicien professionnel. Ce n'est pas chose facile en deux semaines. En tant que musicienne, elle est, comme tous les musiciens, confrontée à des critiques et à des blocages.

J'étais heureuse de la connaître depuis de nombreuses années. Cela m'a aidé à utiliser les métacompétences de la confiance et de l'encouragement. Je connaissais bien ses capacités.

Première session

Rita ne savait pas comment commencer, comment entrer.

Ensuite, il y a eu les bords musicaux suivants :

Je n'ai jamais fait une telle chose. Je ne peux probablement pas. Je ne sais pas où j'ai trouvé ça
le courage de dire oui aux fiançailles.

Et pour moi, il n'est possible que d'improviser, car pour l'instant je déteste les œuvres notées.

Son processus individuel s'est déroulé comme suit :

De toute façon, je n'ai pas confiance en moi. Je ne suis pas capable d'atteindre mon propre niveau.

Ce que je joue est banal. Chaque fois que je parle devant un groupe, je reprends mes pensées avant de les exprimer et je leur dis de ne pas croire ce que je dis.

Notre travail

Nous avons regardé le premier texte de la lecture et il y avait des points où elle avait prévu de jouer, je lui ai demandé, Comment cette poésie vous parvient-elle ? Elle a ajouté : La respiration.

Nous avons donc commencé par la respiration. Rita a sorti son cor anglais de son étui et s'est préparée à jouer.

Elle est entrée dans un espace profond et lorsque je lui ai demandé, Quel lieu sur terre ou dans l'univers entre en résonance avec cet espace ? a-t-elle déclaré, Ma chambre, entre le rêve et le réveil Ne rien faire, liberté totale.

Elle a commencé à jouer la musique de cet espace. Une merveilleuse musique spéciale s'ensuivit. Elle était maintenant au-delà du bord, dans un nouvel espace, dans une nouvelle créativité.

Une base de travail a été mise en place.

Deuxième pièce, deuxième point du texte.

Rita a apporté une idée ici. Une mélodie du frère Jacob tirée de la première symphonie de Gustav Mahler. Cette mélodie est très mélancolique.

Le travail était désormais beaucoup plus facile, car Rita avait déjà dépassé ses limites et avait accès à sa créativité. C'était fascinant de travailler avec elle, elle était ouverte et prête à laisser libre cours à son imagination.

Pour le troisième point où la musique était requise, nous avons suivi le texte à nouveau et elle a improvisé une mélodie inconnue, qui changeait constamment.

Au bout de deux heures, nous avions préparé le projet et elle était prête à continuer chez elle. Je lui ai recommandé de faire des cassettes pour travailler sur son courage, d'écouter de l'extérieur pour travailler sur son système de croyances.

Deuxième session

Rita m'a dit qu'elle avait montré ses pièces à un conseiller en dramaturgie. Merveilleux, ai-je pensé, Elle intègre le courant dominant et est prête à confronter sa musique à un public, notamment professionnel.

Elle m'a dit qu'elle s'arrêtait constamment de jouer et qu'elle demandait l'avis du conseiller. Il s'est mis en colère et lui a dit, Chaque fois que je suis plongé dans la musique, vous l'arrêtez.

C'était un retour d'information fabuleux pour elle. Il l'a poussée à aller de l'avant et j'ai remarqué chez elle une nouvelle énergie qui l'a poussée à aller de l'avant.

Nous avons travaillé sur ce bord pour montrer sa musique, son bord pour défendre sa créativité.

Elle m'a parlé d'un saboteur intérieur.

Première intervention

Explorer l'énergie du saboteur ne semblait pas être la bonne voie. C'était tellement brutal, très éloigné de son identité - trop secondaire, trop nerveux. Nous avons donc continué avec le mouvement, en espérant que les gestes du mouvement pourraient l'amener au-delà de la limite au niveau de l'essence. Rita est restée silencieuse pendant un long moment. J'ai d'abord pensé qu'elle réfléchissait trop, mais elle méditait très sérieusement et soudain, elle a montré un geste très congruent, ce qui m'a vraiment époustouflée.

Le geste du mouvement dans ses mots : En suivant ma respiration, un mouvement de bras est apparu, sortant du bassin et formant un geste de don avec les bras et les paumes des mains.

Le point d'ancrage de ce mouvement était le canapé de sa salle de thérapie. Là, il n'y a pas de tabous. Là, elle est libre de retomber dans un vieux schéma. Il n'y a pas d'obligation. Tout est comme c'est, ni bon ni mauvais, c'est tellement soulageant, un espace de liberté.

Elle semblait vraiment être dans cette pièce et elle a laissé cet espace jouer. C'était très émouvant d'écouter la musique de cet espace. J'en ai eu la chair de poule. Pour elle, c'était une toute nouvelle expérience de jouer de cette manière.

Ensuite, elle a joué un cycle entier. Cela a fonctionné, Rita l'a très bien géré et même lorsque son saboteur intérieur s'est manifesté, elle a pu continuer à jouer. Son point de terre l'aidait à faire face à tout ce qui se présentait.

J'ai abandonné l'approche du travail sur le processus et je lui ai fait des suggestions en tant que musicienne sur la façon dont elle pouvait se préparer maintenant et avant le spectacle.

Ses réactions après la représentation :

Je pense que c'était vraiment bien. Par où commencer ? Lorsque je suis rentrée chez moi après la séance et le lendemain, j'étais à la fois tendue, calme et détendue. C'est un peu comme si j'avais de la chance et que j'étais heureux. Je ne me connais ni heureux ni calme.

Aujourd'hui, à l'heure du déjeuner, lorsque j'ai pu faire un essai dans la salle de spectacle, j'ai eu une terrible poussée d'adrénaline. Tous les vieux schémas sont réapparus, l'adversité de l'instrument, tout ce que je pense ne pas être capable de faire. Il ne restait que deux heures avant la représentation. J'ai donc suivi tous les conseils et j'ai essayé de me détendre grâce au travail que nous avions accompli. J'ai quitté la salle pendant la discussion publique qui a précédé ma prestation, j'ai repris le mouvement et l'espace de la dernière session. Ce type de concentration était vraiment nouveau pour moi.

Je n'ai pas beaucoup parlé avec l'auteur, qui a lu, mais je peux décrire la façon dont nous étions connectés pendant l'événement : J'étais assise à une certaine distance de lui, mais de manière à ce que nous ayons un contact visuel. Au fait, il est très chaleureux, éveillé et ouvert d'esprit. J'ai ensuite joué les trois improvisations. Elles ne me semblaient pas très courageuses, mais je savais que pour le public, c'était différent. Le premier morceau avec la longue respiration et les sons étranges, puis la mélodie de frère Jakob. L'auteur l'a remarqué rapidement et pendant la musique, nous nous sommes regardés. Ensuite - ma propre mélodie, c'était la musique la plus difficile, mais j'ai pu me laisser jouer la musique plus ou moins et je n'ai pas cherché quelque chose qui n'était pas là. Et encore, et encore, sans me sentir abandonnée, cela a été un soutien énorme.

Avant de commencer à jouer, j'ai cherché le contact visuel avec l'auteur. Dans la première pièce, j'ai tout de suite joué avec ses mots et cela a eu, me semble-t-il, un effet très fort sur le public. Ils ont vraiment pensé que j'agissais et réagissais avec les mots. J'ai reçu de nombreux commentaires qui le confirment. Le professeur qui m'a demandé de faire cette performance a dit qu'elle n'avait jamais ressenti une connexion aussi intense entre les poèmes et la musique. Et cet auteur fait souvent des lectures avec des musiciens accomplis !

Hé, tu étais là, ton défunt Lorenz [mon défunt mari] était là. Le petit fils du professeur, et tout était lié dans une beauté et une tristesse profondes.

