En el camino de vuelta a casa hacia mi verdadero yo: Guía del usuario

El arte es proceso El trabajo es arte

El nuevo tipo de arte se parecerá más a una central eléctrica, productora de nueva energía.

Alexander Dorner (1893 -1957)

Prólogo: Sobre el uso de la lengua en esta tesis

¿Qué es el lenguaje? ¿Es la gramática correcta, la sintaxis perfecta, las formulaciones elegantes? ¿Es el lenguaje expresión de la verdad? ¿Es posible escribir sobre música, sobre percepciones, sobre la esencia o las artes en un lenguaje que siga la norma común? Muchos filósofos han reflexionado sobre ello. Es un tema inmenso e interminable. ¿Necesitamos un lenguaje especial para expresar algo que apenas puede expresarse? ¿Es la forma de utilizar el lenguaje crucial para el mensaje que queremos compartir?

Hay muchas formas de utilizar el lenguaje. Algunos escritos utilizan otro tipo de lenguaje para expresar algo numinoso, como por ejemplo los escritos sobre el silencio. Leer la obra Silencio de John Cage es difícil, en el sentido de que no podemos captarla con nuestra comprensión lineal del lenguaje. El lenguaje de James Joyce en Finnegan's wake o en Ulises es difícil de entender porque crea expresiones que antes no existían. En todas estas obras tropiezas, tienes que leer frases dos o más veces para sentir el mundo que hay detrás de las palabras. De este modo, caminas por la senda de la percepción no lineal.

¿Qué tiene que ver todo esto con mi tesina?

Mi lengua materna es el alemán suizo y también la música. Mi tesis de diplomatura fue escrita en un flujo que iba de la mano de mi investigación de la música, el arte y el Process Work, y a través de todo esto, volviendo a casa con mi verdadero yo. No seguí las reglas de la lengua inglesa porque esto habría perturbado mi flujo no lineal. Estaba en un flujo de escritura creativa.

Escribir sobre música y arte, sobre volver a casa, sobre la esencia, es bastante imposible. A pesar de esta imposibilidad, lo he intentado. El lenguaje de este artículo se acerca a la esencia, a la música, a las artes en general. El arte no puede entenderse de forma lineal. El arte puede ayudar a todo el mundo a reconectar con el reino no lineal y creativo que para mí es la fuente de todo.

Puede que la forma en que escribo te irrite. Puede que tropieces con un uso poco familiar de las frases en inglés, que te detengas, que captes la energía que hay detrás de las palabras, que captes la esencia de lo que quiero decirte. La esencia como ámbito más allá de las polaridades, por utilizar las palabras del filósofo chino Lao Tsu: El Tao que no se puede hablar. Hablar del Tao que no se puede hablar es un empeño que debe fracasar. Pero quizás con el uso del lenguaje -aunque sea incorrecto desde un punto de vista estandarizado- nos convirtamos en un navegante en una arena que está más allá de lo estandarizado. Aquí al menos podemos estar más cerca del Tao que no se puede hablar. Aquí alcanzamos la libertad. Somos libres para convertirnos en escultores del lenguaje con significado misterioso. El lenguaje se vuelve creativo y el lenguaje se convierte en una puerta de ensueño a nuestras experiencias interiores. El objetivo es encontrar un lenguaje que sea lo más congruente posible con la esencia y el arte. Si el arte está más allá de lo ordinario, entonces el lenguaje tiene que seguirle.

Mi estilo de lenguaje crea un diálogo con usted como lector. Me gustaría invitarle a recorrer este viaje conmigo. En cada frase imagino a mi lector, como si estuviera aquí en mi estudio de música o caminando conmigo por la naturaleza escuchando todos los sonidos. Imagino que hablo directamente con usted. Escribir de este modo, como una especie de diálogo musical, me ayuda a mantenerme cerca de la música, de mi creatividad y del Tao que no puede hablarse.

Por estas razones decidí no editar mi estilo natural de expresión.

Agradecimientos

Mi primer gran agradecimiento desde lo más profundo de mi corazón va dirigido a Ellen Schupbach. Como mi principal tutora y mentora para este trabajo de diploma, me guió con una profunda confianza por todo lo que quería salir de mí. Miro hacia atrás y veo un viaje increíble. Este viaje con Ellen se caracteriza por la pasión y el amor por lo que el proceso revela. Para mí Ellen Schupbach es un modelo de la más profunda curiosidad y amor por todo lo que surge en la vida. Ella me apoyó para explorar mi hogar más profundo y expresarlo en esta tesis. Ella me inspiró para adentrarme en un largo e intenso viaje. Mis transformaciones a través del estudio y a través de este trabajo de diploma se deben a ella.

No podría haber realizado esta tesis sin mi equipo de dirección, los doctores Ellen y Max Schupbach, y el doctor Josef Helbling. En cada momento de mi estudio sentí su gran apoyo.

No olvidaré las fascinantes discusiones sobre cuestiones de mi trabajo con Josef, que me animaron a profundizar en mi pensamiento y en el conocimiento del Process Work. Aprecié sus increíbles conocimientos y su incansable compromiso.
No encuentro palabras precisas para expresar mi gratitud a Max Schupbach. Me encontré con un maestro, una inspiración, un genio y un profesor que a través de conferencias, clases, seminarios y sesiones de coaching transformó mi vida como ser humano, como agricultor, como artista y como Trabajador de Procesos. Este artículo es uno de los resultados.

Un profundo agradecimiento a todos mis compañeros del Deep Democracy Institute, especialmente a aquellos con los que estudié regularmente y con los que mantuve debates de apoyo sobre mi tesis: Andrea Fink-Kessler, Brigitta Joost, Simone Brecht, Petra Voss.
Brigitta Joost fue mi primera lectora y me ayudó a corregir mi inglés en el primer borrador. Escribir en inglés fue todo un reto para mí. Estoy muy agradecida a Brigitta por esas primeras correcciones. Las conversaciones con ella me permitieron aclarar partes que aún no eran comprensibles.

Estoy profundamente agradecido a Nader Shababangi y Julia Wolfson. Me apoyaron durante el estudio y la fase de exámenes. Ellos, en particular, me ayudaron en la última fase de llevar esta tesis a su forma final con sus increíbles conocimientos y experiencia.

Muchas gracias al profesorado del Deep Democracy Institute (DDI). Soy consciente de que estudiar con DDI depende de un equipo que trabaja bien junto, y he sentido la colaboración a lo largo de todos estos años. Me sentí especialmente apoyada durante mis exámenes. También estoy profundamente agradecida a todos los equipos organizadores de todo el mundo. Los seminarios y los intensivos me ayudaron a preparar mi tesina de muchas maneras. Adoro a los organizadores, que dedican sus conocimientos y su sentido práctico al DDI, y a los participantes en los seminarios, que lo hacen de corazón.

Los equipos de organización del DDI en los distintos lugares del mundo me permitieron aprender en muchos seminarios en tantos países. Estos equipos son indispensables para nosotros como estudiantes de DDI para aprender en DDI y completar nuestros estudios.

Que yo esté aquí con mi tesina se debe también a la Dra. Lane Arye. A través de Lane y el estudio de la Música No Intencional, empecé a recorrer este increíble camino. Él me dio este sentido del camino asombroso y misterioso de la música y del Process Work. Ruby Brooks fue mi terapeuta durante el estudio con Lane. Estoy profundamente agradecida por mi trabajo con ella. Me enseñó un acceso profundo pero también lúdico al Process Work. Con ella, mis luchas se convirtieron en mis dones.

Durante muchos años he estado conectada con el Process Work. Envío mi más profundo agradecimiento a los doctores Arnold y Amy Mindell. Este increíble impulso transformó mi vida y mi música. ¡Qué privilegio vivir en una época con tal impulso! ¡Me inclino ante Arny y Amy por el trabajo de su vida!

Parte 1 Del arte y la música al trabajo por procesos y la vuelta a casa

Capítulo 1: Idea básica de mi tesis

Introducción

Como participante en la Intensivo de Democracia Profunda en Barcelona en 2015, tuve la oportunidad de trabajar en un ejercicio con el título:

Usted, su organización, el espíritu

Con un compañero de confianza entré en una zona que era como un mundo sin tiempo.

El mensaje que me llegó de la experiencia fue

La música como camino de vuelta a casa

Esta frase me acompaña cada día desde entonces, y no sólo cuando hago música; también en la vida en general. El camino de vuelta a casa es para mí un mantra para alinear mi vida cotidiana con el hecho de que cada día, cada experiencia en mi vida es de alguna manera el camino de vuelta. Ya sea hacia la muerte, hacia una nueva vida, hacia lo desconocido, hacia el amor, hacia una nueva música, hacia la creatividad, la vida es un proceso de morir y renacer.

Mi tesis de diplomatura se basa en gran medida en experiencias de mi vida personal. Así que puede que le resulte útil, querido lector, conocer algunos detalles sobre mí. Soy un músico clásico y experimental de unos sesenta años. Crecí en Suiza, donde sigo viviendo. A mitad de mi vida conocí a mi pareja, un agricultor biológico de las montañas. Durante unos 25 años gestionamos nuestra granja en los Alpes suizos. Fabricábamos queso a la manera tradicional. Yo seguí trabajando como músico.

En los Alpes desarrollé un nuevo tipo de música, inspirada en la naturaleza. A lo largo de mi vida profesional, he enseñado piano, he dado conciertos y talleres y he formado a pianistas para que enseñen piano. En la treintena conocí el Process Work. El estudio individual con Lane Arye me permitió integrar el Process Work en el ámbito de la música. Llevo mucho tiempo estudiando el Instituto para una Democracia Profunda (DDI) donde puedo ampliar mis conocimientos. Me siento muy privilegiada por estudiar con DDI.

Durante los últimos años me encontré en una situación muy especial, porque mi marido enfermó de cáncer. Ahora se trataba de una situación extraordinaria: la vida con él en la granja, cada vez más trabajo que recaía sobre mis hombros, amor profundo, pánicos, miedos, dudas, cuidados, esperanza y transformación dentro de mí y de mi marido, y en nuestra relación: Mi mantra el camino de vuelta a casa siempre me dio confianza en los momentos difíciles. No me sorprende que el mantra me viniera en medio de esta situación extrema.

El mantra me recordaba cada día que todos estamos en el camino de vuelta a casa, ...a casa, a nosotros mismos, a nuestro verdadero yo. Hacer música siguiendo este mantra me dio acceso a una música muy especial. Cada tono que tocaba tenía sentido y cada vez utilizaba más la música como guía para mis asuntos cotidianos.

Muchas veces, a lo largo de mi vida, la música ha sido mi consuelo en situaciones difíciles. Especialmente durante estos últimos años, la música y los sonidos en sus diversas expresiones fueron mis guías hacia otro mundo más allá de los problemas cotidianos. La música me ayudó a trabajar con mi vida con una cualidad que se asemeja a la esencia.

En el capítulo siguiente se ofrece una visión general del paradigma del Trabajo por Procesos, por lo que a continuación se ofrece una breve descripción. En primer lugar, el Trabajo por Procesos funciona con un flujo constante de información. Parte de la información nos gusta y parte nos disgusta. Además, Process Work dice que percibimos tres niveles de vida al mismo tiempo: La vida cotidiana llamada realidad consensuada, el nivel del país de los sueños y el nivel de la esencia (Arnold Mindell 2012, 15). En el nivel de la realidad consensuada, la vida es llamada “real”. Allí se dice por ejemplo: “Yo” soy una mujer. Todo el mundo está de acuerdo.

En el segundo nivel, llamado el país de los sueños, experimento la vida de otra manera. No soy sólo lo que creo ser. En este nivel surgen polarizaciones, y me doy cuenta de que también soy lo que creo que “No soy yo”. El mundo exterior es al mismo tiempo mi mundo interior. Soy lo que creo que soy, y también algo más. Puedo decir “soy mujer”, pero a veces soy más “masculina”, lo que puede crear conflictos porque como mujer no cumplo las expectativas de la visión mayoritaria del mundo que me rodea.

El tercer nivel, el de la esencia, es un mundo más allá de las polaridades. Lo experimentamos como un mundo no dualista. Es una zona anterior a la primera manifestación. Laotse (Laotse 2010) lo llama “el Tao que no se puede decir, una experiencia de unicidad". En este nivel, me siento, por ejemplo, de repente en casa en un paisaje determinado, o estoy tocando una música que me catapulta fuera de la fragmentación de ser mujer o no ser mujer, porque la música está más allá del género.

Este nivel de esencia desempeña un papel crucial en mi trabajo. La música está ahí, el silencio está ahí, la inspiración del arte está ahí, la cercanía a la muerte está ahí, las fuerzas de la naturaleza están ahí. Todo el mundo es capaz de percibirlo, pero todos tenemos tendencia a no darnos cuenta o a olvidarlo de vez en cuando, sobre todo en los momentos en que nos identificamos con nuestra realidad cotidiana. Aunque este nivel de esencia a menudo permanece invisible, a veces evitado, está en el trasfondo de la manifestación.

Trabajar y estar con este mundo de esencias me permitió acompañar a mi marido hasta su muerte. Descubrí en general un aspecto más profundo de la creatividad, y una experiencia de estar en casa y conectada con mi verdadero yo - un espacio sin fronteras, a donde todo vuelve, y desde donde todo sale.

Mi experiencia de descubrir el nivel de esencia en el Trabajo de Proceso fue uno de los aspectos más inspiradores de mis estudios. Se convirtió en una profunda inspiración para mi vida, para mí como músico y agricultor y para trabajar con la gente. Trabajar con la cualidad de la esencia me reveló un sentido profundo detrás de todos mis asuntos, problemas y fragmentaciones. Descubrí un hogar allí y esto inspiró mi vida de una manera poderosa y la vida se hizo mucho más rica, más significativa y mi confianza en la vida aumentó.

A medida que descubría nuevos aspectos de la música y las artes con el Trabajo de Proceso y cómo me llevaban a casa con mi verdadero yo, un profundo anhelo que había llevado dentro de mí durante años se despertó de nuevo y llamó a mi puerta para ser explorado.

De vuelta a casa

En mi mente, volver a casa significa un mundo más allá de todo, más allá de la vida cotidiana, un mundo que es más grande y más amplio que lo que experimento en mi vida diaria.

De vuelta a casa también significa un mundo en el que la vida y la muerte -la vida aquí en la tierra y la vida en una dimensión inmaterial- se juntan y están en profunda relación la una con la otra. Volver a casa significa un punto desde el que todo sale y todo vuelve. Vivir en casa significa vivir nuestro verdadero yo, porque nuestro verdadero yo reside en ambos mundos: en la tierra y en una dimensión más allá de la materia. Volver a casa también significa salir de casa hacia las luchas y la fragmentación, y luego volver de nuevo. Volver a casa no es algo estático. Es un movimiento que dura toda la vida. Cada vez que vuelvo, esta vuelta a casa es más profunda que antes: más rica en percepciones, con sentimientos más profundos, pensamientos y conciencia de las diferentes dimensiones que nos mueven. Me imagino volviendo a casa al final de mi encarnación actual siendo nada más que otro volver a casa.