Quelques mois plus tard, j'ai reçu l'e-mail suivant de sa part :

Je veux partager avec vous le fait que j'ai joué à nouveau des improvisations lors d'une représentation. Il s'agissait d'une liturgie pour le vendredi saint. Un jour auparavant, on m'avait demandé de le faire parce qu'un musicien était tombé malade. J'ai d'abord voulu refuser. Mais ensuite, j'ai remarqué que le travail que nous avions fait ensemble était vraiment durable. Il y avait un risque, une expérience, il n'y avait qu'un jour de préparation et je n'ai pas eu peur une seconde. Je me suis préparée de manière très intensive et je savais très bien ce qu'il y avait à faire. Vous m'avez permis d'agir et de faire confiance, j'ai du mal à y croire, merci beaucoup. Tout s'est bien passé, surtout avec le cor anglais. J'avais aussi un orgue à bouche et une petite guitare. Les réactions ont été très positives et j'étais concentrée pendant la musique, plus courageuse et libérée de la censure intérieure.

J'étais si heureuse et j'ai ressenti l'immense don du travail de processus et, en particulier dans ce travail, le pouvoir profond du travail sur l'essence et son chemin de retour à la maison vers le vrai soi. Quand je regarde en arrière, je vois que nous avons travaillé presque entièrement au niveau de l'essence. À partir de là, il lui a été possible de relier ces connaissances à d'autres niveaux. Le résultat au niveau CR de la réalité quotidienne a montré qu'elle avait vraiment intégré son processus à long terme.

Le travail avec les essences était pour elle la bonne voie. En tant que personne intellectuelle et très intelligente, expérimentée dans l'analyse psychologique, il lui manquait une partie, elle était déjà expérimentée dans l'analyse (le divan dans la salle de thérapie) et comme je la connais aussi en privé, je connaissais un peu son côté spécial non-conformiste, mais elle n'était pas prête à le connecter avec le niveau de réalité consensuelle de jouer une performance et de la défendre dans le monde extérieur. Le travail sur les essences lui a permis d'accéder à cette connexion et de faire confiance à sa créativité.

Sa musique est née de sa véritable personnalité, sans être perturbée par les normes et les peurs. Sa merveilleuse musique a profondément touché le public. Dans mes expériences musicales générales, c'est la source de l'essence qui touche les auditeurs. Faire de la musique à partir de cette maison dans le monde de l'essence rappelle à l'auditeur sa propre maison.

Chapitre 2 : Mon chemin vers une décision

La section suivante est une description de mon propre travail intérieur avec la musique :

J'ai travaillé sur un sujet qui m'est cher : la pratique de la combinaison de la musique et du Process Work.

Il s'agit d'une question concernant une décision dans le domaine du travail. J'ai envisagé d'abandonner un travail particulier qui m'a accompagné tout au long de ma vie professionnelle : enseigner le piano dans une école de musique où les enfants apprennent à jouer du piano. Pendant des années, c'était mon travail quotidien et mon revenu de base. Entre-temps, j'ai réalisé des projets sans avoir une grande pression pour gagner suffisamment d'argent.

J'aimais ce travail et j'aimais les enfants, les adolescents et les adultes qui apprenaient à jouer du piano. Maintenant, quelque chose frappait à la porte pour de nouvelles expériences. Les dix hommes frappent-ils à nouveau à ma porte, demandant une nouvelle maison ?

J'ai saisi cette occasion pour explorer ce qui est devenu plus tard Soundcloud dans mon travail de diplôme et, en même temps, j'espérais montrer comment la musique soutient le processus (Schatzmann 2018c). Vous pouvez écouter la musique ici. Veuillez garder à l'esprit que cette musique n'est pas destinée à être partagée. Il s'agit d'une expression musicale brute. Je veux montrer que travailler avec de la musique ne dépend pas de vos capacités musicales. C'est pourquoi je l'ai enregistrée telle qu'elle est apparue spontanément, sans préparation.

25 décembre 2018

25 décembre 2018 Une des premières journées sans pression temporelle depuis longtemps.

Je pense toujours à quitter mon emploi en 2020 et je veux utiliser les vacances de Noël pour travailler sur cette décision.

Ce que je remarque dans l'instant : Deux parties en moi

Structure du processus

Premier rôle : la peur de sauter

Deuxième rôle Inconnu, nouvelle identité, perte d'objectif

Edge : Le point de non-retour que je crains le plus. Suis-je capable de prendre la bonne décision ?

Le son : Un son profond au milieu de mon corps avec un mouvement qui soutient ce retour à ma propre profondeur. Écouter ici (Schatzmann, n.d.).

Les idées qui se dégagent de la musique :

Une décision n'est pas prise, une décision se produit. Le thème de la bonne décision n'est pas de décider mais d'aller au plus profond de soi.

Mon plan

Jouer chaque jour une musique libre sans réfléchir mais en laissant la musique se produire de l'intérieur vers l'extérieur.

Pour l'instant, mon agenda musical a la structure et le plan suivants :

• La musique libre comme méditation en action. Enregistrez-la.
• Pensez au problème du jour et travaillez-y avec la musique comme travail intérieur.
• Comparez la méditation musicale gratuite avec le travail intérieur concret

Musique libre après le travail sur la profondeur (vidéo)

29 décembre 2018

Hier, j'ai eu une idée soudaine en conduisant la voiture.

10 ans avant mon 70ème anniversaire.

Magdalena, vous hésitez à changer de vie professionnelle ? Lancez-vous.

Qui me dit cela ?

Puis le rêve suivant :

Un concierge d'une école publique me conduit en voiture dans une zone très isolée de la forêt d'un paysage de montagne. Nous passons devant un autel. Il est fait très simplement en bois. Je vois qu'il a quelque chose de catholique. Je ressens une atmosphère de dévotion.

Nous continuons ensuite notre voyage et arrivons dans un village perdu comme au bout de la civilisation. Nous y voyons des voies ferrées hors d'usage.

Je m'intéresse à l'autel. Qu'est-ce que cela signifie ?

En devenant l'autel, en sonnant l'autel, un son très sensible se fait entendre. Je caresse les cloches avec une branche de lierre. Un son à la limite de l'audible. Parfois, une cloche haute sonne.

Je suis ton autel, viens à moi avec tout ce que tu as et fais silence, sois dans le silence et écoute. De là, sors en restant en contact avec moi. La vie est dévotion !

Musique : Ivy branch :

2 janvier 2019

Deuxième jour de la nouvelle année ! Enfin, il neige après des journées chaudes. J'ai l'impression d'être chez moi, de me souvenir de mon enfance lorsque la neige en hiver était normale. Changement climatique. Serait-il possible de travailler sur le changement climatique ici et maintenant par le biais de la musique ?

Je me souviens Des Pas sur la Neige, de Claude Debussy. C'est un morceau qui me relie à l'atmosphère de l'hiver, au silence, à la tendresse du bruit de la neige.

Des pas dans la neige. Je sors et, pas à pas, je marche et j'écoute le bruit sous mes chaussures. C'est une méditation sur l'empreinte écologique. Nous connaissons l'empreinte écologique - c'est ma première association. L'empreinte de la méditation (écouter ici) que je commente avec des mots m'invite à voir un cadre d'empreinte plus large sur la marche. Ensuite, je médite sur la question, Que veux-je imprimer sur la terre dans la prochaine et dernière phase de ma vie ? (Schatzmann 2019a).

12 janvier 2019

Au milieu de la vie quotidienne. Beaucoup de travail.

La neige à l'extérieur. Se souvenir Des pas sur la neige, Je me souviens d'un jour où je me promenais avec mon chien dans un paysage enneigé. Le tempo ralentit.

Aujourd'hui, je veux travailler sur le lâcher prise et être sans mon rang de professeur et de responsable d'une école de musique. Sentir quelque chose de libre mais aussi, je l'imagine ici à la ferme où tout doit venir de ma propre initiative.