Hice las experiencias de de vuelta a casa en la música, en las artes y en el trabajo de procesos. Por ello, mi trabajo de diploma se centra en estos tres ámbitos. Mi objetivo también es hacer que estas experiencias sean accesibles para todo aquel que lo desee.

En primer lugar, quiero contaros algunas anécdotas sobre la experiencia personal que he tenido en mi vida, lo que ya es una pequeña introducción a cómo voy a desarrollar este trabajo de diploma. Será muy personal porque compartiré con vosotros mis experiencias vitales. A través de esto entenderé mejor mi propia vida, la creatividad y la volver a casa aspecto. También espero que esto inspire a otros a descubrir esta misteriosa esencia de ser y volver a casa.

Cuando pronuncio la palabra Inicio, o escucharla, una atmósfera especial acompaña esta palabra para mí. Con volver a casa, respiro hondo y aparecen muchos recuerdos como un retablo de mi vida. Cuando era niña y adolescente, la pequeña de una gran familia, todos los domingos todas mis hermanas se iban de casa. Yo me quedaba allí solo, en una casa llena de tensiones tácitas, pero con muchas posibilidades de escapar de esas tensiones: la música, la naturaleza, los animales, el espacio, el descontrol.

Estando sola, se me saltaron las lágrimas y toqué el piano, sobre todo música de Johann Sebastian Bach, una música de consuelo y profunda espiritualidad. En este mundo me sentía como en casa. Ya no sentía las tensiones de la vida cotidiana en la familia, ya no tenía una forma física concreta. Estaba dentro de los tonos y la energía musical. Perdido en la vida cotidiana, llegué a otro mundo más allá del tiempo y el espacio. En estos años, la música fue mi estrategia de supervivencia y mi hogar profundo. Otro hogar en estas situaciones era pasear por la naturaleza con mi perro. Allí todos los sentimientos eran bienvenidos. La naturaleza lo abrazaba todo.

Tras la temprana muerte de mi madre, la música se convirtió en una necesidad aún más profunda para mí. La música acogió mi profundo dolor. En el coro del colegio, cantando el réquiem de Wolfgang Amadeus Mozart, cantaba con toda mi devoción interior por mi madre, y estaba segura de que ella estaba allí escuchando. Durante los años del Gymnasium, disfruté de mi pequeña ciudad con todas sus posibilidades culturales: teatros, exposiciones, conciertos y clubes de jazz. Allí estaba mi mundo. Allí sentía el espacio libre, sintiendo el ritmo de un teatro, una sala de conciertos, un club, un museo, una galería. En este mundo olvidaba todos los problemas de mi vida: la escuela, los problemas familiares y los de pareja.

En este ambiente encontré un marco más amplio para cada problema como parte de la vida. En el arte, cada problema puede convertirse en una obra de arte. Ya no estaba fragmentada, me sentía profundamente en casa, en mi verdadero yo. El hogar estaba en este mundo más allá de todo. Sentí una libertad total y mi decisión de convertirme en músico profesional ya no tenía marcha atrás.

Al principio de mis estudios noté un gran interés por compartir mis experiencias con otras personas. Tocaba música de cámara, probaba muchas cosas que me ofrecían, desde danza jazz hasta trabajo corporal o estudios de composición. Fui floreciendo. Aunque también tenía muchos problemas en mi vida cotidiana, tenía un mundo al que volver. La compositora Makiko Nishikaze (Drees 2008, 18), cuyo hogar también es la música, habla de “santuario”. Este término es el que mejor expresa lo que siento cuando digo volver a casa.

No sólo la música era mi hogar. Como he mencionado antes, todas las expresiones culturales como las artes visuales, la danza, la lírica, la poesía y el teatro me atraían. Cada uno de estos mundos era también mi hogar. Iba a exposiciones siempre que podía y los museos también se convirtieron en mi hogar.

En el mundo del arte me di cuenta de que toda experiencia, positiva o negativa, puede expresarse a través del arte y la música. Este era mi hogar. Estudiando las conexiones entre distintas artes, como la música, las artes visuales, la escritura y el teatro, me convencí cada vez más de que ese era mi camino hacia algo que quería explorar.

En mis estudios de música con mi profesor, me di cuenta de que la música tiene una conexión directa conmigo misma. En las sesiones de piano en las que trabajaba las grandes piezas clásicas para piano, sentía la conexión entre cómo tocaba la música y cómo sentía mi personalidad. Las palabras que me dirigía mi profesor eran como una flecha al núcleo de mí misma, y a menudo me sentía desnuda. “A través de la música, el alma se hace fuerte” (Henck 1994, 15). La música se convirtió en mi guía hacia el interior de mí misma, una guía para la transformación y para volver a casa, a mi verdadero yo.

Tuve experiencias en las que no había distancia entre la música y yo. Fueron experiencias de transformación, de llegar a un nuevo nivel de expresión: volver a casa, respirar hondo y sentirme más libre que antes, no sólo en la música sino también en la vida. Experimenté a artistas como John Cage, Joseph Beuys, Marina Abrahmovich y muchos otros como maestros interiores, cuyas obras me guiaban una y otra vez de vuelta a casa, a mí mismo. En distintas etapas de mi vida me encontré con las obras de algunos de estos artistas, que presentaré aquí como parte de mi tesis de diplomatura.

Cada uno tenía algo crucial que decirme y me hizo un enorme regalo para mi proceso vital y mi forma de volver a casa una y otra vez. La especialidad de cada uno de estos artistas es su profunda confianza en la creatividad de cada persona. Cada uno investigó en un reino visionario desconocido. Lo que tienen en común en su arte es la convicción de que el arte es una llave a la vida, una llave a la creatividad de cada uno y que el arte pertenece a todos en todas partes. El arte ya no pertenece al privilegio de una clase alta adinerada en la cultura occidental.

Cuando conocí el Process Work, descubrí el acceso a un mundo que tenía el mismo efecto en mí que la música y el arte. Por casualidad empecé terapia con un estudiante de la escuela orientada a procesos en Zúrich y leí mi primer libro de Arnold Mindell: The Year One (Arnold Mindell 2019b).

Asombrado, sintiéndome como en casa, descubrí otro mundo de vuelta a casa.

¿Por qué?

Hasta ese momento había experimentado muchas cosas en la música y en la enseñanza de la música. Había desarrollado un objetivo profundo en mi enseñanza: la música y el arte pertenecen a todo aquel que lo desee. Cuando la gente me preguntaba si tenía alumnos con talento en mis clases, no entendía la pregunta. Consideraba que mis alumnos poseían capacidades diferentes. Un alumno era capaz de tocar muy rápido, otro expresaba una música que emocionaba hasta las lágrimas, y otros venían a las clases a mantener conmigo interesantes debates sobre música, arte, la vida y problemas personales.

Experimentaba la vuelta a casa a través de la música como un don que estaba ahí o no, pero no sabía cómo influir o interactuar con esta experiencia. A veces me sentía atascada al trabajar con la música y me encontraba frente a un muro. No había forma de atravesarlo. Estudiar tantas formas de interpretar la música, muchas voces críticas, expectativas y profesores severos en mi vida tuvieron el efecto de que a veces perdiera esta sensación de hogar.

Qué suerte y qué destino para mí encontrarme con el Process Work. Una nueva llave para poder trabajar a través de la música, exactamente en aquellas situaciones en las que tenía dificultades. Encontré una llave para atravesar las paredes de una manera totalmente nueva. Process Work se convirtió en un acceso profundo para abarcar todas las necesidades de mis alumnos y estudiantes de piano, así como las mías propias. De nuevo me encontré con el fenómeno de volver a casa.

Me gustaría compartir un ejemplo que muestra el profundo efecto que tuvo el trabajo de procesos en mi vida musical. Una vez trabajé con mi terapeuta sobre mi miedo escénico. Como sucede a menudo en el Trabajo de Proceso, trabajar sobre los síntomas significaba descubrir al creador del síntoma causante del síntoma, con el fin de enviar un mensaje a seguir. En mi caso se trataba de un síntoma de temblor y el fabricante del síntoma -yo lo llamo el temblor- me envió el siguiente mensaje:

Abandona el camino de la música convencional y desarrolla el tuyo propio. De lo contrario, te haré temblar hasta el final de tu vida.

Fue una afirmación clara y contundente y me obligó a buscar lo desconocido en mi camino como músico.

Algunos años más tarde, al conocer a Lane Arye, fundador de Unintentional Music, por primera vez en un seminario (Ayre 2002, 7), trabajé con él públicamente en medio del grupo del seminario. Notó un temblor sutil como el que yo había experimentado anteriormente. Aunque el miedo escénico no era tan intenso como antes, el síntoma seguía apareciendo aunque con menos intensidad. Lane me animó a seguir el temblor y entré en una explosión musical. Esta experiencia fue uno de mis sentimientos más profundos al volver a casa. Me sentí libre para expresarme. Me sentí como en casa y me olvidé por completo del público. Sentí mi verdadero yo más profundo. Incluso sentí quién soy. Fue increíble. En ese momento supe en lo más profundo de mi corazón que seguir mi propio enfoque de la música, seguir mi camino único se convertiría en mi forma de volver a casa.

Mi profundo deseo con este trabajo

Tenía la posibilidad de disfrutar de esto sólo para mí y ser feliz en casa. Pero siempre me acompañaba un profundo deseo. Lo que experimentaba lo deseaba para todos. Estaba profundamente convencida de que la música y las artes pertenecen a todos los habitantes de la Tierra, y también a todo el universo.

Nunca quise estas experiencias sólo para mi propio gozo. Siempre que aprendía algo de artistas especiales y de Trabajadores de Procesos, lo llevaba directamente a mis enseñanzas de piano y música. En esos momentos mis alumnos se encontraban con una profesora emocionada y entusiasta con la misión de difundir lo que acababa de aprender y descubrir.

Por esta razón y porque es mi naturaleza, compartiré contigo las contribuciones de estos artistas y del Process Work en general a mi forma de volver a casa. En mi tesis mostraré cómo el uso de las habilidades del Process Work puede ayudar a facilitar el proceso dentro de los reinos del arte y la música, y cómo los reinos del arte y la música pueden utilizarse para mejorar el trabajo personal sobre tus problemas cotidianos. Espero que la unión de la música, el arte y el Process Work pueda ofrecer nuevas formas de redescubrir tu verdadero yo y tu hogar. Ofreceré ejercicios para explorar el arte, la música y el Process Work con este fin.

Volver a casa, el verdadero yo y la Democracia Profunda

He mencionado antes que mi comprensión del hogar y del verdadero yo está conectada con el nivel de la esencia. Pero es más que eso. No es sólo el nivel de la esencia el que me devuelve a casa. Experimentar el hogar y el verdadero yo requiere el flujo entre los tres niveles de conciencia: la realidad consensuada, el país de los sueños y la esencia, y a través de esta conciencia el sentido de la Democracia Profunda.

Arnold Mindell describe en su libro Leader as Martial Artist (Arnold Mindell 2014a, 5) todo el yo como un sentido de Democracia Profunda:

... [ese] sentimiento especial de creencia en la importancia inherente de todas nuestras partes de nosotros mismos y de todos los puntos de vista del mundo que nos rodea... La Democracia Profunda es nuestra sensación de que el mundo está aquí para ayudarnos a ser nosotros mismos en su totalidad, y que nosotros estamos aquí para ayudar al mundo a ser completo.

En este documento se encontrarán con los dos términos Process Work (trabajo por procesos) y Deep Democracy (democracia profunda). Para una mejor comprensión, intentaré aclarar ambos términos.

Arnold Mindell, físico y analista junguiano, unió la física cuántica, la espiritualidad, la antropología y la psicología en un nuevo paradigma llamado Trabajo de proceso. El Process Work se practica hoy en día de muchas maneras. En los años ochenta, mientras investigaba sobre el Process Work, acuñó el término Democracia profunda para describir la conciencia de la multidimensionalidad de la vida: la realidad objetiva cotidiana llamada realidad consensuada, la realidad subjetiva llamada país de los sueños y la fuerza detrás de todo lo que él llamaba la esencia.

La democracia profunda es más que una democracia en la que la mayoría tiene el poder. La democracia profunda incluye todos los puntos de vista y todos los niveles de conciencia de grupos e individuos. Cada punto de vista significa también cada dimensión. Mindell habla de la totalidad del ser como algo que contiene el ser multidimensional de cada persona y del grupo. Desde su punto de vista, el mundo se vuelve completo a través de la conciencia de cada dimensión.

El sueño de mi infancia, el mito de mi vida

Un componente final y clave de mi viaje, que ahora culmina en este trabajo, está relacionado con mi sueño infantil. Explicaré brevemente el concepto de sueño infantil y, a continuación, compartiré mi propio sueño en relación con mi trayectoria vital y la experiencia de encontrar mi hogar. El sueño infantil y su conexión con el mito de la vida fue formulado por primera vez por el fundador de la psicología profunda Carl Gustav Jung (Jung 2010). Él discute muchos ejemplos de los sueños de los niños y explorar el significado para toda la vida:

Además, radica en la naturaleza de los sueños más tempranos de la infancia el hecho de que normalmente no se consiguen asociaciones relacionadas: son una manifestación de una parte del inconsciente, que permanece ajena en el tiempo. Estos sueños tempranos en particular son de suma importancia porque se sueñan fuera de la profundidad de la personalidad y, por lo tanto, con frecuencia representan una anticipación del destino posterior (Jung 2010, 1)

Jung acuña la diferencia entre la conciencia individual y el inconsciente colectivo:

Los sueños de los niños suelen ser extraordinariamente importantes porque la conciencia infantil aún es débil, de modo que esos sueños pueden aflorar desinhibidos del inconsciente colectivo. La conciencia es este tiempo, este aquí y ahora.

El inconsciente, en cambio, es una eternidad, una atemporalidad, y no tiene intenciones respecto al aquí y ahora. El sueño infantil nos muestra dos caras de nuestra personalidad, una que va con nuestra cultura y otra que es ajena a nuestra cultura o identidad. En nuestra infancia, estas fuerzas aparecen en sueños en una poderosa imagen arquetípica, por lo que a menudo resultan aterradoras y abrumadoras. (Jung 2010, 80)

Partiendo de la base de Jung, Mindell describe así el sueño infantil (Arnold Mindell 1993 47):

Si en tus primeros sueños aparecen poderosos aliados como antagonistas, tu mito es enfrentarte a un aliado, tanto si estás de acuerdo con este encuentro como si no.

La idea de añadir las experiencias con mi sueño infantil en mi viaje de tesis se convirtió en algo crucial para mí. A través de los seminarios del Deep Democracy Institute me entusiasmé mucho con el sueño infantil y su significado, como un patrón, llamado el mito de la vida, que nos acompaña a lo largo de toda nuestra vida. Compartir aquí mis experiencias vitales requería que integrara mi mito vital.