Imaginez que vous ayez terminé ce travail.

Espace autour de mon thorax, surprise pour moi, je m'attendais plutôt à un sentiment d'angoisse de l'inconnu.

Point Terre :

Quelque chose comme la taïga russe. Je n'y suis jamais allé, mais c'est ce que me dit mon imagination.

Dans ce paysage, je ne suis qu'un petit rien. Le paysage est immense, vaste, sans fin.

Devenir ce paysage : Ce ne sont pas les êtres humains qui décident ici ce qui fonctionne, c'est moi. Les animaux et la flore vivent quand je le leur permets. Ils sont complètement liés à moi.

La musique :

Ce paysage sonne : Octaves seulement, sur tout le clavier du piano. Unité, clarté, tous les tons dans un seul ton et ses octaves.

La musique n'a pas de forme, comme un espace blanc. La musique me rend très silencieux et prêt à ressentir, toutes les voix en dehors de cet espace blanc sont parties.

Se connecter à cette musique et à ce paysage aide à écouter la voix intérieure, la vie intérieure de quelque chose qui est plus grand que les arguments de oui ou de non. Écouter ici à Tiaga Music Wave (Schatzmann 2019b).

Résumé de ce journal musical :

Chaque fois que j'ai travaillé sur la musique de mon processus, j'ai mis l'accent sur quelque chose de l'intérieur. Écouter profondément à l'intérieur permet d'avoir des idées pour les prochaines étapes. Dans la méditation musicale, je me sens chez moi, je me sens moi-même. Je remarque un grand changement d'attitude.

FROM INSIDE OUT est mon nouveau guide !

Les semaines suivantes, je me suis retrouvée encore dans le oui et le non, mais grâce aux expériences précédentes, j'ai pu me détendre et j'ai attendu que la décision se produise. La décision est vraiment apparue au bout d'un certain temps, sans que j'y travaille consciemment. Certains signaux sont apparus et, à mon grand étonnement, j'ai pu constater ce qui suit la décision a déjà été prise. Je me sentais étrangement loin de l'école de musique. Telle était la décision.

La musique m'a soutenu en me permettant d'attendre que la décision arrive, d'avancer pas à pas avec Debussy : Dés pas sur la neige. La musique de l'espace, de mon moi profond sans influence m'a aidé à être plus éveillé à tout ce qui se passait.

Je constate que le travail sur l'essence avec la musique est utile au début d'un processus. Faire une cassette de la musique aide à s'en souvenir plus tard.

Dans mon processus, plusieurs phases se sont succédées, y compris des phases cognitives. Cependant, le lien ne s'est jamais perdu. Ces expériences ont été ressenties comme une imprégnation.

Chapitre 3 : Hüllen

Un format pour les visiteurs d'expositions d'art

Dans le chapitre sur John Cage, j'ai décrit un exercice avec Ruth Hänni. Elle est architecte et artiste. Je l'ai accompagnée pour sa première exposition et nous avons planifié un événement basé sur Deep Democracy. Malheureusement, de nombreuses personnes inscrites étaient malades à cette soirée, et seules quelques personnes se sont donc jointes à nous.

Ruth et moi avions d'abord planifié un processus de groupe avec ses œuvres d'art. Quelques jours auparavant, nous avions décidé de commencer par un exercice en dyades avec l'une des œuvres, en espérant qu'il serait ainsi plus facile de la faire remonter à la surface. Nous avons également discuté de notre peur de la manière inconnue dont les gens regardent les œuvres d'art. Nous nous sommes rendu compte que nous étions nous-mêmes un peu effrayés ? et à la limite. J'ai moi-même ressenti la difficulté d'utiliser ou d'abuser de son exposition pour mes propres recherches, et j'ai eu peu de temps pour y travailler.

Au cours de l'événement, Ruth et moi-même avons fait une démonstration de cet exercice avec l'une de ses œuvres intitulée Confiance.

À notre grande surprise, au moment où nous commencions, une femme a demandé si elle pouvait dire quelque chose. Bien sûr ! nous avons répondu, et c'était déjà le début d'un processus de groupe sur le thème de la confiance. Tout le monde s'est exprimé et nous avons découvert de nombreux fantômes. Par exemple, le fantôme de l'entreprise qui ne se soucie pas de la confiance. Nous avons également découvert que les jeunes avaient une relation à la confiance très différente de celle des participants plus âgés. Nous avons ressenti toutes les histoires des gens et, en même temps, nous avons remarqué la fraîcheur des jeunes. D'une certaine manière, nous avons eu un processus de groupe sur les aspects intergénérationnels de la confiance. C'était vraiment extraordinaire et cela m'a motivé à explorer encore plus Deep Democracy dans le sens de l'art.

Retour à la pratique

Exercice : Regarder l'art

En dyades, en triades ou en petits groupes

L'exercice est écrit pour les dyades

1. Visitez ensemble une exposition d'art et choisissez une œuvre qui attire votre attention, qui flirte avec vous.
2. Remarquez les premiers effets, les premières impressions. Ce qui flirte avec vous, ce qui vous dérange. Échangez vos impressions.
3. Étudiez les qualités que vous aimez, les qualités que vous êtes capable de repérer. Décrivez cela comme des rôles. Y a-t-il une polarité entre vous ? Essayez de défendre votre rôle et jouez avec ces rôles.
4. Dans une prochaine étape, trouvez quelque chose qui vous dérange, quelque chose d'étrange, quelque chose que vous ne comprenez pas ou que vous n'aimez pas. Pouvez-vous le montrer dans un rôle également ?
5. Poursuivez les jeux de rôle avec les rôles que vous aimez et ceux que vous n'aimez pas. Essayez de vous identifier également aux rôles que vous n'aimez pas et donnez-leur une voix. Continuez à explorer de plus en plus chaque rôle et surtout le rôle que vous n'aimez pas, que vous ne comprenez pas. Essayez de vous identifier à lui jusqu'à ce que vous trouviez l'essence de ce rôle. Jouez ensemble avec les essences des rôles. Laissez-vous aller, soyez créatif, cocréez à nouveau l'œuvre d'art de sorte que vous deveniez le co-artiste de l'œuvre d'art.
6. Discutez des changements survenus au cours de la pièce. Que prenez-vous avec vous dans la vie de tous les jours ?
7. En quoi l'œuvre d'art vous aide-t-elle à vous sentir chez vous dans une nouvelle expérience ?

Chapitre 4 : Travail intérieur et composition musicale

Pour terminer la partie sur les applications, j'aimerais partager un processus profond avec la musique et le Process Work que j'ai eu en hiver 2017.

1er janvier 2017

J'ai passé un dimanche merveilleux avec un temps ensoleillé et une belle promenade.

Une fois rentré à la maison, une idée m'est venue :

Magdalena, tu as maintenant le temps de faire de la musique, pourquoi hésites-tu tout le temps depuis la mort de Lorenz ?

Je me suis donc préparée à un travail intérieur sur cette question.

Pourquoi cette hésitation ?

L'amour pour l'hésitation. L'hésitation a permis d'obtenir de l'espace. L'espace était très vulnérable, sensible, de sorte que presque toutes les musiques étaient trop fortes. Je ne pouvais pas imaginer, comme avant, décider sur quelle musique travailler maintenant, dans le sens du travail habituel. Je suis maintenant dans un espace spécial où l'inconnu pour moi en tant que musicien est étrange, ce n'est plus mon identité normale.

Je me suis également rendu compte que ma vie quotidienne m'obligeait à prendre de nombreuses décisions rationnelles, à m'occuper de choses matérielles et de procédures, de sorte que je marginalisais cette vulnérabilité et que je cherchais toujours un espace pour me reposer.

L'étape suivante était : Comment puis-je l'exprimer par un geste musical ? Je devais m'attendre à ce qu'il ne se passe rien.