El sueño infantil o las experiencias de la primera infancia son como una melodía vital. Esta melodía está presente durante toda la vida y revela continuamente nuevos aspectos de la misma polaridad que apareció en el sueño temprano de la infancia. A través del hilo de mi vida, la melodía de mi vida se hizo mucho más clara para mí y ahora a mis sesenta años, mirando hacia atrás a una larga vida, muchos rompecabezas aparentemente desconectados se unieron en una gran imagen. Me encanta la idea de ayudar a otras personas a descubrir esta visión especial de su vida, así que comparto el mito de mi vida contigo:

En mi sueño de infancia soñé repetidamente que soy un niño yendo de camino a casa. Detrás de un seto me esperan unos 10 hombres para atraparme. Les tengo mucho miedo. Van vestidos de negro y llevan sombreros negros. Empiezo a correr. Justo en el momento en que me acerco a la puerta de mi casa, me agarran y me despierto.

Un aspecto de mi sueño infantil que está relacionado con mi trabajo de diploma es el siguiente: La niña quiere volver a casa, conoce el hogar, le es familiar, allí se siente segura. Pero los diez hombres no se lo permiten. En el último momento agarran a la niña por el pie y no puede volver a casa.

Ahora podríamos preguntarnos: ¿Por qué el trabajo de diploma trata de volver a casa si en el sueño los diez hombres no lo permiten? Podría significar que volver a casa no es el tema de mi vida.

A través de la exploración del sueño, me di cuenta de que los diez hombres me agarran para buscar siempre un hogar. Este hogar no es un hogar local en el mundo. Es un hogar en lo desconocido. Un hogar como el que he descrito antes.

Cuando repaso mi vida, me doy cuenta de que siempre que he querido asentarme, han venido los diez hombres y me han arrastrado a un mundo nuevo. No en el sentido de viajar o desplazarme mucho geográficamente de un lugar a otro. Tenía más que ver con sentirme en casa ampliando mi conciencia, desprendiéndome de lo que era demasiado cómodo. Volver a casa, al mundo, siempre era de una forma nueva y siempre se trataba de compartir mis experiencias con el mundo. Los diez hombres me desafían hasta hoy a explorar la música, las artes y el Trabajo de Proceso todo el tiempo, haciendo nuevas experiencias, obteniendo nuevas percepciones y encontrando mi hogar en transformaciones continuas. Esto pertenece al mito de mi vida y surge del sueño de mi infancia.

A lo largo de la tesis me referiré a este sueño y hablaré de los diez hombres como un aspecto de mí misma que me impulsó a seguir adelante en la vida: salir de casa y buscar otro hogar. Siempre que os encontréis con los “diez hombres”, pensad en este aspecto.

Mi objetivo con esta tesina

Mi tesis explora diferentes caminos para volver a casa, al verdadero yo. En ella describo mi viaje personal de vuelta a casa, con la esperanza de demostrar que todo el mundo puede volver a casa a través de la música, el arte y el trabajo de procesos. No es necesario ser artista, músico o Trabajador de Procesos para embarcarse en este viaje. Siento la profunda misión de hacer que mis experiencias sean accesibles para todo el mundo, por lo que crearé ejercicios y formas de experimentar juntos el arte, la música y el Process Work.

El propósito de estos ejercicios es trabajar de forma creativa para encontrar el verdadero yo como hogar más allá de las polaridades. Los ejercicios siguen las experiencias de los tres niveles de conciencia: la realidad cotidiana, el mundo de los sueños y el mundo de la esencia. En particular, las artes y la música se basan en el mundo de la esencia, por lo que nos permiten entrar profundamente en el mundo de la esencia y traer de vuelta ideas y regalos para nuestra realidad cotidiana. En este sentido, mi tesina es una guía del usuario para volver a casa, al verdadero yo creativo.

Los ejercicios serán un punto central de mi viaje. Esta tesis es en su esencia un viaje experimental y quiere invitarte no sólo a que seas testigo como lector, sino también a que experimentes tú mismo con ella utilizando los ejercicios. Puedes utilizarlos tal cual o como trampolines para tus propias experiencias. Estoy convencido de que experimentar el arte, la música y el Process Work y, sobre todo, la esencia que hay detrás de todo requiere un descubrimiento a través de nuestra propia experiencia. El propio Process Work es un enfoque fenomenológico, basado en la experiencia vivida.

A través de este viaje quiero estudiar y explorar especialmente el aspecto de la esencia de los tres niveles de la Democracia Profunda como fuerza que está detrás de todo y, en particular, la fuerza que está detrás de las artes en general, como hogar. El arte es intemporal, nos lleva a nuestro hogar, que no tiene fronteras. Mi estudio de tesis me llevó a redefinir qué es un artista, un ser humano, un buscador o un Trabajador de Procesos. Durante mucho tiempo estas preguntas me han rondado por la cabeza. Sentí el anhelo y la esperanza de actualizar y redefinir mi actitud ante lo que es un artista, un buscador, un ser humano o un Trabajador de Procesos.

Dejar ir a mi pareja fue una de las razones de este proceso de redefinición. Al estar en el punto cero, todo tenía que redefinirse en mi vida. Volví a conectar con la atemporalidad de la música, las artes y el Trabajo de Proceso y me di cuenta de que en este espacio sin principio ni fin y sin fronteras, estaba en contacto con todo. Me encantaría compartir esto contigo y me encantaría apoyar tu creatividad guiándote hacia el hogar no-local desde la profundidad de mi corazón.

Al final de la tesis encontrará un glosario con breves explicaciones de los términos que utilizo.

Capítulo 2: Estabilidad del proceso - El proceso de trabajo desde el punto de vista de un artista

Tout bouge, il n'y a pas d'immobilité. No dejes que te aterroricen las nociones de tiempo precipitadas. Deja que pasen los minutos, los segundos y las horas. Cessez de résister aux métamorphose. Mantente en el tiempo, mantente estable, mantente estático con el movimiento. Para una estabilidad en el presente. Résistez à la faiblesse apeurée de arreter le mouvement, de pétrifier les instants et de tuer le vivant. Arreter-vous de toujours réaffirmer des “valeur”, qui s'écroulent quand meme. Soy libre, vivo. Arreter-vous de “peindre” le temps. Laissez tomber la construction des cathédrales et les pyramides qui s'écroulent quand meme comme des tartes. Respiro profundamente. Vive el presente, vive en y sobre el tiempo, por una realidad bella y total.¹

Hulten 1992

Jean Tinguely fue un artista suizo de fama internacional. Sus obras son en su mayoría esculturas en movimiento. Perteneció al fenómeno del arte cinético. Era a la vez artista y artesano. Esto le permitió conectar con mucha gente, no sólo con los más cultos y académicos.

Encontré la cita de su “Pour la Statieque” al principio de este capítulo en una exposición organizada por el Palazzo Grassi de Venecia (Italia). De nuevo en crisis, viajé a Italia en busca de respuestas para mi vida. La declaración de Jean Tingueley me animó de inmediato. Cuando la leí, algo en mí lo entendió completamente, aunque me costó expresarlo con palabras. Mis amigos no entendían lo que intentaba decir después de mi viaje. Hoy diría que fue una experiencia y una comprensión a nivel de esencia. El nivel de la esencia apenas puede describirse con palabras. Puede percibirse a través de la atmósfera y de una vaga sensación de unidad, como he descrito en la introducción. Cuando intento hablar de ello, se me mueven las manos. Es más fácil describirlo con un movimiento de manos, porque el reino de la esencia está muy lejos de las palabras. A continuación explicaré con más detalle la teoría general del Trabajo de Proceso, los tres niveles de experiencia y la Democracia Profunda.

Trabajo de proceso

El Process Work fue fundado por Arnold Mindell y se basa en un flujo continuo de información. El flujo continuo puede compararse con un río. Imagine un río e intente seguirlo. El río se hace grande cuando no hay límites y se estrecha cuando hay un barranco. El río salta como una cascada y se acelera cuando pasa por una pendiente. El río sigue siendo un río y al mismo tiempo está en constante cambio. Si el tiempo cambia la topografía, el río le sigue y cambia su forma. La cualidad procesual del agua del río es la flexibilidad para cambiar con lo que sucede. Los obstáculos de la naturaleza, los cambios de topografía, etc., son piezas de información que cambian la forma del río y obligan al agua a fluir con esos cambios.

Durante mis años como agricultor en los Alpes suizos, cada primavera me fijaba en los cambios del río respecto al invierno. Cada año era una experiencia nueva y sorprendente. El río había cambiado un poco su identidad y, al mismo tiempo, seguía siendo el mismo río. Pensando en este comportamiento procesual, leí la cita de Tinguely como una descripción pictórica del paradigma del Trabajo Procesual. Habla de no resistirse al cambio y del movimiento del tiempo. El tiempo significa cambio. En general, proclama el movimiento como el único hecho estable. Nos insta a no resistirnos al cambio. Cuando la gente me pregunta qué significa proceso, suelo decirles que el proceso es algo que sucede por sí mismo, pero que existe la opción de seguirlo o no. Si no lo sigues, el proceso sucede de todos modos de tal o cual manera. Tinguely lo describe así:

Laissez tomber la construction des cathédrales et des pyramides qui s'écroule quand même comme des tartes.

Dice que si no nos movemos, el proceso se mueve y cambia nuestras identidades congeladas como pasteles, que de todos modos se desmoronan. Tal y como yo lo entiendo, habla de una identidad que es fluida y capaz de seguir el cambio cuando éste quiere producirse. Parece fácil cómo lo describe Tinguely. En nuestra realidad cotidiana puede ser un trabajo duro porque requiere cruzar bordes, es decir, dejar ir viejas identidades.

El borde es un hecho importante en el trabajo de procesos. El borde es un muro entre un proceso que me gusta y que es familiar a mi identidad anterior, y un proceso que es nuevo, desconocido y que cambia mi identidad. Mindell llama a estas estructuras proceso primario -o U- para el proceso familiar y secundario -o X- para la identidad desconocida y futura. (Arnold Mindell 2017) Más adelante veremos cómo surgen estas estructuras. Conocerás algunas posibilidades para tratarlas de forma creativa.

Volviendo a cómo entendí por primera vez esta cita de Tinguely. La llamé nivel de esencia. Este es un aspecto de un enfoque tridimensional de todas nuestras experiencias, como nos enseña Mindell. Veamos este enfoque y comparémoslo con la cita de Jean Tinguely.

Tres niveles de experiencia

Si observamos nuestra vida cotidiana, a menudo experimentamos algo parecido:

Creo en lo que veo. Creo en la existencia de lo que es visible, audible, tocable. Esto se puede ver como un hecho y, por tanto, parece real. Una mesa es una mesa, un ser humano es un ser humano, lo que oigo es algo que suena en mis oídos y normalmente escucho a alguien para centrarme en el llamado contenido real.

Este es el primer nivel - el realidad consensuada. Este nivel depende del grupo al que pertenezca. Las distintas sociedades definen de manera diferente lo que es real. El grupo crea factores con los que la mayoría de la gente está de acuerdo. Esto forma la identidad del grupo. Siempre hay miembros que no comparten esta identidad. Son diferentes y se convierten en extraños.

Un ejemplo: En Suiza había un artista llamado Harald Nägeli (Wikipedia s.f.) Fue uno de los primeros en rociar su arte en las paredes de las casas de Zúrich, concretamente en el centro de la ciudad, donde se encuentran hermosas casas antiguas. Lo hacía de noche porque era ilegal. El tribunal lo condenó, pero escapó a Alemania y consiguió el apoyo del famoso Joseph Beuys (Wikipedia 2019). Nägeli adquirió fama internacional. El mundo del arte admiraba sus dibujos. De hecho eran muy lúcidos, a mí personalmente me gustaban mucho. Aunque obtuvo un gran apoyo, las agencias y los tribunales le emitieron una orden de detención internacional, y tuvo que regresar a Suiza. Estuvo en prisión seis meses. Después se trasladó definitivamente a Alemania y su arte alcanzó una gran aceptación internacional.

¿Cuál es la estructura procesal de esta historia? Tenemos la identidad de las agencias, los tribunales y una gran cantidad de personas: “Esto es algo que no permitimos”, dice la voz oficial de la corriente dominante. “Rociar las casas no nos pertenece. No lo queremos. Nägeli está loco, no es un artista”. Esta era una realidad bien aceptada en aquellos días en Suiza. Tinguely describe las construcciones de catedrales y pirámides que “se desmoronan como pasteles”. Aquí Nägeli estaba creando una nueva forma de arte que se convirtió en un gran éxito.

Si trabajáramos sobre estos dos lados podríamos decir, por ejemplo, que hay dos partes. Digamos que una parte es la agencia y la otra el artista. Ahora Mindell nos enseña la siguiente estructura: Para la realidad cotidiana esto es real. Desde una perspectiva diferente, cuando entramos en algo como soñar (él lo llama el país de los sueños), estas dos partes pueden surgir en cualquier parte. En la realidad consensuada de cada día, vemos a la agencia y al artista como papeles personificados. Pero estas dos partes -también podemos decir roles- pueden surgir incluso en nosotros mismos. ¿Has hecho alguna vez algo que estaba prohibido, pero tu creatividad era más fuerte que el reino dado?

Process Work también dice que Nägeli es un proceso secundario -una X- para la corriente principal (Arnold Mindell 2017). La X nos llama desde el futuro y nos muestra algo nuevo que desarrollar, en este caso un nuevo tipo de arte, que se convierte en mainstream una vez finalizado el proceso. Max Schupbach llama a la X la fase emergente (Schupbach 2007b). La X se encuentra en la fase inicial, una fase emergente de manifestación. Aparece en la simple información y aún no ha llegado como la identidad de una persona, o de un grupo o país. Podemos decir que la X o el proceso secundario nos muestra el futuro.

¿Sueña con una vida más creativa pero hay una voz en su interior que le dice que eso es imposible? Aquí llegamos al país de los sueños, donde nos conectamos con el papel de Harald Nägeli y las agencias suizas de la época. Es como un sueño nocturno, que sólo se experimenta a la luz del día. Mindell dice que estamos soñando 24 horas al día durante toda nuestra vida (Arnold Mindell 2000). Tras la realidad consensuada se esconde el país de los sueños. No hay frontera entre los dos, excepto en nuestro borde, que no permite la conexión. Trabajar con el límite es una parte importante del proceso. Se trata de trabajar en la relación entre lo cotidiano, la realidad consensuada y el país de los sueños y, como en este caso, seguir el proceso que está ocurriendo. Nägeli se hizo famoso a pesar de los críticos y los tribunales que lo juzgaron. Y también ayudó a que se estableciera una nueva forma de arte. Este proceso quería suceder, y nada podía detenerlo.

Una vez analizados dos de los tres niveles (consenso realidad y país de los sueños) podemos preguntarnos, ¿por qué quiso ocurrir este proceso? ¿Cuál es la fuerza que movió a Harald Nägeli hacia su llamado arte peligroso? En este punto nos encontramos con el tercer nivel: el esencia nivel. Volviendo a Tinguely, señala “Pour une réalité belle et totale” traducido como “Por una realidad bella y total”.

¿Podemos decir que los dibujos de Nägeli aportaron más belleza y alegría a la ciudad de Zúrich y acabaron por cambiar a algunos ciudadanos? Hoy en día, el graffitti se ha convertido en un arte que ha llegado al gran público. Podemos decir que las fuerzas que movieron a Nägeli a dibujar en las paredes de las casas se fundamentan en el tercer nivel, un nivel más allá de todo. Apenas puede percibirse y no es visible. Una zona que está ahí como posibilidad de ser captada por alguien. No creo que los dibujos de Nägeli surgieran como una decisión racional. Imagino que algo coqueteó con él, como diría Mindell.

En mi simple imaginación diría que hay infinitas posibilidades en el aire, un mundo más allá de las fronteras, más allá de las polaridades, más allá de todo lo que hay en mi mente cotidiana. Llegado el momento, una de esas posibilidades se pone en contacto conmigo y me envía una idea. ¿O soy yo quien la busca? ¿Qué fue primero? ¿Cuál es la fuerza que me mueve? No podemos responder a esto, porque ambas partes están enredadas entre sí. ¿Era una fuerza que quería encarnarse, buscaba a alguien que la realizara y el artista Nägeli la recogió?

Echemos un vistazo a las enseñanzas de Arnold Mindell sobre el sueño lúcido (Arnold Mindell 2000):

Un artista siente la ensoñación en el lienzo, el papel y la piedra y sabe que la realidad cotidiana no sólo es concreta Miguel Ángel llamaba a esculpir una
proceso de sacar a la luz la forma que ya existe en el interior de la piedra. Los artistas y los aborígenes han desarrollado la capacidad de ver el Sueño, es decir, el poder que hay detrás de las figuras que ves en tus sueños nocturnos y en la realidad cotidiana.

Mindell escribe más adelante sobre la relación entre la ciencia aborigen y la física moderna:

Aunque la física moderna y la ciencia aborigen difieren, también comparten ciertas ideas. Los indígenas hablan del tiempo del sueño como la raíz y el poder esencial del que procede todo lo demás; los físicos cuánticos hablan de una entidad matemática invisible llamada potencial cuántico del que surge la realidad

Arnold Mindell 2000

Lo que existe antes de ser formado, antes de ser verbalizado, puede considerarse la esencia de todo. Existe una esencia detrás de todo en nuestra realidad cotidiana, como la materia: pensamientos claros, decisiones claras, etc. A esto se le llama esencia o nivel sensible de la experiencia, que significa percibir lo que apenas es perceptible. Soñar requiere la capacidad de sentir un mundo más allá de la forma física, más allá de la polaridad. Esta capacidad la podemos ver en indígenas de todo el mundo, como aborígenes y chamanes de todas las culturas, generalmente personas que viven muy cerca de la naturaleza. Los artistas también suelen estar dotados de este sentido. Naturalmente, todo el mundo tiene esta capacidad, pero a menudo queda marginada. El trabajo procesual lo pone de nuevo en primer plano.

En nuestro viaje a través de esta tesina nos encontraremos con la música, las artes y el Process Work como mundos entrelazados, volviendo a nuestro verdadero yo y a una realidad “belle et totale”. Además, comprenderemos cada vez mejor por qué el arte y la música contemporáneos, en su mayoría, aún no son comprensibles. Se crean directamente a partir del mundo de la esencia, modelando un aspecto futurista como proceso secundario de la corriente principal.

Joseph Beuys dijo que todo el mundo es un artista (Adriani, Konnertz y Thomas 1988). A través del trabajo con esta tesis puedes llegar a saber cómo eres un artista y cómo eres tu propio futuro, volviendo a tu verdadero yo total que olvidas de vez en cuando. A través de la relación entre tu proceso primario y secundario y tu propia esencia, te conviertes en el creador de tu vida, haciendo avanzar el mundo a través de tu verdadero yo.

Cómo se comunica el proceso: canales, señales y preseñales

Lo que Tinguely no dice es cómo se comunica el proceso. Para ello necesitamos la ciencia del proceso en la que Arnold Mindell nos enseña la ciencia de las señales. Todo proceso que quiera ser explorado surge en diferentes canales. Las señales anuncian el canal en el que aparece el proceso. Yo experimento subjetivamente lo que estoy experimentando a través de varios canales: auditivo, visual, propioceptivo (sensación corporal), movimiento, relación y el canal del mundo.

Cada canal tiene un aspecto interior y otro exterior. Oyes algo desde fuera o desde dentro. Por ejemplo, puedes oír un debate en tu cabeza. En términos de Prtocess Work, lo estás experimentando a través del canal auditivo interno (Arnold Mindell 2011).

El proceso se muestra primero a través de señales (Arnold Mindell 2011). Se trata de pequeños fragmentos de información, a menudo incompletos. Por ejemplo: Alguien te invita a cenar, una parte en ti dice que sí y otra parte muestra a través del movimiento una señal de resistencia retrocediendo un poco. Este retroceso es una información de la que no eres consciente, porque te identificas con ser amable. Explorar la señal de movimiento podría sacar a la luz un lado tuyo que no está tan relacionado con los demás. Si recogieras este lado y tomaras conciencia de esta señal, podrías responder:

Oh, gracias por invitarme, es muy amable, pero me gustaría venir en otra ocasión porque en realidad no me siento muy relacionado en este momento y así la cena será probablemente aburrida para los dos.

¿Imagina el cambio que se produciría en nuestra sociedad si captáramos esas señales? Supongo que significaría más libertad y más fluidez.

La señal en la historia de Harald Nägeli, por ejemplo, surgió en el canal mundial, lo que comprenderás fácilmente. Todo el proceso ocurrió en público. Esto es lo que se entiende por canal mundial.

También hay preseñales. Estas preseñales proceden del nivel de la esencia y apenas son perceptibles. Mindell llama a una preseñal de este tipo un ligón (Arnold Mindell 2012). Nos encontramos con esto en la historia de Nägeli cuando hablé de las fuerzas, las posibilidades, que nos recogen. El entrenamiento de recoger el mundo de la esencia con sus coqueteos nos hace muy sensibles. La creatividad vendrá si exploramos estos coqueteos. Tengo que decir que siempre compongo y creo música a través de coqueteos en lugar de cavilar sobre una hoja de papel. Esto hace que el trabajo sea mucho más fluido.

Amy Mindell escribe:

Los coqueteos son la primera forma en que el mundo de la Esencia surge en nuestra conciencia....Los coqueteos son sensaciones rápidas, evanescentes, no verbales, parpadeos visuales, estados de ánimo y corazonadas que captan repentinamente nuestra atención. En el momento en que percibimos una Coqueta que ha captado nuestra atención hemos cogido la cola
de un proceso creativo en pleno desarrollo.

Amy Mindell 2005, 23-24

Los ligues y el mundo de las esencias desempeñarán un papel importante en esta guía del usuario para volver a casa a través de la música.

Ahora es el momento de experimentar uno de los conceptos básicos del Trabajo de Procesos con un pequeño ejercicio de U y X. En este capítulo describí U y X como procesos primarios y secundarios. Por ahora quiero volver a expresarlo de la forma más sencilla posible: U es algo que te gusta, algo que puedes decir ese soy yo y X es algo que no te gusta o dices ese no soy yo.

Volver a la práctica

Ahora voy a hacer una demostración a partir de mi propia práctica. Primero describiré el ejercicio. Después podrás hacerlo tú mismo y tener una experiencia personal de los conceptos teóricos que he descrito.

Ejercicio 1: Experiencia básica 1 - Sabor de u y x

En este ejercicio te invito a experimentar con tu u y tu x, es decir, con algo que te gusta y algo que no te gusta, simplemente. Entonces tendrás la oportunidad de explorar en qué canales estás teniendo la experiencia de u y x.

Para demostrar cómo hice el ejercicio, he insertado mis respuestas en cursiva como ejemplo.

1. Piensa en algo que te guste en este momento (u)

Siento una especie de felicidad que he echado de menos durante mucho tiempo

2. ¿Cómo sabes que esto te gusta?

En mi cuerpo siento mucho espacio y respiro

3. Canal: Intenta descubrir el canal en el que tienes esta experiencia.

Sensación corporal o canal propioceptivo

4. Piensa en algo que no te gusta en este momento

Dolor en el dedo del pie, a causa de un accidente

5. (encontrar el canal)

Tensión en el dedo del pie, lo experimento como algo que quiere explotar

6. Canal: Intenta descubrir el canal en el que tienes esta experiencia.

Sensación corporal (tensión) pero también movimiento (explosión)

7. Sigue la experiencia en el canal en el que notaste la cosa que no te gusta. (Llamaremos ‘x’ a lo que no te gusta).

Utilizaré el canal de movimiento para expresar mi ‘x’. Ahora experimento un movimiento, algo así como una explosión. La energía que explota da más espacio. Aaah. Noto más espacio para lo que quiero para mí.

En este ejercicio tienes la posibilidad de experimentar dos corrientes en ti mismo al mismo tiempo. Al principio, hay un conflicto, porque hay algo que te gusta y algo que no te gusta. Luego, al explorar los canales para descubrir cómo notas estas experiencias, aflora tu tierra de ensueño. Para mí, la respiración y el espacio son un papel, mientras que la tensión y la explosión son un segundo papel. Ahora puedes jugar con estos dos papeles. La explosión está más alejada de mi identidad. Explorar la explosión a través del movimiento me permite experimentarme a mí misma de otra manera: luchando, defendiendo mi punto de vista, liberándome y siendo creativa, siendo yo misma, llevando mi energía a mi vida cotidiana.

Esta experiencia es un pequeño ejemplo de una fase de mi vida en la que estaba sometida a una gran presión. Explorar y desplegar la explosión me ayudó a acceder a lo que realmente quería y a permitirme defenderlo.

Con este ejercicio quiero mostrarte que detrás de tu vida cotidiana siempre hay una corriente de ensueño. Siempre que quieras puedes entrar en este reino y traer el sueño a tu vida cotidiana. ¡Pruébalo!

Capítulo 3: Trabajo procesual, democracia profunda, arte y música: la belleza en su totalidad

Comenzamos ahora un viaje por las artes, la música, el Trabajo de Proceso y la Democracia Profunda, volviendo a casa, a nuestro verdadero yo. Nos adentraremos en el mundo de varios artistas de finales del siglo XX y principios del XXI. Seguiremos sus obras y sus contribuciones inherentes en el camino de vuelta a casa. Pero primero, me gustaría discutir algunos pensamientos fundamentales sobre la relación entre el arte, la música, el Trabajo de Proceso y la Democracia Profunda y por qué yo personalmente hablo de arte y música cada vez que hablo de Trabajo de Proceso y Democracia Profunda (Arnold Mindell 2014a, 5)

El nivel de esencia y el colapso del tiempo (Einbruch der Zeit)

En el siglo XX, las artes y la música experimentaron cambios fundamentales. Veremos cómo la música y las artes fueron la punta de lanza de los cambios en una época en la que la corriente dominante aún vivía en un antiguo ámbito de conciencia. La música y las artes eran chocantes, no comprensibles. Jean Gebser escribió sobre una necesidad de nuestro tiempo:

La irrupción del tiempo en nuestra conciencia: esta realidad es el gran y singular tema de nuestro tiempo. Es un nuevo tema y, por tanto, una nueva realidad. Su realización por nosotros trae consigo una nueva realidad: una nueva intensidad y un nuevo impulso, y por lo tanto la superación de los obstáculos que nuestro mundo debe superar.²

Schübl, Hämmerli y Gebser 2015, 443

Además, argumenta que este enorme problema tiene que ver sobre todo con una nueva comprensión del tiempo:

...dass Zeit, die mental-rationale Zeit, ein teilendes Prinzip und ein Begriff ist Unserem bisherigen Bewusstsein liegt von allen möglichen Zeitformen der mental-rationale Zeit-Begriff am nächsten³

Schübl, Hämmerli y Gebser 2015

Jean Gebser continúa el proceso para descubrir una nueva comprensión del tiempo (Schübl, Hämmerli y Gebser 2015, 443):

Was aber freigelegt wird ist mehr als der blosse Begriff Zeit es ist das Achronon, also das Frei-und Befreitsein von jeder Zeitform; es ist die Zeitfreiheit

Escribe que nuestro tiempo requiere una nueva conciencia. Considera que nuestra época está en transición hacia una nueva conciencia que explora en distintos ámbitos, entre ellos las artes y la música.

Leyendo Ursprung und Gegenwart de Jen Gebser siempre he tenido la sensación de que he leído
La mente cuántica de Arnold Mindell (2000). ¿Por qué?

En su capítulo sobre el desapego de Einstein por el tiempo, Mindell cita a Einstein (2012 p 297):

La gente como nosotros, que creemos en la física, sabemos que la distinción entre pasado, presente y futuro es sólo una ilusión obstinadamente persistente ... El tiempo debe expandirse y encogerse para que la velocidad de la luz siga siendo la misma

Aunque no soy bueno en física, lo entiendo a la manera de un músico. En la música, el tiempo siempre se expande y se encoge en función del proceso musical. Se puede componer una pieza musical que no tenga principio ni fin. Puedes ralentizar la sensación del tiempo o puedes apretarlo.

Mindell escribe:

Sin embargo, muchos pueblos nativos esperan a que llegue el momento adecuado. Algunos pueblos, como los Hopi, ni siquiera tienen una palabra para el tiempo, sino que hablan de lo que se está manifestando o de lo que se manifiesta. No hay pasado, presente ni futuro.

El tiempo es importante; puede vivirse como un despliegue implacable de un punto a otro, o como algo que se detiene, se pausa, se expande y se encoge según las circunstancias y la cultura...

Arnold Mindell 2012, 297

Escuchar una pieza musical - por ejemplo una sinfonía de Gustav Mahler. Escucha el principio en youtube. Sigues el flujo de la música, el tiempo cambiante, avanzando y retrocediendo en la misma pieza. Te olvidas del tiempo, pero estás en el tiempo, pero no en el sentido mental-racional del tiempo. Sigues la expansión, la contracción del tiempo, las pausas y la quietud. Escuchando música entras en otro nivel de experiencia del tiempo.

Para experimentar el tiempo como algo interminable, consulta la siguiente música en youtube:

• Maraba Azul por Abdullah Ibrahim
• Y En un paisaje por John Cage
• Escucha profunda, por Pauline Oliveros

En mi trabajo enseñando música, me he dado cuenta en los últimos años de algunos cambios que se están produciendo en muchas personas. Muchos tienen dificultades para pasar del tiempo de la realidad consensuada a otro enfoque temporal para entrar en el tiempo de la música. A menudo es necesario preparar el ambiente, ralentizando la presión cotidiana, llevando al alumno a una especie de atemporalidad. Por otra parte, también observo en muchas personas (yo incluida) una necesidad de música que se ralentice; música que enfatice la atemporalidad. De todo ello deduzco que vivimos en una época en la que es hora de trabajar este enfoque temporal. Los tiempos que corren nos llevan a pasar del tiempo racional a lo que Gebser llamó Zeitfreiheitlibertad espiritual.