Entrer dans cet espace vulnérable et le laisser s'exprimer. Soudain, j'ai laissé quelque chose tomber dans les cordes du piano. Et une chose étonnante s'est produite. Le son s'est évanoui, comme s'il mourait.

Et j'ai senti la résonance à l'endroit où je me trouvais depuis tout ce temps.

Cela m'a donné l'idée de travailler dans cette direction et de transposer cette vulnérabilité dans ma vie quotidienne.

3 janvier 2017

Aujourd'hui, j'ai vécu avec ma vulnérabilité : Cette prise de conscience a permis de trouver un équilibre entre la vie quotidienne, avec ses exigences, et la prise en charge de ma vulnérabilité.

Écouter : Geste musical Klanggeste (Schatzmann, n.d.)

Écouter : Wohin geht der Klang - Où va le son ? (Schatzmann, n.d.)

10 janvier 2017

Dans mon studio, j'ai commencé à composer un morceau en rapport avec mes expériences passées et mon processus de vulnérabilité. D'une certaine manière, c'était facile. J'ai entendu les sons qui convenaient au moment. J'ai composé de manière associative, contrairement à ce que font habituellement les compositeurs classiques. Et je me suis rendu compte que je me sentais très familier avec la composition, comme si j'étais chez moi.

Enfin, j'ai essayé quelques morceaux au piano, une étude de Chopin pour m'entraîner les doigts.

J'ai soudain compris pourquoi j'hésitais à jouer de la musique. La musique peut être trop matérialiste, trop de tons, trop physique. Je suis et j'étais dans un processus avec une personne mourante qui perdait de plus en plus sa vie physique jusqu'à la transition. Lorsque je me souviens du moment où mon mari est mort, un profond silence s'installe.

Ma démarche consiste désormais à créer une musique qui nourrit le processus de franchissement de la limite du monde matériel et d'entrée dans un monde plus vaste.

Certains compositeurs n'écrivent que de la musique calme : Par exemple, John Cage, Morton Feldman, Makiko Nishikaze. Je me souviens également de la dernière pièce des 6 petites pièces pour piano d'Arnold Schönberg. La dernière, très lente et calme, a été écrite après la mort de Gustav Mahler.

14 janvier 2017

Aujourd'hui, c'était le bon moment pour continuer le travail sur ma pièce pour piano. Une longue marche dans un paysage d'hiver, qui déploie le monde en silence.

Je suis entrée et j'ai remarqué un espace sensible dans lequel les tons, les événements musicaux se sont manifestés pour être notés sur le papier. Je me suis souvenue de la compositrice Makiko Nishikaze qui a dit un jour qu'elle demandait la bonne tonalité et qu'elle revenait ensuite au début, jouant tout le morceau jusqu'à ce qu'elle retrouve la nouvelle tonalité ou le nouveau son et qu'elle demande si elle veut vraiment rester là.

Oui, j'ai reconnu quelque chose de similaire : Comme le Tao de la tonalité. Je me suis également souvenu de John Cage, qui a beaucoup travaillé sur la signification du Tao dans sa musique en utilisant le Yi King. Comment le Tao se manifeste-t-il dans la musique ? Cage travaille en faisant tourner la pièce de monnaie : Wonderful. Nishikaze utilise une grande sensibilité. Se pourrait-il que cette façon de faire puisse être comparée à l'idée d'un flirt, qu'Arnold Mindell nous enseigne ?

L'idée d'une nouvelle pratique de composition en utilisant la voie sensible des flirts sera ma prochaine recherche.

Écouter le La musique derrière.

Conclusion

Nous sommes arrivés au terme de notre voyage et il est temps de regarder en arrière.

Ce travail a été un voyage d'environ trois ans d'études, de pauses, d'expériences, de discussions avec d'autres, d'essais, de phases de surmenage et de travail intérieur. Un sentiment de gratitude m'envahit en pensant à ma propre croissance grâce à ce travail. C'était un retour à la maison pour moi, d'une manière toute nouvelle.

Au début de ce travail, j'ai fait l'expérience profonde de me défaire de mon partenaire décédé, en explorant une autre façon d'être en contact avec cette âme dans la zone de l'essence. Cette expérience, me trouvant dans un point zéro, a été l'une des impulsions initiales de ma recherche avec la question : Qu'est-ce qu'être chez soi ?

D'une manière nouvelle, j'ai découvert que le domaine de l'essence est le centre de l'expérience de notre maison non locale, de la connexion entre la vie et la mort, de l'origine de l'art et de la musique et d'un aspect profond du travail sur le processus et de la démocratie profonde. J'ai exploré comment cette créativité innée, ancrée dans l'essence du Tao qui ne peut être parlée, est une force profonde qui façonne notre monde.

Toute manifestation artistique trouve ses racines dans l'essence, et tout changement dans notre vie commence par là. Je sais maintenant que la feuille blanche avant de créer de la musique, par exemple, n'est pas quelque chose que je dois craindre, mais que la feuille blanche est l'essence, d'où vient la créativité.

Tout d'abord, ce travail m'a changé en tant qu'artiste. Deuxièmement, grâce à ce travail, j'ai obtenu un cadre pour travailler également avec des individus et des groupes afin de les aider à se retrouver chez eux en tant qu'êtres humains créatifs.

Troisièmement, ce travail était un voyage pour trouver ma propre façon d'aller plus loin avec le travail de processus, la démocratie profonde, la musique et l'art dans ma prochaine phase en tant qu'artiste, facilitateur et coach.

Si, en tant que lecteur, vous avez eu la curiosité d'essayer les exercices et d'expérimenter votre côté artiste en vous-même, un profond espoir est comblé.

J'ai découvert d'une nouvelle manière la fluidité entre les trois niveaux : l'essence, le pays des rêves et la réalité consensuelle. Faire l'expérience profonde de l'essence dans chaque expérience de vie m'a ouvert à plus de courage dans la vie. J'ai également remarqué cette expérience dans mon travail avec les clients. Donner forme aux expériences de l'essence en tant que foyer pour tout à travers l'art et la musique est maintenant un point central de mon travail. L'art, en tant que première manifestation de toute chose, précède la vie quotidienne. L'intégration de la musique et de l'art dans le domaine du Process Work et de la Démocratie Profonde est une façon magnifique et impressionnante de travailler sur la fluidité à travers tous les niveaux, en apportant les idées et les dons dans la vie de tous les jours.

La combinaison du travail sur le processus et de la démocratie profonde avec l'art et la musique me donne personnellement quelque chose de très concret à portée de main pour me rappeler les idées, même plusieurs jours après avoir travaillé sur une question. En tant qu'observateur/auditeur de mon œuvre d'art, j'ai la possibilité de découvrir encore et encore de nouveaux aspects de mon processus. Mes expériences avec moi-même et avec d'autres montrent que donner forme à l'expérience de l'essence dans une véritable œuvre d'art, quelle qu'elle soit, est formidable. Même la création d'œuvres d'art qui expriment de fortes polarités montre la beauté des dissonances.

Pour terminer ce travail de diplôme et résumer mes recherches, le nouveau livre d'Arnold Mindell vient d'être publié : La deuxième formation du dirigeant (Arnold Mindell 2019a).

Arnold Mindell parle du “son du silence” (Arnold Mindell 2019a, chap. 7). Comme je suis heureux de lire cela ! Il dit que le son du silence est une façon de travailler avec le Processmind, au niveau de l'essence. Il poursuit :

L'idée de base est que le silence a un son - un message.

Dans mon expérience, ce son de silence est le premier de quelque chose qui veut se manifester. Très loin même des rêves que nous pouvons imaginer. Pour moi, en tant que musicien, la musique est une immense fenêtre sur le plus profond, le vrai moi et la maison, faisant le lien entre la vie physique et immatérielle et, dans ma pratique, la source de la création musicale.