Es fácil comprender que la música modela el tiempo de forma distinta a como lo hacemos en nuestro día a día. Cuando escuchas un concierto, te olvidas de tu vida cotidiana. Estás en otra zona horaria. Después del concierto puedes decir:

¡Oh! Tengo la sensación de que el concierto duró horas

Si estás haciendo algo que te gusta, te olvidas de los segundos y vives en otro tiempo. El lenguaje del Process Work podría decir que vives en la tierra y el tiempo de la esencia.

Gebser utiliza el término Einbruch der Zeit (colapso del tiempo) (Schübl, Hämmerli y Gebser, 2015) para referirse al cambio en el aspecto mental-racional del tiempo. Dice que esto es relevante más allá de un espacio definido. Se dio cuenta de algo más grande, algo así como una revolución o evolución de la conciencia. Este Einbruch der Zeit lo reconoció de manera especial en las artes y la música. Esta revolución o evolución de la conciencia es comparable con el enfoque de Arnold Mindell en varios libros y especialmente en Quantum Mind (Arnold Mindell 2012) que se lee arriba en las citas.

Se puede reconocer cierta similitud entre Mindell y Gebser, que ayuda a entender la vida desde otro enfoque del tiempo. Recuerda la cita de Jean Tinguely: “Tout bouge, il n'y a pas d'immobilité. Ne vous laisser pas vous terroriser par des notions de temps périmées. Laisser tomber les minutes, les secondes et les heures”.

Tinguely también habla de otra forma de entender el tiempo. La música y las artes son arenas donde es posible para cualquiera experimentar con estos aspectos, no sólo a través de la lectura y el pensamiento, sino también creando con el tono y las extensiones materiales de la conciencia. En este punto, la música y las artes se encuentran con el Trabajo de Proceso y la Democracia Profunda en su cualidad de ampliar la conciencia y la percepción.
Volviendo a Einbruch der Zeit de Gebser:

Habla de desapego del tiempo, como hace Mindell en la cita anterior de su libro Mente cuántica. En la música y las artes, el aspecto del tiempo se ha trabajado durante mucho tiempo en todo el mundo. Puedes pensar en algunas músicas, por ejemplo la antigua música india, la música gregoriana en Europa en la Edad Media y la antigua música chamánica de percusión: Música que te eleva a otro estado, libre del tiempo cotidiano.

Gebser habla de distintas formas de entender el tiempo. Habla de una cuarta dimensión como tiempo, practicada en las artes y la música desde principios del siglo XX en Europa, cuando un gran despertar transformó de forma radical las artes y la música tradicionales de las culturas europeas.

Por ejemplo, Picasso dibujó un ser humano desde distintos lados al mismo tiempo. Cuando miramos algo, vemos en un momento un lado y necesitamos tiempo para pasar a otro lado y ver la otra cara de un objeto. Picasso dibuja la totalidad de una persona. Con sus cuadros demuestra que la conciencia cotidiana está fragmentada, que no es real en el sentido material. Picasso dibuja la totalidad de una persona. Los colores que utiliza son también colores de estados de ánimo, de atmósferas.

En la Introducción y en la sección sobre los fundamentos del Trabajo de Proceso y la Democracia Profunda vimos que hay algo más que el ámbito cotidiano de la realidad. Es la multidimensionalidad la que nos muestra lo que es real. Para comprender la totalidad de un grupo necesitamos todas las voces y todos los niveles: la Democracia Profunda en ese momento. Necesitamos, como muestra Picasso, mirar desde atrás y desde muchos lados para reconocer la realidad completa.

Algo parecido ocurrió en la música a principios de los años 20.^th siglo XX. Hasta ese momento, teníamos el sistema tonal Mayor-Menor como estructura armónica en la música clásica. Era un sistema jerárquico. Se derrumbó en varios pasos al mismo tiempo que surgía el llamado estilo abstracto en las artes.

Schönberg habló de la emancipación de la disonancia y proclamó contra el viejo sistema doce tonos libres relacionándose entre sí de forma libre (Schoenberg, Stein y Cohen-Levinas 2011, 104). Hubo otros compositores que se adentraron en una comprensión completamente nueva del espacio y el tiempo. Para el público fue chocante.

¿Qué significa esto para nosotros y para nuestra comprensión de cómo el arte y la música están relacionados con el trabajo de procesos y la democracia profunda? Podemos decir que el arte y la música -al igual que la física cuántica y la psicología profunda- abrieron el campo para experimentar el misterio que se esconde tras la vida cotidiana. Gebser habla de “Aperspektivität” y “Achronon”, (Schübl, Hämmerli, y Gebser 2015, 443) lo que significa abandonar el patrón anterior de entender todo, no sólo en la música y las artes, sino en todos los ámbitos de la vida.

Concluyo este capítulo diciendo que la Mente Cuántica de Arnold Mindell, Ursprung und Gegenwart de Jean Gebser y el arte y la música contemporáneos con sus increíbles artistas, nos muestran formas de seguir nuevos viajes de conciencia para volver a casa, a nuestro verdadero yo, a nuestra totalidad.

En este momento me gustaría compartir con ustedes algo de mi música favorita, trabajando en otra forma de entender el tiempo.

Las obras de Schönberg y Webern, escritas a principios del siglo XX, expresan la música en tan poco tiempo, que el tiempo parece suspendido:

• Arnold Schönberg: 6 Kleine Klavierstücke (Schonberg 2008)
• Anton Webern: 6 Piezas para gran orquesta, Op.6 (Webern, s.f.)

Debussy te adentra en una música que requiere dejarse llevar, localizar lo que escuchas:

• Claude Debussy: Juegos (Debussy 2016)

Lili Boulanger siguió un camino similar, pero falleció demasiado pronto. Me encantan sus obras escritas en su juventud. Fue pionera como mujer en un mundo de compositores masculinos.

• Lily Boulanger: D'un soir triste (Boulanger 2012)

La siguiente música de otras culturas y épocas también tiene otro enfoque del tiempo. De la música india aprendí el sinfín del tiempo y el espacio:

• Zakir Hussain y Rakesh Chaurasia: EtnoKraków Rozstaje ROZSTAJE (Zakir Hussein y Chaurasia 2015).

Hildegard von Bingen fue una maravillosa sanadora y compositora de la Edad Media. Su música me lleva directamente a la esencia.

• Hildegard von Bingen: Hortus Deliciarum (Hildegard von Bingen 2017)

Volver a la práctica

No quiero terminar estos capítulos sin invitarte a hacer una pequeña experiencia con tu voz o con cualquier objeto sonoro que tengas justo donde estás.

Experiencia básica 2: u y x y música

1. Por un momento, deja lo que estés haciendo en tu vida cotidiana
2. Siéntate o ponte de pie cómodamente, respira un poco
3. Intenta abrir un poco tu mente
4. ¿Hay algo que estés disfrutando en este momento?
5. Descríbalo y disfrútelo
6. Encuentra un sonido para esto, algo corto (melodía corta, ritmo, ruido )
7. ¿Hay algo que te resulte incómodo, que no te guste, que te moleste o perturbe en este momento? Descríbelo y encuentra un sonido como los mencionados anteriormente
8. Ahora, combina los dos sonidos y crea una pequeña pieza musical a tu manera creativa. No hay reglas especiales para hacerlo.
9. ¿Qué le dice esta música? ¿Alguna idea?

Mi percepción cuando hice este ejercicio: La música es la esencia más allá de la polaridad. Ahí noto una cualidad vitalizadora, que me hace ligero y flexible.

La primera música U que llamé Balcón - es una música del espacio. El motivo repetido expresa el apoyo al aquí y ahora sin ninguna dirección.

La segunda música X que llamé Presión - expresa ir hacia adelante, empuje, energía. Esta música requiere más energía en mi cuerpo. Hay una dirección.

La combinación de las músicas X y U expresa la fluidez vital. Cantando esto, mi cuerpo se siente “en la onda”, lleno de una presencia física y me hace despertar.

Me ayudó en mi vida diaria a vivir mis días de forma más congruente, sentí más confianza en mí misma al sentir la combinación de estas dos energías en y a través de mi cuerpo.

Llegados a este punto, te invito a escuchar una pequeña demostración: una breve pieza musical que he compuesto con estos elementos X y U. Espero que esto te anime a probar el ejercicio, aunque no tengas conocimientos musicales formales.

• Escuchar Soundcloud (Schatzmann 2018c)
• Balcón (Schatzmann 2018a)
• Presión (Schatzmann 2018b)
• U y X (Schatzmann 2018d)

Aquí están mis reflexiones personales en Soundcloud:

1. Lo que me gusta: Sentarme en el balcón, el tiempo infinito, el verano
2. Perturbación: Presión interior de los proyectos venideros
3. Combinación: En Balcón mi voz es tranquila, un poco interminable, una especie de monotonía. En Pressure, el motivo musical es una especie de ruido de empuje. En X y U el motivo musical de presión cambia con la voz de Balcony de un lado a otro, desplegando este proceso musicalmente la voz desarrolla otro timbre, más canto con voz de pecho, eso significa para mí más energía pero en una expresión relajada.
4. Insight para mi realidad cotidiana: La presión estimula, y la relajación influye para que la presión sea más alegre.

Parte 2: Los artistas y su impulso por volver a casa

Capítulo 1: Introducción

A continuación les invito a seguir un viaje a través de la vida y obra de tres artistas especiales que han sido cruciales para mí en mi desarrollo. Mi objetivo aquí es estudiar a estos artistas juntos, y sus enfoques particulares de volviendo a casa.

Como ya he mencionado, cuando hablo de arte, hablo de Process Work, y hablo de Process Work siempre que hablo de arte. Además, mencioné que el arte y la música, así como el Trabajo de Proceso siempre me han llevado volver a casa. Ahora quiero estudiar cómo estos artistas y sus obras pueden ser un camino de vuelta a casa para cualquier persona interesada, y cómo su enfoque está conectado con Process Work y Deep Democracy.

A primera vista puedo decir que el escultor Joseph Beuys creó un nuevo concepto de arte con la posibilidad de que cualquiera pueda seguir la libertad que da la creatividad. Por lo tanto, exploraré cómo ser libre y creativo puede entenderse como estar en casa.

Un segundo artista, el compositor John Cage, dio la vuelta al planteamiento de la composición occidental. Nos permite experimentar nuestro mundo y a nosotros mismos como un cosmos musical. Dentro de este cosmos todo está conectado a través del sonido, construyendo una enorme armonía. Podemos decir que volver a casa, al mundo del sonido -que no tiene fronteras- es una especie de hogar.

Conoceremos a Marina Abrahmovich, fundadora de una revolucionaria forma de actuación con modelos vivos en situaciones de confrontación, que muestran los fantasmas de la sociedad. Nos enseña a cruzar los bordes una y otra vez para nuestra transformación sin fin y a desprendernos de nuestros miedos enfrentándonos a nuestros dolores de forma directa y despiadada.

También comentaré algunas afirmaciones sobre el arte del autor Max Frisch, que expresa con palabras muy precisas la esencia del arte y cómo el arte está al alcance de todos. Alcanzando a través de él nuestra libertad de conciencia y experiencia sensorial, experimentamos una especie de hogar desde el que nos convertimos en artistas en la vida.

En los capítulos sobre Marina Abramovic y Max Frisch, incluyo el formato especial de proceso de grupo de Worldwork. Worldwork fue desarrollado por Arnold Mindell como modelo para trabajar la transformación colectiva (Schupbach 2007a). En estos capítulos estudiaremos el potencial de transformación y concienciación de algunos enfoques artísticos, especialmente el arte de la performance. La artista puede verse momentáneamente como un tipo especial de Worldworker - alguien que trabaja públicamente sobre temas que considera relevantes para la sociedad. A través de su obra muestra las diferentes caras de una situación, especialmente las marginadas. Para mí, esto significa que la artista representa una especie de “gran amor” (Schupbach s.f.), sobre el que profundizaré en estos capítulos.

En mi trabajo personal con la música, así como a través de mi estudio de los artistas que se tratan aquí, me di cuenta de que el arte puede ser un proceso de grupo para la construcción de la comunidad en un sentido más amplio, a veces muy directamente, a veces indirectamente. Hablaré de las performances de Marina Abramovic que se convirtieron en un proceso de grupo y mostraré en el capítulo sobre Max Frisch cómo podemos entender el proceso de grupo en cómo el campo revela la conciencia y la percepción sensorial a través de nuestra libertad de conciencia.

Todas estas expresiones del arte están profundamente conectadas con el Trabajo por Procesos, que guía nos devuelve a nuestro verdadero yo.

Capítulo 2: Joseph Beuys y todos somos artistas

El primer artista del que quiero hablar es Joseph Beuys, escultor, que vivió entre 1921 y 1986. En este capítulo explicaré el punto de vista de Beuys sobre lo que es el arte y describiré algunas de sus situaciones vitales para estudiar por qué desarrolló su nuevo enfoque del arte. Presentaré mis propias experiencias con su enfoque, y cómo fue mi hogar. También exploraré la conexión de su arte con el Trabajo de Proceso y la Democracia Profunda. He creado ejercicios para que te experimentes a ti mismo como ser creativo y estar en casa, a través de tu propia creatividad y siendo un artista en la vida.

Durante muchos años, Josef Beuys fue para mí como un maestro interior. Maestro interior significa que nunca le conocí en persona, pero fue mi maestro a través de sus obras. Su enfoque apoyó mis profundos anhelos sobre el arte, la música y la vida. Primero, me maravilló su arte. Luego recibí profundos impulsos para mi enseñanza de la música y para mí mismo como músico. Desde que descubrí el Process Work sentí una conexión entre su enfoque del arte y algunos aspectos del Process Work. Ahora quiero estudiarlo en estas páginas. Quiero explorar esta conexión y cómo su idea del arte es una manera de volver a casa con el verdadero yo.

Sus formulaciones más famosas del arte son:

todos artistas

Beuys y Bodenmann-Ritter 1988

y

arte = ser humano = creatividad = libertad

Marx 2009

Estas fórmulas ya nos dan una pequeña idea de cómo entendía el arte. Que todos sean artistas no significa que todos deban convertirse en pintores, músicos, bailarines o poetas profesionales. Beuys hacía hincapié en el potencial creativo de cada persona y afirmaba que el arte es una fuerza creativa capaz de cambiar el mundo. La cuestión central de este capítulo es cómo éste es un camino de vuelta a nuestro verdadero yo.

Sigamos primero algunas etapas de la vida de Joseph Beuys y algunas de sus numerosas declaraciones.