La musique - et je dirais les arts en général - est la maison de tout, et cela peut être possible pour tout le monde. Regardez mon dessin ci-dessous. Il s'agit de ma première manifestation d'une vision. Les “cornes” qui sortent de mes yeux et mes oreilles comme des entonnoirs me rappellent encore aujourd'hui de regarder et d'écouter l'univers. Je ne suis pas peintre et, à l'école, j'ai toujours été “mauvais” en peinture. Mais là n'est pas la question. Ce qui compte, c'est que chacun puisse faire l'expérience de lui-même en tant qu'artiste, en tant que créateur et concepteur de sa vie, à travers la musique, les arts et le travail sur le processus, en faisant l'expérience, encore et encore, de sa véritable maison.

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Annexe 1 : Glossaire

Processus: Le flux d'informations. Il existe deux flux d'informations différents. L'un est plus connu et nous avons tendance à l'aimer, l'autre est moins connu et nous avons tendance à le détester.

Processus primaire + secondaire, U et X : Processus primaire (u): L'informatif que nous aimons ou connaissons bien. Processus secondaire (x). L'information qui est considérée comme étrangère et qui est ressentie comme incontrôlable.

Bord: La frontière entre les informations plus connues (primaires) et moins connues (secondaires). Elle marque la limite de notre identité. Le travail sur les processus offre des méthodes pour franchir cette limite.

Démocratie profonde: Remarquer chaque élément d'information à tous les niveaux : réalité consensuelle, pays des rêves et essence.

Rôle: Un modèle de comportement impersonnel qui n'est pas local et qui appartient à chacun d'entre nous. Les rôles sont des points de vue, des comportements ou des valeurs qui sont acceptés par la culture générale du groupe. Dans les groupes, les rôles peuvent se manifester à travers les individus.

Rôle de fantôme : Un rôle fantôme est un modèle de comportement, un point de vue ou une attitude qui n'est pas considéré comme acceptable par la culture dominante du groupe et qui est donc marginalisé et mis de côté. Il n'est pas représenté de manière cohérente dans le groupe.

Champ d'application: Informations non locales et locales au sein d'un groupe qui organise des individus qui représentent ensuite ces éléments d'information par le biais de rôles et de rôles fantômes.

Canaux: Les différentes perceptions du processus. Comment vous recevez et envoyez des informations. Les différents canaux sont : la vision, l'audition, la proprioception (sensation corporelle), le mouvement, la relation et le monde.

Signal: Un aspect de l'information qui apparaît à travers l'un des canaux.

Double signal: Un aspect de l'information qui n'est pas intentionnel. L'expéditeur ressent cette information comme quelque chose qui échappe à son contrôle. Cette information est liée au processus secondaire.

Niveau d'essence: Le domaine de l'expérience au-delà de la polarité qui ne peut être que ressenti, et qui apparaît souvent dans des atmosphères et des expériences dont il est impossible ou presque impossible de parler. On peut l'appeler le Tao qui ne peut être parlé.

Flirt: Le monde de l'essence peut être remarqué par des flirts, un signal vacillant qui est à peine détectable et ne peut pas être suivi.

Pays de rêve: Le monde des rêves nocturnes ainsi que les fantasmes, les sentiments et les expériences subjectives des individus et des groupes. Ces expériences ne peuvent être mesurées objectivement.

Réalité consensuelle: Le monde mesurable de la vie quotidienne qui est considéré comme “réel” par une culture donnée. Ce qui est considéré comme “réel” varie d'une culture à l'autre.

Mythe de la vie, rêves d'enfant: Un rêve ou un souvenir précoce significatif qui montre des modèles qui apparaîtront tout au long de votre vie. On peut aussi l'appeler la mélodie de la vie ou la danse de la vie.

Non-localité: Issu de la physique quantique, ce terme décrit des expériences qui se situent au-delà du temps et de l'espace et qui peuvent être découvertes chez les individus, les groupes et le monde dans son ensemble.

Système majeur et système mineur: Les gammes d'un système tonal européen apparu après le Moyen-Âge. Les sept gammes ont été réduites à deux : Mineure et Majeure

Harmonie: Son de deux ou plusieurs voix. L'aspect vertical de la musique.

Symphonie: Structure musicale d'un orchestre depuis le début du 17e siècle. Cette structure a joué un rôle important dans les périodes classiques (18e siècle) et romantiques (19e siècle) de la musique.

Phrase musicale: En théorie de la composition : Quelques motifs, ou gestes, comme des pensées, qui construisent une petite unité. Comparable à une phrase dans le langage.

Annexe 2 : Exercices

Exercices partie 1

Chapitre 2 : Stabilité du processus

Exercice 1 : Expérience de base 1 - Goût de u et x

1. Pensez à quelque chose que vous aimez en ce moment (u)
2. Comment savez-vous que vous aimez cela ?
3. Vérifiez, dans quel canal vous sentez-vous à l'aise ?
4. Pensez à quelque chose que vous n'aimez pas en ce moment
5. Comment connaissez-vous la douleur ?
6. Essayez de trouver le canal dans lequel vous faites cette expérience
7. Suivez l'expérience dans le canal que vous avez remarqué X.

Exercice 2 : Expérience de base 2 - U et X et Musique

1. Arrêtez un instant vos activités quotidiennes.
2. Asseyez-vous ou tenez-vous debout confortablement, prenez quelques respirations.
3. Essayez d'ouvrir un peu votre esprit
4. Y a-t-il quelque chose que vous aimez dans ce moment ?
5. Décrivez-le et appréciez-le
6. Trouvez un son pour cela, quelque chose de court (mélodie courte, rythme, bruit). Y a-t-il quelque chose d'inconfortable pour vous, quelque chose que vous n'aimez pas ? Qui vous gêne, qui vous dérange ? Décrivez-le et trouvez un son comme indiqué ci-dessus.
7. Combinez les deux sons et créez un petit morceau de musique.
8. Comment cette musique vous parle-t-elle ? Des idées ?

Exercices partie 2

Chapitre 2 : Joseph Beuys

Exercice 3 : Formation à l'utopie, Sculpter son monde

1. Observez votre vie quotidienne et pensez à un domaine dans lequel vous manquez d'inspiration et d'enthousiasme.
2. Prenez quelques respirations, détendez-vous, laissez-vous aller à la rêverie, au brouillard.
3. Imaginez que vous êtes très loin de la terre ou de votre situation quotidienne.
4. Regardez autour de vous. Que remarquez-vous ? Y a-t-il quelque chose qui vous semble spécial et attirant ? S'agit-il de l'ensemble de la scène ou d'un aspect particulier ?
5. Essayez ensuite de faire disparaître la frontière entre vous et cette zone jusqu'à ce que vous ayez l'impression d'être la zone elle-même. Oubliez votre vie quotidienne. (Cela peut prendre un peu de temps). Devenez ce lieu. Vous êtes maintenant ce lieu.
6. Dans ce lieu (qui est vous), quelle caractéristique ou qualité vous sentez-vous être ? Appréciez-le. Ce lieu est plein de créativité, sans limites. En tant que ce lieu, explorez la qualité qui diffère de votre moi quotidien. Soyez maintenant cette nouvelle qualité, appréciez-la, bougez-la, laissez-la résonner.
7. À partir de cette nouvelle perspective, examinez la question à laquelle vous avez pensé à l'étape 1. Y a-t-il un point principal, un aspect général que vous remarquez à cet endroit ? Quel est le point le plus important de votre point de vue actuel ? Quel est l'aspect qui vous inspire ?
   
   Cet aspect peut être quelque chose de plus grand que ce que vous êtes habituellement capable de réaliser dans la vie de tous les jours. Ne vous inquiétez pas, vous êtes maintenant ce nouveau moi pour un moment et non un être dans la vie de tous les jours.
8. Après avoir accordé suffisamment d'espace à ce que ce nouveau moi vous dit, créez en tant que ce moi quelques étapes suivantes qui se rapprochent de l'inspiration, des idées, des réalisations. Qu'est-ce qui pourrait changer dans le monde en réalisant ces étapes ?
9. Essayez maintenant de sculpter cette idée dans une sorte d'œuvre d'art : Prenez un matériau pour le façonner, trouvez un son pour créer un morceau de musique, invitez des personnes à partager votre idée, écrivez un poème, réalisez une performance, etc.

Exercice 4 : incarnation d'une vision

Cet exercice a pour but de vous donner l'occasion d'explorer votre artiste intérieur et de réaliser avec lui vos visions et vos projets. J'entends ici l'art comme un voyage qui commence dans un monde super sensoriel. Le niveau de l'essence dans le travail de processus ou le ferner punkt de Beuy peut vous aider à transcender votre esprit quotidien, à revenir à vous-même et, à partir de là, à créer une vision. L'exercice comporte deux parties et vous pouvez y travailler pendant deux jours ou plus pour approfondir vos visions. L'exercice vous aide à trouver un grand plan ou une grande vision. Il peut également être utilisé pour des changements profonds dans votre vie.

Première partie

1. Pensez à un projet, une vision ou un rêve que vous ne pouvez pas réaliser parce que vous ne pensiez pas que c'était possible ou que le moment n'était pas encore venu de le faire. Quelque chose est resté vague, quelque chose vous a arrêté, il n'y avait pas assez de volonté et d'énergie. Mais vous avez maintenant envie de vous lancer.
2. La vision, le plan : Examinez d'abord la vision globale, qui peut être vague, un sentiment, une image intérieure ou autre. Prenez quelques notes, puis mettez-les de côté.
3. Laissez-vous dériver vers un endroit très éloigné de votre vie quotidienne (ferner punkt de Beuys).
4. Regardez autour de vous, appréciez la qualité particulière de ce lieu. Sentez, bougez, écoutez cette qualité et devenez de plus en plus cette qualité. En tant que lieu doté de cette qualité particulière, vous êtes la force qui sous-tend votre vision. Qu'est-ce que c'est que d'être cette force ? Quel est son caractère distinctif ?
5. En ce lieu, en cette force, examinez votre vision. Quelle est la raison la plus importante pour réaliser cette vision ou ce plan ? Qu'est-ce qui est à l'origine de cette vision ou de ce plan ? Quelle est l'essence de cette vision ou de ce plan ?
6. Maintenant, en tant que cette force, choisissez un média et, tout en étant vous-même cette force, façonnez l'essence de votre vision. Peignez, sonnez, bougez, écrivez en tant que cette force. Si c'est le son, faites un singe ou écrivez la partition de la musique, si c'est le mouvement, faites un film. En tant que cette force, vous êtes l'artiste qui crée une œuvre d'art.
7. Donnez-vous suffisamment de temps pour créer cette œuvre d'art. En tant qu'artiste, vous êtes loin de votre quotidien, vous vous envolez au-delà des limites et vous créez comme un artiste célèbre. Vous êtes maintenant l'artiste et cet artiste est le créateur qui transforme la source de la vision en une forme audible, visible et tangible.
8. Après la finition. Laisser reposer pendant au moins un jour.

Partie 2 :

1. Le lendemain, regardez, écoutez ou lisez ce que vous avez créé comme si vous étiez un observateur et non le créateur. Laissez naître vos inspirations comme si vous étiez dans une exposition, un concert ou un spectacle.
2. Essayez de trouver quelle partie de cette œuvre d'art ne vous ressemble pas dans la vie de tous les jours. Peut-être plus grande, plus folle, plus étrange, etc. Quelle est la différence entre vous et cette partie spéciale de votre œuvre d'art ? Remarquez l'artiste qui a créé cette œuvre. Décrivez cet artiste comme si vous le décriviez pour une publicité.
3. Qui est cette artiste, quelle est sa qualité ? Imaginez pourquoi le public adore cet artiste.
4. Faites un mouvement de la main pour la qualité particulière de cet artiste et répétez-le jusqu'à ce que vous compreniez comment votre artiste intérieur vous soutient dans votre vie quotidienne et dans la réalisation de votre vision.
5. Célébrez la naissance de votre nouvel artiste intérieur, dansez, bougez, chantez, etc.
6. Quelles sont les prochaines étapes pour concrétiser votre vision ?

Chapitre 3 : John Cage

Exercice 5 : Entraînement à l'écoute 1, être à la maison

Cet exercice vous aide à élargir votre compréhension de ce qu'est la musique et vous permet de vous entraîner à vous ouvrir à des qualités inconnues. Les qualités inconnues dans le canal auditif comme dans la musique sont un processus secondaire très fort. Si nous n'aimons pas quelque chose dans la musique mais que nous devons l'écouter, cela nous montre des bords forts et c'est souvent douloureux à supporter.

1. Ecoutez l'un des enregistrements de Imaginary Landscape, prenez celui qui est le moins confortable pour vous. (voir le lien sur la page précédente).
2. Écoutez-en une partie.
3. Éteignez la musique et décrivez-vous l'aspect le moins familier du morceau en faisant un mouvement de la main.
4. Répétez le mouvement jusqu'à ce que vous en compreniez le sens (jusqu'à ce que vous en compreniez l'énergie).
5. Détendez-vous, respirez un bon coup et partez en imagination vers un endroit de la terre ou de l'univers. Vous n'avez pas besoin de connaître cet endroit.
6. Soyez là, ressentez la qualité du lieu. Pouvez-vous remarquer un lien entre l'énergie du mouvement de vos mains et ce lieu ?
7. Si oui, connectez-vous profondément à cette énergie. Laissez tomber votre personnalité de tous les jours et soyez cette énergie maintenant. Qui êtes-vous ? En quoi êtes-vous différent de votre personnalité de tous les jours ? Appréciez cette nouvelle saveur.
8. Examinez votre vie quotidienne sous cet angle. Avez-vous des conseils à donner à votre personne de tous les jours ? Qu'est-ce qui changerait dans votre vie si vous viviez davantage cette énergie ? Comment cette énergie pourrait-elle être plus présente chez vous ?
9. Écoutez à nouveau Imaginary Landscape. En quoi la musique est-elle différente pour vous ?

Exercice 6 : Entraînement à l'écoute 2, être chez soi

1. Écoutez une œuvre de John Cage, par exemple Two2 (voir le lien à la page précédente).
2. Prenez quelques respirations avant de commencer l'enregistrement et asseyez-vous confortablement.
3. Mettez de la musique et écoutez
4. Si quelque chose n'est pas confortable, remarquez-le et laissez-le aller
5. Connectez-vous profondément à chaque son que vous entendez, soyez cette musique maintenant, laissez tomber votre vie quotidienne et votre moi de tous les jours, voyagez maintenant en tant que son, ton, pause.
6. Vous êtes maintenant dans un monde parallèle, un monde musical. Ce monde est partout, il n'y a pas de frontières, le son n'a ni début ni fin. Soyez ceci maintenant, un être de partout et sans frontières, sans commencement ni fin.
7. Soyez cette musique et regardez votre moi de tous les jours. En tant que cette musique, quel message avez-vous pour votre moi de tous les jours, en ce moment même ?
8. Retournez-y et méditez sur le message. Qu'est-ce qui pourrait changer dans votre vie si vous suiviez ce message ?
9. Qu'est-ce qui pourrait constituer pour vous un nouvel aspect de la vie à la maison ?

Exercice 7 : Votre problème, votre symphonie

Cet exercice peut être pratiqué à l'intérieur ou à l'extérieur, dans la nature. Vous pouvez l'essayer seul ou avec quelqu'un qui vous guide.