‘Ferner punkt’ y el mundo de las esencias

Durante la Segunda Guerra Mundial, Beuys sirvió en la marina. En una entrevista, habló de esa época como soldado de la marina (Joseph Beuys - Jeder Mensch Ist Ein Künstler (Retrato) 2011, 14.3). Le gustaba porque le daba una perspectiva desde el exterior, una visión de conjunto. No le gustaba la guerra, pero sí volar, porque le encantaba estar muy por encima de la tierra:

Ich fange ja auch heute oftmals Diskussionen damit an, indem ich sage, stellen Sie sich vor, Sie seien an einem sehr sehr fernen Punkt und schauten auf die Erde herunter. Was würde Ihnen am allerwichtigsten scheinen, vom Allerwichtigsten dann zu den Details. Also immer zuerst das Unmittelbare, Hervorstechendste, Allerwichtigste und dann annähern an die Details.⁴

El ferner punkt (traducción: punto más lejano) puede entenderse como una especie de mundo de la esencia en términos de Process Work. Aún no hay polaridad, por lo que Beuys puede decir “ahí reconoces lo más importante, lo más obvio” y yo añado, esta zona es una perspectiva no dualista como el nivel de la esencia en términos de Process Work.

Tras un accidente aéreo como soldado, al que sobrevivió, contó la siguiente historia:

Los tártaros lo recogieron y lo curaron. Fue una experiencia iniciática (Joseph Beuys - Jeder Mensch Ist Ein Künstler (Retrato) 2011, sec. 13.54): No habló con muchos detalles al respecto. Por lo tanto, algunos creen que podría tratarse de una leyenda. Para mí no es importante si esta historia es una leyenda o no. Desde la perspectiva del Trabajo por Procesos, digo que es cierta en cierto nivel. Es cierto que en el mundo real tuvo un accidente aéreo en la isla de Crimea, pero no es seguro que los tártaros lo recogieran y lo curaran. Por eso los expertos lo discutieron sin parar. Como punto de vista alternativo, pregunto: ¿quién sabe lo que ocurrió durante su accidente aéreo? ¿Podría haber sido una experiencia a otro nivel, una experiencia en un mundo paralelo, como un viaje chamánico? Parece que se inspiró en este viaje, y lo que probablemente fueron sus experiencias interiores aparecieron más tarde en su arte, especialmente en lo que se refiere al material con el que trabajaba y a su visión de cómo se encarna una idea.

Primero estudió ciencias, pero no quedó satisfecho. Entonces probó el camino a través del arte, buscando respuestas a sus preguntas. Tras una enorme y peligrosa crisis, continuó su trabajo como escultor y desarrolló un enfoque revolucionario de la escultura. No quería la forma acabada, sino que el proceso escultórico desembocara en formas autónomas. El término escultura lo amplió a ámbitos filosóficos y sociopolíticos.

Sus obras tienen algo de chamánicas y cada vez utilizaba más la forma de acciones y performances para los procesos escultóricos. En Europa y EE.UU. el movimiento Fluxus conmocionó a la sociedad con un nuevo arte llamado “Performance Art” y “Fluxus” (Harlan, Rappmann y Schata 1984, 55) y aportó importantes impulsos para nuevas expresiones en el arte. Como miembro, Beuys influyó significativamente en este movimiento.

Acciones muy famosas ocurrieron durante la Documentas, una exposición internacional recurrente en Kassel, Alemania. En el recinto de la Documenta se colocó una gran cantidad de 7.000 piedras de basalto y semillas de roble. La gente podía comprar un roble y una piedra, y los árboles se plantaron por toda la ciudad. Hoy todavía podemos ver las piedras y los robles. En general, Beuys trabajaba con materiales que tenían cualidades de cambio y transformación.

Creó numerosas obras, acciones, debates y discursos. También cofundó el Partido Verde en Alemania, el Omnibus für Direkte Demokratie -una iniciativa itinerante de concienciación pública- y muchos otros proyectos.

Ahora veremos algunas de sus convicciones y visiones del arte en nuestra investigación volver a casa con nuestro verdadero yo y combinarlo con aspectos de Process Work y Deep Democracy.

Josef Beuys criticó duramente los principios académicos tradicionales y a los artistas, instalados en una cómoda burbuja. Una de sus afirmaciones más contundentes es la siguiente (Burckhardt 1994, 55):

Wenn du ein waches Auge hast, kann du sehen, dass jeder Mensch ein Künstler ist. Ahora estoy en Madrid y he visto cómo las mujeres que trabajan en la industria del mueble son grandes genios. Así se entiende el arte de hacer su trabajo y lo que hacen para ganarse la vida. El ser humano sabe que son portadoras de una humanidad futura. Und ich habe etwas bei den Müllabfuhrleuten gesehen, was ich bei den Scheisskünstlern vermisse, denn Künstler sind zum grossen Teil opportunistisch, sie sind Arschlöcher, das muss ich jetzt auch mal sagen. Die Künstler sind die reaktionärste Klasse.
Eigentlich gibt es ja keine Klassen mehr, aber die Künstler sind so reaktionär, dass sie schon fast wieder eine neue Klasse bilden.⁵

Se trata de una afirmación muy provocadora de Beuys y la cito aquí porque quiero destacar que postuló un nuevo término de arte: Der “erweiterte Kunstbegriff” - un concepto ampliado del arte. Para él, las antiguas formas de ver a los artistas ya no eran relevantes. Rechazó el término genio por pertenecer a unos pocos artistas famosos y ampliamente aceptados en la sociedad, por ejemplo los de épocas anteriores de los siglos XVIII, XIX y XX.

Todavía hoy rendimos homenaje a la antigua concepción del genio, que en mi opinión no está equivocada. Pero esta actitud margina el potencial de cada uno para ser un genio a su manera. Margina especialmente la posibilidad de libertad en cada uno como impulso para la creatividad, como dice Beuys en su fórmula arte = creatividad = ser humano = libertad.

La identidad de artista solitario ya no era útil para Beuys porque estaba desconectada de las exigencias de los tiempos actuales. En su opinión, todo ser humano es un artista y un genio y tiene el potencial de cambiar el mundo con su genio interior. Beuys proclamó este potencial como arte.

Durante mis estudios de música en la década de 1980, sus puntos de vista y convicciones y sus firmes declaraciones fueron una revelación, aunque desde mi punto de vista todavía no podían formularse de forma global. Desde el punto de vista de Deep Democracy, todos los puntos de vista y todos los papeles son importantes. El artista solitario es como un papel - por ejemplo artistas como Joseph Beuys. Pero estar congelado en el sistema de creencias de los artistas de los siglos XVIII y XIX de la cultura occidental, marginaba las nuevas formas de arte. Por eso, durante mis estudios de música como estudiante, la obra de Beuys me nutrió para mi propio camino.

Por aquel entonces, estudiaba música y no soportaba esos viejos patrones de los artistas. A menudo sentía que venía de un planeta extraño. Después de mis estudios básicos de música, me di cuenta de que estaba al principio de un nuevo y largo viaje a alguna parte o a ninguna parte. De nuevo, me planteé la pregunta: ¿Tiene sentido? ¿Para quién? ¿Es mi obra musical l'art pour l'art - sólo arte por el arte? Buscaba otro enfoque que también incluyera mi conexión con el mundo, con todos sus problemas; e incluyera mi conexión para buscar quiénes estamos aquí, adónde vamos y, sobre todo, cómo tratar mejor al planeta, a los seres vivos y a nosotros mismos. Dicho de otro modo: Buscaba un camino de vuelta a casa a una verdad interior y Beuys fue mi maestro durante una parte concreta de mi viaje.

De la percepción pura al concepto

Estudiemos ahora cómo imaginaba Beuys el origen de todo. Beuys habla de nuevo (Joseph Beuys Harlan 1988):

El arte es el elemento del mundo que hace que el hombre se dé cuenta de que es el punto en el que algo entra en el mundo, en el que algo se produce, algo que siempre es nuevo, también evolutivo.⁶

Y de un vídeo he sacado esto (Joseph Beuys Über Den Erweiterten Kunsbegriff 2016):

El arte o la creatividad es el punto de donde proceden todos los fenómenos. Es la zona en la que algo llega al mundo material desde algo extrasensorial, desde una zona que aún no está en el mundo material. Esto tiene que ver con el pensamiento y con la libertad.

¿Por qué libertad? Porque en esta zona somos libres, aún no estamos atados a una determinada identidad o sistema de creencias y aún no estamos implicados en las complicaciones e intereses cotidianos. La forma en que Beuys describe esta zona puede compararse con el nivel de esencia de Arnold Mindell. El nivel de la esencia, al igual que la descripción anterior de Beuys, es una zona que está más allá de las polaridades, más allá de las luchas de nuestra vida cotidiana. Este mundo de esencia es un espacio de libertad en el sentido más profundo.

Compárelo con el campo intencional, un término que Arnold Mindell creó cuando trabajaba en la conexión entre la física y la psicología. Amy Mindell habla del estudio de Arnold Mindell en su libro The Dreaming Source of Creativity: (Amy Mindell 2005)”:

Describió este campo como una fuerza generadora y creativa que siempre está presente dentro de nosotros y a nuestro alrededor.

En este ámbito de fuerza creativa, Beuys no sólo ve la Libertad, sino también el Pensamiento.

Beuys estaba muy vinculado a Rudolf Steiner, fundador de la antroposofía. Estudió la obra de Steiner y la utilizó parcialmente como trasfondo de su arte. En su tesis doctoral titulada Filosofía de la libertad, Steiner explora la esencia del pensamiento y la libertad (Steiner 2018). Afirma que la percepción necesita del pensamiento, porque el pensamiento nos permite tomar conciencia de lo que percibimos. Beuys concluye que el pensamiento transforma nuestras percepciones en conceptos.

Con Arnold Mindell podemos decir que ganamos algo y perdemos algo, a saber, el Tao que no se puede hablar (Arnold Mindell 2012, cap. 2). El significado del Tao que no se puede hablar es que en el mismo momento en que reflexionamos sobre algo en el nivel de la esencia, nos desconectamos parcialmente de ello. Mindell describe que cuando, por ejemplo, contamos las ovejas en un prado, en cierto modo perdemos la oveja, la oveja en su esencia.

Steiner y Mindell nos enseñan el entrelazamiento entre percibir y pensar y cómo esta relación nos da la posibilidad de la libertad. Por ello, Beuys habla del pensamiento como si ya fuera una escultura (Harlan, Rappmann y Schata 1984, 61). Para él, la percepción es la base de un proceso de pensamiento y el proceso de pensamiento es una especie de escultura. Podemos ver aquí el nivel de la esencia como un mundo de pura percepción, que luego se diferencia a través del proceso de pensamiento. En el Trabajo de Proceso, tal y como yo lo entiendo, se hace más hincapié en la conciencia que en el pensamiento. Creo que el término de Steiner de pensar es comparable con la conciencia en el sentido orientado al proceso de Mindell.

Beuys y la identidad fluida

Beuys dijo que el arte, tal y como se practica en la época de estos debates, de los años 60 a los 80, es algo que vive en un nicho, un planeta especial, al que sólo tienen acceso unas pocas personas, y tiene toda una historia de privilegios. Mucha gente estaba excluida del arte. Beuys, por el contrario, quería entrar con su arte en el centro del mundo, en medio de la sociedad.

Postulaba que la creatividad de cada uno es la fuerza de transformación del mundo. Este fue su erweiterter Kunstbegriff - su concepto ampliado del arte. Combinó su lema todo artista con su fórmula Arte es Ser Humano es Creatividad es Libertad. Podemos decir que Beuys trabajaba con una identidad fluida de transformación continua. Esto es creatividad y un proceso escultórico de libertad, que cambia el mundo en cada momento.

Beuys dijo además (Harlan 2011, 13):

... por lo tanto es, lo que esculpo, no fijo y completado. Los procesos continúan: reacciones químicas, procesos de fermentación, putrefacción, deshidratación

Hizo hincapié en el proceso y la transformación al trabajar con materiales que siempre cambian, como la grasa y el aceite. En la Kunsthaus de Zúrich hay una sala con la obra Olivestone (Klophaus 1993) una maravillosa escultura con dos enormes vasijas de piedra llenas de aceite de oliva. Hace poco leí que el museo había cambiado el aceite mediante un complicado y costoso procedimiento. ¡Qué malentendido con Beuys! Creo que él nunca habría aceptado hacerlo. Me imaginé el lugar con este aceite, cambiándose continuamente, oliendo cada vez más fuerte y penetrando en las paredes para que la idea se extienda. Es una imagen poderosa de cómo las visiones se encarnan y se extienden.

Hizo hincapié en el proceso y la transformación al trabajar con materiales que siempre cambian, como la grasa y el aceite. En la Kunsthaus de Zúrich hay una sala con la obra Olivestone (Klophaus 1993), una maravillosa escultura con dos enormes recipientes de piedra llenos de aceite de oliva. Hace poco leí que el museo había cambiado el aceite mediante un complicado y costoso procedimiento. ¡Qué malentendido con Beuys! Creo que él nunca habría aceptado hacerlo. Me imaginé el lugar con este aceite, cambiándose continuamente, oliendo cada vez más fuerte y penetrando en las paredes para que la idea se extienda. Es una imagen poderosa de cómo las visiones se encarnan y se extienden.

En resumen, Beuys se interesa por el potencial de todos los seres humanos. Hace hincapié en la libertad, la transformación, el movimiento, los procesos de pensamiento y los procesos de concienciación. Nada está terminado, sino siempre en un flujo continuo. ¿Reconoces la descripción de Process Work, de la Introducción? Más adelante estudiaremos la conexión entre Beuys, Process Work y Deep Democracy.

Podemos decir que el concepto ampliado de arte de Beuys trabaja en el proceso que va de la esencia creativa a la manifestación sensorial de base en nuestra vida cotidiana. Para Beuys, esto es arte con un nuevo significado. Esto incluye también el término utopía, que menciona a menudo, por la cualidad de esencia donde comienza la creatividad y donde vive el aspecto de libertad de todo ser humano. Beuys trabajaba con utopías y quería que se hicieran realidad. Tenía una personalidad muy intensa y dio su vida por esta utopía de erweiterter Kunstbegriff y todo el mundo es un artista.

El planteamiento de Joseph Beuys fue un impulso crucial para mi propio trabajo. Si todo el mundo estuviera incluido en el mundo de las artes, llegaría a la conclusión de que todo el mundo pertenece a este mundo, todo el mundo está invitado a crear, a formar parte de un mundo creativo. Este impulso fue una gran motivación para desarrollar mi camino con la música y con la enseñanza de la música. Me sentía como en casa, invitando a todo el mundo a tocar el piano, a encontrar su propia música y su manera de tocar el instrumento. Por lo tanto, la improvisación tuvo un gran espacio en mi trabajo. También llegué a la conclusión de que practicar música prepararía a todo el mundo para ser más creativo en su vida. No era necesario progresar mucho tocando el piano como en la forma tradicional. Era crucial que cada músico que trabajara conmigo tuviera la posibilidad de descubrir su creatividad más profunda, volver a casa con el verdadero yo.

El concepto ampliado de arte me sirvió personalmente de guía para ampliar mi comprensión del trabajo en el ámbito de la educación. Beuys habla de la creatividad del ser humano como la única fuerza revolucionaria (Harlan, Rappmann y Schata 1984, 59). Estudiar su obra me llevó a mi propia forma de enseñar música. Si era capaz de apoyar a mis alumnos hacia su creatividad más profunda en la música, imaginaba que podrían utilizar la fuerza de su creatividad para su proceso vital.