1. Respirez un peu et asseyez-vous ou tenez-vous debout confortablement.
2. Pensez à un sujet sur lequel vous voulez en savoir plus, prenez des notes. Puis mettez ces notes de côté.
3. Prenez votre temps, détendez-vous et commencez à écouter.
4. Ouvrez vos oreilles et tout votre corps à tous les sons et aux bruits de votre environnement. Vous êtes désormais un organisme auditif.
5. Imaginez que le son que vous entendez est un morceau de musique à plusieurs voix. Essayez d'écouter toutes les voix qui sonnent en ce moment, essayez d'écouter non seulement horizontalement mais aussi verticalement, de manière à écouter la musique comme une partition avec différentes voix, par exemple comme une symphonie avec de nombreux acteurs. Appréciez la plénitude des différentes voix.
6. Vous pouvez maintenant essayer de différencier les voix. Notez le rythme, la hauteur, le tempo et la couleur du son ou le timbre que vous entendez et observez-les de manière neutre. Par exemple :
   1. Quelle couleur de son entendez-vous ?
   2. Quel est le volume ou les différents volumes ?
   3. Quelle est la hauteur du son ? Aiguë ? Faible ? Ou, s'il s'agit de plusieurs sons, de hauteurs différentes ?
   4. Combien d'acteurs remarquez-vous dans cette musique ?
   5. Quelle est la qualité spécifique de chaque voix dans cette symphonie ?
7. Enregistrez les sons de votre environnement et/ou écrivez une description de ce que vous entendez - étudiez chaque voix.
8. En écoutant et en étudiant, essayez de séparer les différents sons, de sorte que chaque son exprime quelque chose d'unique - un rôle, comme une figure.
9. Comment cette musique vous parle-t-elle ? Certains sons sont-ils plus proches de vous que d'autres ? Certains sons vous dérangent-ils ? Si oui, prenez un son dérangeant et ouvrez-vous à son message. Vous pouvez soit changer de forme et devenir ce son, soit écouter profondément jusqu'à ce qu'une intuition émerge. Essayez de faire cela avec toutes les voix, y compris celles qui sont proches de vous et que vous aimez.
10. Comment tous les sons s'assemblent-ils ? Quelle est la qualité de cette musique dans son ensemble, comme une symphonie de ces différents sons ? Quel est votre lien avec cette symphonie ?
11. Essayez maintenant d'être toute cette symphonie et d'exprimer cette symphonie dans votre propre style : mouvement, imagination, un son qui inclut les différentes voix. Y a-t-il un conseil que vous tirez de cette expérience pour votre vie de tous les jours ?

Des questions pour votre quotidien :

12. Quel est le message de chaque son se rapportant à votre problème de l'étape 2 de cet exercice ?
13. Comment les voix peuvent-elles vous aider à résoudre votre problème ?
14. Si vous, en tant que personne de tous les jours, étiez cette musique en ce moment même, qui seriez-vous à ce moment-là ? Qu'est-ce qui changerait dans votre vie ?
15. D'autres idées ?

Chapitre 4 : Marina Abramovic et la traversée des frontières

Exercice 8 : Traverser des arêtes en tant que performance

1. Avez-vous un problème auquel vous êtes confronté ? Vous êtes peut-être en conflit, vous avez peur ou vous paniquez. Quelque part, vous vous sentez au bord du gouffre et vous n'arrivez pas à aller de l'avant ?
   
   Réfléchissez et prenez des notes, en particulier sur une énergie qui vous dérange, qui vous fait peur. Il peut aussi s'agir d'une personne qui vous fait peur.
2. Travaillez maintenant sur l'énergie qui est la plus effrayante et la plus douloureuse pour vous.
3. Essayez maintenant d'entrer dans cette énergie, d'entrer en contact avec cette énergie
4. Créez une performance pour vous-même afin de vous permettre de faire l'expérience de l'endurance, de la volonté d'être dans l'inconnu, d'une grande discipline, de l'amour.
5. Conception de la performance : Fixez une heure pour réaliser la performance que vous voulez faire. Vous entraînerez ainsi votre discipline et votre endurance. Soyez prudent lorsque vous fixez le temps. Pouvez-vous évaluer votre capacité momentanée d'endurance et de discipline ? Vérifiez-le en faisant un essai, vérifiez votre endurance et créez ensuite un modèle qui exige un peu plus, afin que vous puissiez franchir un cap.
6. Créez une idée de sculpture de vie, c'est-à-dire que vous êtes la sculpture.
7. Il faut d'abord s'entraîner pour trouver la bonne position.
8. Modifiez certaines idées pour le spectacle afin qu'il corresponde à ce que vous voulez faire.
9. Pendant le spectacle, remarquez ce qui se passe
10. Voir la performance
11. Vos idées, les prochaines étapes

Chapitre 5 : Max Frisch et la force cachée de l'art et du Process Work

Exercice 9 : processus de groupe interne

9. Souvenez-vous d'un problème avec un groupe. Il peut s'agir de votre groupe de travail, de votre famille, de vos amis, de votre club de sport ou de tout autre groupe. Il peut s'agir d'un conflit, d'une collaboration, d'une envie d'approfondir, d'un projet.

10. Décrivez le problème.

11. Décrivez tous les participants que vous remarquez.

12. Lancez un processus de groupe avec vous-même et laissez toutes les voix s'exprimer.

13. Jouez tous les rôles, passez d'un rôle à l'autre, laissez les voix s'affronter en apportant leurs arguments et remarquez ce qui est spécial, surprenant, non prévu/imprévu. Suivez le flux d'informations qui surgit.

14. Essayez de créer une sorte de pièce de théâtre avec tous les éléments d'information.

15. Tout en faisant cela, une partie de vous-même remarque ce qui change et repère les moments surprenants. Une partie est constituée par les participants, une autre par l'animateur.

16. Suivez le processus jusqu'à ce que quelque chose de significatif se produise. Par exemple, une idée peut émerger.

9a. Rédigez le processus sous la forme d'une histoire. Étudiez toutes les voix et laissez libre cours à votre créativité jusqu'à ce que cette histoire ne soit plus liée aux membres du groupe.

9b. Autre possibilité : Créez un son, une mélodie, un rythme pour chaque voix et enregistrez-les. Écoutez les voix comme s'il s'agissait d'un morceau de musique.

12. Créez surtout l'intuition que vous avez sous forme de musique, de poème, de peinture, de danse...

13. Lorsque vous rencontrerez à nouveau le groupe, remarquez si quelque chose a changé. L'information n'est pas locale, il se peut donc que vous ayez aidé le groupe à révéler des informations cachées.

Exercices partie 3

Chapitre 3 : Hüllen

Exercice 10 : Observer l'art

En dyades, en triades ou en petits groupes

L'exercice est écrit pour les dyades

1. Visitez ensemble une exposition d'art et choisissez une œuvre qui attire votre attention, qui flirte avec vous.
2. Remarquez les premiers effets, les premières impressions. Ce qui flirte avec vous, ce qui vous dérange. Échangez vos impressions.
3. Étudiez les qualités que vous aimez, les qualités que vous êtes capable de repérer. Décrivez cela comme des rôles. Y a-t-il une polarité entre vous ? Essayez de défendre votre rôle et jouez avec ces rôles.
4. Dans une prochaine étape, trouvez quelque chose qui vous dérange, quelque chose d'étrange, quelque chose que vous ne comprenez pas ou que vous n'aimez pas. Pouvez-vous le montrer dans un rôle également ?
5. Poursuivez les jeux de rôle avec les rôles que vous aimez et ceux que vous n'aimez pas. Essayez de vous identifier également aux rôles que vous n'aimez pas et donnez-leur une voix. Continuez à explorer de plus en plus chaque rôle et surtout le rôle que vous n'aimez pas, que vous ne comprenez pas. Essayez de vous identifier à lui jusqu'à ce que vous trouviez l'essence de ce rôle. Jouez ensemble avec les essences des rôles. Laissez-vous aller, soyez créatif, cocréez à nouveau l'œuvre d'art de sorte que vous deveniez le co-artiste de l'œuvre d'art.
6. Discutez des changements survenus au cours de la pièce. Que prenez-vous avec vous dans la vie de tous les jours ?
7. En quoi l'œuvre d'art vous aide-t-elle à vous sentir chez vous dans une nouvelle expérience ?

Annexe 3 : Liens vers des audios et des vidéos

Première partie : De l'art et de la musique au processus de travail et au retour à la maison

Chapitre 3 : Travail sur le processus, démocratie profonde, arts et musique : la beauté en tant que totalité

Balcon : https://soundcloud.com/magdalena-schatzmann/balcony

Pression : https://soundcloud.com/magdalena-schatzmann/pressure

U et X : https://soundcloud.com/magdalena-schatzmann/uandx

Symphonie n° 5 Abbado de Gustav Mahler https://youtu.be/vOvXhyldUko

Maraba Blue par Abdullah Ibrahim https://youtu.be/P5CGq4ZIsME

Dans un paysage de John Cage https://youtu.be/nYSLwpDukSA

L'écoute profonde, par Pauline Oliveros https://youtu.be/0at5DrXpJj8

Pollini Schönberg 6 petites pièces pour piano, Op.19 Live https://www.youtube.com/watch?v=_cmWgll8T4c

Anton Webern : 6 pièces pour grand orchestre, op.6 https://www.youtube.com/watch?v=g0jCDxWvufw

Partie 2 : Les artistes et leur envie de rentrer au pays

Chapitre 3 : John Cage - Deep Democracy et le Tao de la musique

John Cage :

Deux 2 pour deux pianos https://www.youtube.com/watch?v=FyF-0jFQaAY

4’33” pour piano solo https://www.youtube.com/watch?v=FyF-0jFQaAY

Travaux dans lesquels il a utilisé des stations de radio jouant involontairement :

Paysage imaginaire https://www.youtube.com/watch?v=oPfwrFl1FHM

Musique pour piano https://www.youtube.com/watch?v=tH1a82KQu38

Chapitre 4 : Marina Abramovic et la traversée des frontières

Performance en matière de poids : https://vimeo.com/358024714/611f45bc7b

Chapitre 5 Max Frisch et la force cachée du processus de groupe

Gespräch Max Frisch mit Kurt Furgler (Schweizerdeutsch) : https://www.youtube.com/watch?v=vpfhM2Q_TV0&t=546s

Partie 3 : Applications

Chapitre 2 : Mon chemin vers une décision

Magdalena Schatzmann : Décision https://vimeo.com/359023802

Musique gratuite : https://soundcloud.com/magdalena-schatzmann/freemusic251218

Branche de l'Ivy : https://soundcloud.com/magdalena-schatzmann/freemusicivybranch291218

Empreinte : https://soundcloud.com/magdalena-schatzmann/footprint

Claude Debussy : https://soundcloud.com/magdalena-schatzmann/debussy-des-pas-sur-la- neigewav

Taigamusic : https://soundcloud.com/magdalena-schatzmann/taigamusicwav

Chapitre 4 : Travail intérieur et composition musicale

Magdalena Schatzmann : Geste musical Klanggeste https://soundcloud.com/magdalena-schatzmann/gesture

Magdalena Schatzmann : Wohin geht der Klang - Où va le son ? https://soundcloud.com/magdalena-schatzmann/klangestewohin-geht-der-klang

Magdalena Schatzmann : la musique qui se cache derrière https://soundcloud.com/magdalena-schatzmann/behind-1

1. Traduction : “Tout bouge, il n'y a pas d'immobilité. Ne vous laissez pas terroriser par les termes d'époques révolues. Laissez passer les minutes, les secondes, les heures. Cessez de résister à la métamorphose. Soyez dans le temps, soyez statique dans le mouvement. Pour une stabilité du mouvement, pour une stabilité dans l'ici et le maintenant. Résister à la faiblesse d'arrêter le mouvement, de figer les moments et de tuer ce qui est vivant. Cessez de confirmer encore et encore les valeurs qui s'effondrent de toute façon. Être libre, être vivant. Cessez de ‘dessiner’ le temps. Laissez tomber la construction des cathédrales et des pyramides qui s'écroulent comme des gâteaux. Respirez profondément. Vivez dans le présent, vivez dans et sur le temps, pour une réalité belle et totale.” ︎
2. Traduction : L'effondrement du temps dans notre conscience : cet événement est le sujet énorme et unique de nos jours. C'est un nouveau sujet et une nouvelle tâche. Sa réalisation nous permet une réalité, une intensité et une conscience libérée totalement nouvelles et, par conséquent, le dépassement de la confusion qui semble superficiellement caractériser notre monde. ︎
3. Traduction : ... que le temps mental-rationnel est un principe et un terme de division... Familier à notre conscience antérieure, le terme mental-rationnel pour le temps nous est le plus familier. Mais ce qui est découvert est plus que le simple terme ‘temps’, c'est l‘’anachron" qui signifie être libéré du temps et libre du temps. ︎
4. Traduction : Normalement, je commence une discussion aujourd'hui en disant au peuple : Imaginez que vous vous trouviez en un point très éloigné d'ici et que vous observiez la terre depuis ce point très éloigné. Qu'est-ce qui apparaîtrait comme le plus important ? En partant du plus important, puis en allant vers les détails. Donc, toujours l'immédiat, le plus évident, puis les détails. ︎
5. ⁵Si vous avez une belle vue, vous verrez que chaque homme est un artiste. Je me trouvais à Madrid et j'ai pu constater que les hommes qui travaillent dans le secteur de l'agriculture sont de grands génies. L'homme se rend compte de l'art avec lequel elles accomplissent leur travail et des valeurs qu'elles possèdent. L'homme comprend qu'il s'agit d'acteurs d'une humanité future. J'ai déjà observé certaines choses avec les musiciens, ce que j'ai constaté avec les artistes, car les artistes sont en grande partie opportunistes, ce sont des chasseurs de primes, ce que je ne peux que déplorer aujourd'hui. Les artistes sont la classe la plus réactive.
   En soi, il n'y a plus aucune classe, mais les artistes sont si réactifs qu'ils créent toujours une nouvelle classe. ︎
6. Traduction : L'art est l'élément du contenu du monde, où nous faisons l'expérience que c'est le point, la source d'où quelque chose vient dans le monde, d'où quelque chose sera produit, qui est toujours nouveau, et en ce sens évolutif. ︎
7. Traduction : Où que nous soyons, nous entendons souvent des bruits. Si nous ne les remarquons pas consciemment, ils nous dérangent. Si nous les écoutons, ils deviennent fascinants. Si le mot musique devait être sacralisé et réservé aux instruments des 18ème et 19ème siècles, nous pouvons le remplacer par quelque chose qui a plus de sens : l'organisation du son [Voir la suite de la note de bas de page 6 p. 6]. ︎
8. Traduction : Je n'essaie pas de faire la différence entre la musique et l'absence de musique, mais je commence par le bruit et je n'utilise pas de sons qui n'ont pas le caractère de bruit. L'auteur du livre Klang und Skulptur conclut : “Ce serait une démocratisation. À travers les compositions de Cage, une conscience se développera, selon laquelle le monde deviendra un son ou le monde est simplement un son”. ︎
9. Traduction : Le plus clair et le plus involontaire, avec cette honnêteté inconditionnelle envers tout ce qui vit, qui ne fait de l'artiste qu'un talent... Ou : Tout ce qui est vivant a une antithèse innée, il corrode l'idéologie et c'est pourquoi nous n'avons pas à avoir honte si l'on nous reproche d'être corrosifs dans nos écrits. ︎