La relación entre Beuys y el Process Work, Deep Democracy y Worldwork: esculpir el mundo

Ya he mencionado que los tres niveles consistentes en la esencia, el país de los sueños y la realidad consensuada son comparables a la visión de Beuys sobre cómo se encarna una idea. Ahora vamos un paso más allá en la exploración de esta conexión.

Sobre la escultura social, Beuys destaca que su fórmula es una forma de crear y cambiar el mundo. De ello deduzco que la creatividad de todos construye una escultura social. Si seguimos su fórmula, Arte = Creatividad = Ser Humano = Libertad, ¿es posible seguir resistiéndose al cambio, es posible decir, ¡Oh, no puedo hacer nada! La fórmula de Beuys requiere todo nuestro ser. Pero, ¿cómo ser creativo? ¿Cómo ser libre, cómo ser un ser humano que llene esta fórmula sin ser forzado a algo? Exactamente en el punto de estas preguntas y problemas, afortunadamente, el Process Work entró en mi vida.

El paradigma del Trabajo por Procesos y la Democracia Profunda me sirvió de puente para llevar mi creatividad a la vida cotidiana, al escenario y a mi labor docente de una forma increíblemente gozosa. Aplicando el Process Work, sigo un flujo interminable de información, familiar y desconocida. Cada fragmento de información, cada papel, cada voz y cada ambiente son importantes. Esto nos permite ser libres en cada situación, incluso si notamos que no somos libres, seguimos teniendo la libertad de notarlo.

La experiencia continua a través de todos los niveles de conciencia y el campo intencional como un hogar para todo lo que quiere emerger, fue una manera impresionante de sentir esta fórmula de Beuys en su esencia. Arnold Mindell escribe (Arnold Mindell 2014a):

La Democracia Profunda es nuestra sensación de que el mundo está aquí para ayudarnos a ser nosotros mismos, y que nosotros estamos aquí para ayudar al mundo a ser completo.

Experimento la conexión entre Beuys, Process Work y Deep Democracy de la siguiente manera:

Lo que yo entiendo de Beuys es que establece impulsos importantes, y veo el Trabajo de Proceso y la Democracia Profunda como un requisito necesario e impresionante y una forma de ser artista al tomar conciencia de todos los puntos de vista, no sólo de los que me gustan. Esto crea un sentimiento de estar en casa al estar entero y no fragmentado. Lo que creo aparece entonces a través de este sentimiento de estar en casa. El trabajo procesual y la democracia profunda me abrieron la puerta a una comprensión más profunda y amplia del significado que hay detrás de todo el mundo un artista. Siguiendo el planteamiento de Beuys sobre el arte, aprendí de la Democracia Profunda a permitir que todas las voces que hay en mí creen algo, en el trabajo en equipo a permitir todos los puntos de vista. La Democracia Profunda es un marco amplio y permite un enfoque profundo para todo el mundo es un artista. En este sentido, ahora me siento de nuevo en casa.

Mi conclusión

El ser humano como creador, crea junto con la familia del mundo la gran escultura del mundo, llena de diversidad, libertad, estancamiento, poder y demás, en una transformación permanente en cada momento. Esta imagen detrás de mi actuación en este mundo como ser humano trae mis deseos más profundos al mundo. También siento la responsabilidad de ser este co-creador del mundo. Decir que somos responsables del mundo no es nuevo, pero imaginemos que el mundo es una escultura cuya forma comienza en el mundo supersensorial - en la Cábala llamado kether (Leuenberger 1984), en el Taoísmo llamado Tao (Laotse 2010) y en el paradigma del Process Work se llama esencia. Desde esta fuente creativa supersensorial, la esencia de la escultura se mueve a través de los diferentes niveles.

En la Cábala, por ejemplo, kether se desplaza por el camino del Árbol de la Vida. En el Process Work, la escultura pasa de la esencia al mundo de los sueños y a la vida cotidiana. La esencia resuena en todas las dimensiones, como un tono con sus sobretonos: el sonido que es audible en nuestro mundo material y tiene sobretonos que llegan a una dimensión en la que ya no es audible, pero sigue siendo un sonido.

Esta imagen me conecta con un enorme sentimiento de co-creación como parte de la familia mundial, que incluye a los animales, la naturaleza, la tierra y el universo. Esta es una escultura material y espiritual y nosotros somos los co-artistas que la construimos de nuevo cada día.

Aquí me siento de nuevo en casa - en casa cocreando, sintiendo la responsabilidad de cada ser humano buscando una y otra vez nuestro verdadero hogar, permaneciendo en todas las dimensiones, sintiéndolo y formándolo. Todo esto puede verse como arte y cada uno es el artista que co-crea el mundo. A través del arte, cada uno es de vuelta a casa a su verdadero yo más profundo.

Canal Arte y Mundo

¿Es todo ser humano un artista? Beuys habla de los basureros de Madrid como artistas y seres del futuro. ¿Qué querrá decir con esto? Beuys nos dice que el arte es creatividad. También dice que la creatividad es la fuerza principal del mundo y que, en este sentido, todo el mundo puede ser artista. Esto me lleva a las siguientes preguntas:

Si seguimos el paradigma de Beuys, ¿podemos decir que el arte y la música ya no son necesarios porque sólo la creatividad es arte? ¿Cuáles son los criterios y los requisitos para ser un artista en la vida y ser libre para crear, ser nuestro verdadero yo para crear algo directamente desde nuestra esencia, desde nuestro ser en casa? ¿Cómo asegurarse de que este enfoque no acabe en hacer arbitrariamente cualquier cosa y llamarlo arte? Dicho de otro modo, ¿es arte hacer una tarta?

El arte siempre se ha compartido con el mundo, con el público. También Beuys habla siempre del arte en términos de cambiar el mundo. En Process Work hablamos del mundo como un canal. Por eso digo que el arte está conectado con el canal del mundo.

Estamos acostumbrados a ver como artistas a pintores, músicos, actores y poetas que trabajan públicamente. Pero, ¿también consideramos artistas a agricultores, maestros, artesanos, basureros, etc.? Beuys diría que sí, en el sentido de verlos como cambiadores del mundo. Cambiar el mundo es un concepto innato en el arte de Beuys.

Podemos imaginarnos, por ejemplo, a los granjeros que toman un camino distinto al de la agricultura tradicional. Cuando me sentía atrapado en la rutina diaria de mi granja, me frustraba porque me faltaba algo artístico. En esos momentos, mi socio y yo creábamos algo nuevo, algo desconocido y lo compartíamos con el mundo. En esos momentos volvía a sentirme en casa. Sentí el arte detrás de la agricultura y el arte era y es mi hogar. Así que hornear algo en sí mismo no es arte, pero con una idea detrás que marque la diferencia en el mundo, hornear puede considerarse arte. El arte quiere compartirse y marcar la diferencia; el hogar del arte es fluido y, por tanto, está conectado con el cambio continuo.

La fabricación del queso como arte

Estoy pensando en un ejemplo de un trabajo supuestamente mundano, que puede verse como arte. Mi socio y yo creamos un nuevo tipo de queso y lo llamamos formaggini. Era absolutamente desconocido en nuestra zona montañosa. Trabajamos con un grupo de agricultores en una tienda para turistas con nuestros productos hechos a mano. Los otros agricultores no nos entendían con este quesito. Esperaban que nadie comprara estos formaggini. Pero el mundo reaccionó de otra manera. Los clientes estaban asombrados y los visitantes acudían a nosotros para aprender en nuestra alp cómo producir formaggini ellos mismos.

Los visitantes empezaron a ampliar su identidad a través de la agricultura, la alimentación y sus posibilidades de apoyar la agricultura biológica como cliente. De este modo cambiamos un poco el mundo que nos rodeaba. Para mí, esto era un acto de arte, y estos formaggini eran en ese momento obras de arte.

Desafiamos al mundo que nos rodeaba a cambiar, y surgieron diferentes roles que crearon conflictos. Nuestro hogar estaba destinado a cambiar algo, a salir de la rutina, a probar algo desconocido que iniciara nuevas energías. Ahora este cambio que hicimos se ha convertido en algo normal y corriente. Ahora otros agricultores también hacen formaggini. El mundo cambió en la vida cotidiana y la identidad del valle en el que vivo cambió al menos en una pequeña parte en la forma de hacer queso. En este sentido, cambió algo en la corriente dominante. Yo diría que el momento del formaggini como arte ya ha pasado. El arte del formaggini ya es historia en mi zona. Es hora de volver a crear algo desconocido para cambiar un poco el mundo y crear un nuevo hogar una y otra vez.

Los basureros y nuestra actitud artística cotidiana

¿Y ahora qué pasa con los basureros?

Cuando Beuys habla de los basureros, ¿podría ser que notara algo lleno de vida, algo significativo en su actitud, permaneciendo cerca de su trabajo como algo importante en sus vidas y en las de los demás? En ese momento se construye una escultura. ¿Podría ser que Beuys, observando a estos trabajadores, tomara conciencia del tema de la basura en el mundo y experimentara una nueva percepción, que cambiara algo en su interior? ¿Vio en ese momento una obra de arte en los basureros y lo que esta obra puede cambiar? ¿Podría ser que tuviera la intuición de que este arte incluye al observador que se da cuenta de este aspecto del arte en la vida cotidiana? Ya no podemos preguntarle a Beuys, pero podemos seguir esta idea y soñar con este aspecto de los basureros, diciendo por ejemplo:

El arte comienza como un coqueteo cuántico detrás de algo que noto en medio de la vida cotidiana. Este flirteo es algo que me detiene, y trae un algo más grande hacia mí, con una fuerza que está detrás de todas las manifestaciones. Esto puede ocurrir con obras de arte tradicionales, pero también en ámbitos que normalmente no vemos como arte. Así que la fuerza que hay detrás de todo es el arte. Desde esta perspectiva puedo decir que vivir con la actitud el arte puede estar en todas partes, requiere un tipo de atención que incluya los tres niveles de conciencia: La realidad cotidiana consensuada, el país de los sueños subjetivos y la esencia creativa.

Practicar el arte y el trabajo de procesos

Ahora surge la siguiente pregunta: ¿Cómo podemos experimentarnos como artistas, como cocreadores y escultores de nuestro mundo cotidiano? ¿Cómo podemos evitar caer en la misma trampa en cada discusión sobre arte diciendo: “Está bien leer sobre esto, pero yo no tengo talento, no soy creativo”? ¿Qué hacer?

Primera respuesta: Si todo el mundo es un artista y este enfoque no necesita las formas tradicionales del arte, no hay manera de escapar. Somos seres humanos, por lo tanto somos artistas y como seres humanos también estamos conectados con los tres niveles de conciencia de la fuente creativa, y por lo tanto somos artistas.

Segunda respuesta: Hacer arte en las llamadas zonas tradicionales es posible para todo el mundo. Estas zonas son una forma maravillosa de acceder directamente al nivel de la esencia, porque este es el hogar del arte.

Desde mi punto de vista, no hay Process Work sin música, danza, poesía, teatro, pintura, dibujo, performance, etc. y no hay expresión artística sin el proceso de flujo de información. El Process Work es la manera de dejar que el proceso de información se desarrolle de forma creativa.

Resumen

A través de una comprensión ampliada del arte nos descubrimos como seres humanos creativos.

Como seres creativos conectamos con nuestra libertad.

En medio de todo podemos sentirnos en casa, conectados con nuestra cualidad esencial de cocreadores de nuestro mundo.

Volver a la práctica

El Process Work nos ofrece herramientas increíbles para experimentar nuestra creatividad. De entre muchos libros, uno al que quiero referirme es Dreaming Source of Creativity (Amy Mindell 2005). En él encontrarás muchos ejercicios para descubrir tu creatividad.

A partir del planteamiento de Josef Beuys, te propongo dos ejercicios para que los pruebes: Utopía Formación, y La materialización de una visión.

El primero, Utopia Training, es un pequeño ejercicio para aprender a moverse con más fluidez entre los distintos niveles de conciencia. Está relacionado con la idea de Beuys mencionada anteriormente -el ferner punkt (punto más lejano)-, que para mí es sinónimo del nivel de esencia. Este ejercicio puede utilizarse especialmente cuando echas de menos inspiración y emoción en tu vida cotidiana.

Utopia Training, esculpir su mundo

1. Observa tu vida cotidiana y piensa en un área en la que eches de menos inspiración y emoción.
2. Respira un poco, relájate, déjate llevar por el sueño, la niebla.
3. Imagina que estás muy lejos de la Tierra, o muy lejos de tu situación cotidiana.
4. Mira a tu alrededor. ¿En qué te fijas? ¿Hay algo que te parezca especial y atractivo? ¿Es toda la escena o un aspecto concreto?
5. Intenta entonces desprenderte de la frontera que te separa de esta zona hasta que sientas que eres la propia zona. Olvídate de tu vida cotidiana. (Esto puede llevar un poco de tiempo). Ahora conviértete en este lugar. Ahora eres este lugar.
6. Como este lugar (que eres tú), ¿qué característica o cualidad notas que eres? Disfrútalo. Este lugar está lleno de creatividad sin límites. Como este lugar, explora tu cualidad que difiere de tu yo cotidiano. Sé ahora esta nueva cualidad, disfrútala, muévela, déjala sonar.
7. Desde esta nueva perspectiva, examina el tema que te planteaste en el paso 1. ¿Hay un punto principal, un aspecto general que tú como este lugar notas? ¿Cuál es el punto más importante desde tu perspectiva ahora? ¿Cuál es el aspecto inspirador?
   
   Este aspecto puede ser algo más grande de lo que normalmente eres capaz de darte cuenta en la vida cotidiana. No te preocupes, ahora eres este nuevo yo por un momento y no un ser en la vida cotidiana.
8. Después de dar suficiente espacio a lo que este nuevo yo te está diciendo, crea como este yo algunos pasos siguientes que se acerquen a la inspiración, las ideas, las realizaciones. ¿Qué podría cambiar en el mundo al realizar estos pasos?
9. Intenta esculpir esto ahora en una especie de obra de arte:
   
   Coge material para darle forma, encuentra un sonido para construir una pieza musical, invita a la gente a compartir tu idea, escribe un poema, haz una performance, etc.

Ejercicio: Plasmación de una visión

Este ejercicio quiere darte la oportunidad de explorar tu artista interior y realizar con este artista interior tus visiones y planes. Aquí me refiero al arte como un viaje que comienza en un mundo súper sensorial. El nivel de esencia en el Process Work o ferner punkt de Beuy puede apoyarte a trascender tu mente cotidiana, volviendo a casa contigo mismo, y desde ahí crear una visión. El ejercicio tiene dos partes y puedes trabajarlo durante un periodo de dos o más días para profundizar en tus visiones. El ejercicio te ayuda a encontrar un gran plan o una gran visión. También puede utilizarse para cambios profundos en tu vida.

Primera parte:

1. Piensa en un plan, una visión o un sueño que no has podido hacer realidad porque, o bien no creías que fuera posible, o bien aún no era el momento adecuado para llevarlo a cabo. Algo quedó en el aire, algo te detuvo, no había suficiente voluntad y energía. Pero ahora quieres ir a por ello.
2. La visión, el plan: Observa primero la visión general, que puede ser vaga, un sentimiento, una imagen interior o cualquier otra cosa. Toma algunas notas y luego apártalas.
3. Déjese llevar a un lugar muy alejado de su vida cotidiana (el ferner punkt de Beuys).
4. Mira alrededor de este lugar, disfruta de su calidad especial. Siente, muévete, escucha la calidad y conviértete cada vez más en esta calidad. Como este lugar con esta cualidad especial, tú eres la fuerza detrás de tu visión. ¿Cómo es ser esta fuerza? ¿Cuál es su carácter distintivo?
5. Como este lugar, como esta fuerza mira tu visión. ¿Cuál es la razón más importante para realizar esta visión o plan? ¿Qué hay detrás? ¿Cuál es la esencia de la visión o el plan?
6. Ahora, como esta fuerza, elige un medio y -sin dejar de ser esta fuerza- da forma a la esencia de tu visión. Pinta, suena, muévete, escribe como esta fuerza. Si es sonido: haz una cinta o escribe la partitura de la música, si es movimiento, haz una película. Como esta fuerza, eres el artista que crea una obra de arte.
7. Date el tiempo suficiente para crear esta obra de arte. Tú como este artista estás lejos de tu yo cotidiano, vuelas más allá de los bordes y creas como un artista famoso. Tú eres ahora el artista y este artista es el creador, que lleva la fuente de la visión a una forma audible, visible, tangible.
8. Después de terminar. Déjelo al menos un día.

Segunda parte:

1. Al día siguiente, mira, escucha o lee lo que has creado como si fueras un observador, no el creador. Deja que surjan tus inspiraciones como si estuvieras en una exposición, en un concierto o en una representación.
2. Intenta descubrir qué parte de esta obra de arte no se parece a tu yo cotidiano. Quizás más grande, más loca, más extraña, etc. ¿Cuál es la diferencia entre tú y esta parte especial de tu obra de arte? Fíjate en el artista que la ha creado. Describe a esta artista como si la estuvieras describiendo para un anuncio.
3. ¿Quién es esta artista, cuál es su calidad? Imagina por qué el público adora a esta artista.
4. Crea un movimiento de manos para la cualidad especial de este artista y repítelo hasta que tengas una especie de percepción de cómo tu artista interior te apoya en tu vida cotidiana y en la realización de tu visión.
5. Celebra el nacimiento de tu nuevo artista interior, báilalo, muévelo, cántalo, etc.
6. ¿Cuáles son los siguientes pasos para hacer realidad su visión?

Para poner a prueba este ejercicio, pedí a Ruth, una amiga, arquitecta y artista, que trabajara en él conmigo.

No hizo la primera parte porque su visión ya estaba fijada, pero le interesaba la segunda parte del ejercicio. Su visión es realizar una exposición de sus obras de arte. Es algo nuevo para ella, porque es arquitecta y hasta ahora sólo creaba en su tiempo libre.

Esto es lo que descubrió:

Parte 2

Con el objetivo de averiguar qué hay en mis obras, además de mi trabajo como arquitecto y planificador, veo que, gracias a la perfección con la que están hechas mis obras, lo lúdico, lo intuitivo, lo organizativo y lo artístico llegan a su punto álgido. Ich sehe auch das Lustvolle, das Witzige, die kindliche Freude am Spiel und erfahre die Leichtigkeit, nichts falsch machen zu können.

Daraus entwickle ich eine Handbewegung, dieses Spielerische, was ist es? Ich bewege mich, ich bewege meine Hände, daraus entsteht ein Ballspiel. In diesem Ballspiel bewege ich mich kindlich freudhaft, fühle mich schwerelos, die ganze Welt liegt mir wieder zu Füssen.

Traducción:

Con el objetivo de averiguar en qué se diferencian mis obras de mi vida profesional como arquitecto, veo que a través de la sencillez que caracteriza mi trabajo surgen con fuerza el juego, la intuición y un elemento orgánico y creativo. Noto la alegría sensual, divertida e infantil. Experimentar la ligereza permite liberarse de la crítica. Mi trabajo no tiene nada de malo.

A través de esta percepción desarrollo orgánicamente un movimiento de la mano en el que me fijo en un juego de pelota al que jugaba a menudo en mi infancia. Me siento como un niño, sin peso. El mundo entero vuelve a estar a mis pies.

La visión de Ruth y su mensaje devuelven la alegría a la gente. Trabaja con material cotidiano. Las obras de arte tienen una belleza especial y el juego de pelota, que muchos recuerdan de su infancia, les devuelve esa sensación de alegría y despreocupación.

Leerás más sobre su experiencia con su proyecto en un segundo ejercicio que hizo con un ejercicio en el capítulo sobre John Cage.

Capítulo 3: John Cage - Deep Democracy y el Tao de la música

John Cage es el segundo artista que dio un impulso importante a mi viaje de vuelta a casa y al proceso de desarrollo de mi sueño infantil. John Cage fue un compositor que vivió y trabajó en el siglo XX. Es uno de mis compositores favoritos y se le puede comparar con Joseph Beuys, aunque era una personalidad artística muy diferente. Tanto John Cage como Josef Beuys abrieron una nueva puerta en el siglo XX al arte y la música.

Para mi tema, la fase de la obra de John Cage más importante para esta tesis, es cuando Cage empezó a componer con el Tao e incluyó ruidos como sonidos del momento, tratándolos como música.

En este capítulo te daré una visión general de los aspectos más importantes de la música de John Cage para mi investigación sobre estar en casa. Viajaré contigo a través de algunas obras musicales, y te dejaré experimentar a través de un proceso de escucha cómo su música ofrece la posibilidad de estar en casa. Te contaré lo que aprendí de John Cage para mi proceso vital y la conexión b que descubrí entre su obra, el Process Work y la Deep Democracy. También te mostraré cómo puedes utilizar los sonidos de la vida cotidiana para tu proceso vital. Al final del capítulo hay dos ejercicios.

Ya conocía obras de John Cage durante mis estudios de música, pero sólo después Cage se convirtió en alguien muy importante para mí, mi vida, mi música, mi enseñanza de la música y mi propio proceso de composición. Por último, pero no por ello menos importante, llegué a conocerle y apreciarle en profundidad cuando tuve mis primeros encuentros con el Process Work.

Escuchemos primero al propio Cage y conozcamos un poco su forma de componer (Kramer 1999, 20):

Wo immer wir auch sein mögen, zumeist hören wir Geräusche. No nos engañen, no nos engañen. Hören wir sie an, finden wir sie faszinierend(...) Sollte das Wort Musik heilig sein und den Instrumenten des 18. und 19. Jahrhunderts vorbebehalten. Jahrhunderts vorbehalten, können wir dafür ein sinnvolleres einsetzen: Klangorganisation.⁷

Cage y su nueva definición de armonía: Deep Democracy y el Tao

Cage fue alumno de Arnold Schönberg, famoso compositor y maestro de muchos jóvenes compositores que alcanzaron el éxito tras estudiar con él, como Alban Berg y Anton Webern. Schönberg juzgó a John Cage como incapaz de componer. Le criticó por su falta de conocimientos tradicionales europeos de armonía a la hora de componer. Cage puso fin a sus estudios y transformó radicalmente el proceso de composición (Neff 2015).

Cage postuló una nueva definición de armonía. Dijo que la armonía es el sonido y los ruidos que se oyen en el momento: Pueden ser el tráfico, los pájaros, las voces, etc.

dice Cage (Nattiez 1995, 38):

El material de la música es el sonido y el silencio, e integrarlos es componer.

También dijo esto:

No trato de diferenciar entre lo musical y lo no musical, sino que empiezo por el sonido y no utilizo sonidos que no tengan el carácter de un sonido. Ich gebe zu bedenken, ob diese Praktiken nicht zu einer Verbesserung der Gesellschaft beitragen könnten. Esto es lo mismo que una democratización. A través de la composición de Cage nos damos cuenta de que todo el mundo puede colapsar o colapsar completamente.⁸

Kramer 1999, 21

Estudiando al compositor Cage, tenemos una magnífica oportunidad de conocer algunos aspectos de la Democracia Profunda a través de la música. En el capítulo sobre Joseph Beuys hablamos de la importancia de percibir cada voz, cada punto de vista en un grupo o en un individuo. En las citas anteriores podemos observar la apertura de John Cage a todo lo que suena. Normalmente, los músicos son muy sensibles al sonido y a menudo les molesta el ruido. No es el caso de John Cage. Para él todo es música, incluso el silencio. Toda la vida es música y él escucha todos los sonidos y el ruido cotidiano como un músico que escucha una pieza musical. Esto es Deep Democracy: todos los sonidos. En la que probablemente sea su pieza más extrema, titulada 4’33”, un pianista sube al escenario, abre el piano, se sienta durante 4 minutos y 33 segundos, luego lo cierra y abandona el escenario. En este tiempo cada miembro del público escucha su propia pieza musical. (Cage 2006).

Las obras de Cage suelen ser algo así como un proceso de grupo, en el que el flujo de la música es impredecible. Pero vayamos primero al punto de partida de Deep Democracy. Trabajando con grupos, Arnold Mindell descubrió algo más profundo que la democracia. Desarrolló una nueva forma de explorar el campo informativo de un grupo. Observó el enfoque multidimensional no sólo en una persona o en una relación, sino también en grupos pequeños y grandes.

En los grupos descubrió que los papeles marginados y visibles, así como los papeles fantasmas -que existían en el estado de ánimo del grupo-, eran un aspecto enorme de la resolución de conflictos (Arnold Mindell 2014a). Sólo cuando todas las voces tienen la posibilidad de hablar y expresarse se completa la información. A través de este proceso podían producirse soluciones sorprendentes. A partir de entonces lo llamó Democracia Profunda (Arnold Mindell 2014a).

Volviendo a una de las citas anteriores de John Cage, podemos observar que le interesan todos los sonidos, no sólo los elegidos intencionadamente. Se trata de una nueva forma de entender la armonía. Al permitir todos los sonidos en su obra, John Cage desarrolló un nuevo tipo de composición, trabajando con el Tao mediante el uso del I Ching o dejando que el Tao decida de diferentes maneras.

Por ejemplo, en su obra Etudes Australes tomó la imagen de las estrellas en un mapa del cielo y formó la música a partir de ella (Cage 2013):

También tiraba monedas para planificar composiciones, para decidir qué tonos eran los adecuados para una obra. Las preferencias o gustos personales no debían crear la obra. En las composiciones de Cage era el Tao el que co-creaba la obra. A Cage no le interesaba excluir lo que no pertenecía a su propia elección, identidad, gusto, etc. La inclusión de todos los sonidos, incluso los que no le gustaban al principio, eran bienvenidos a su entender. Podemos decir, desde una perspectiva orientada al proceso, que buscaba la Democracia Profunda de la música.

Otro aspecto de Cage era que daba la mayor libertad posible a los músicos. Como intérprete, tienes sobre todo libertad para dar forma al ritmo. Siempre escribía sin tempo ni ritmo, y muchas obras consisten en tonos o acordes que no están conectados entre sí. Interpretar sus obras requiere una especie de presencia.

Como músico tengo que moverme en un territorio musical desconocido, por lo que el enfoque de John Cage es un entrenamiento perfecto para la metahabilidad del desapego, la alerta y la curiosidad en la práctica del Process Work en la práctica del Process Work. Las metahabilidades son actitudes similares a los sentimientos, un término acuñado por Amy Mindell (Amy Mindell 2003). Estas actitudes no están ligadas a expectativas, se relacionan con el flujo y van de la mano con todo lo que quiere suceder. Si quieres entrenarte en estas metahabilidades, ¡toca o escucha obras de John Cage!

John Cage fue uno de los compositores estadounidenses que inspiró a la familia de compositores de todo el mundo. Encabezó la ruptura con las formas clásicas tradicionales. La música contemporánea no puede imaginarse sin su influencia.

En este capítulo también podríamos utilizar impulsos de otros compositores para nuestro viaje siguiendo el camino de la música orientada al proceso y siguiendo la música como una forma de experimentar el Trabajo de Proceso. También quiero nombrar aquí a Morton Feldman, que me inspiró específicamente para pasar de un momento a otro y luego entrar en el flujo.

Trabajando con este tipo de música empecé a entender un poco lo que Arnold Mindell llamaba “el camino de las migajas” (Arnold Mindell 2012, 43). Mindell escribe, que seguir algo de un punto a otro es diferente de “balancearse con la corriente”. Por ejemplo, seguir un sonido de un punto a otro es diferente de escuchar toda la frase musical.

Si escuchas de un punto a otro, llegas a un límite de poder notar los momentos más leves. De repente entras en un flujo intemporal. La música de Feldman obliga al oyente a hacer esto porque no hay ninguna frase musical. Esta música te ayuda a entrar en un flujo más allá de todo, entras en el mundo de la esencia.

Pauline Oliveros, que desarrolló la Escucha Profunda y compuso obras que nos dan la oportunidad de experimentarla (Oliveros 2005). Podría nombrar a otros también e incluyo a todos estos compositores en mi corazón. Para no complicarlo demasiado, porque esta tesis no trata sólo de música, me refiero a John Cage, que en mi opinión es el iniciador de esta dirección especial en la música.

Si le interesa, puede, por ejemplo, ver y escuchar las siguientes obras de John Cage:

• Dos 2 para dos pianos
• 4’33” para piano solo

Obras en las que utilizaba emisoras de radio que sonaban involuntariamente:

• Paisaje imaginario
• Música para piano

Volver a la práctica

Entrenamiento de escucha 1, estar en casa

Este ejercicio le ayuda a ampliar su comprensión de lo que es la música y puede entrenarse para abrirse a cualidades desconocidas. Las cualidades desconocidas en el canal auditivo como en la música son un proceso secundario muy fuerte. Si no nos gusta algo en la música pero tenemos que escucharla, nos muestra aristas fuertes y a menudo esto es doloroso de soportar.

1. Escucha una de las grabaciones de Paisaje Imaginario, coge la que te resulte menos cómoda. (véase el enlace en la página anterior).
2. Escucha una parte.
3. Apaga la música y descríbete a ti mismo el aspecto más desconocido de la pieza con un movimiento de manos.
4. Repite el movimiento hasta que entiendas su significado (hasta que comprendas su energía).
5. Relájate, respira un poco y vete en tu imaginación a un lugar de la tierra o del universo. No hace falta que conozcas este lugar.
6. Esté allí, sienta la calidad del lugar. Puedes notar una conexión entre la energía del movimiento de tus manos y este lugar?
7. Si la respuesta es sí, conéctate profundamente con esta energía. Suelta tu personalidad cotidiana y sé esta energía ahora. ¿Quién eres? ¿En qué te diferencias de tu yo cotidiano? Disfruta de este nuevo sabor.
8. Mira tu día a día desde esta perspectiva. ¿Tienes algún consejo para tu yo cotidiano? ¿Qué cambiaría en tu vida si vivieras más esta energía? ¿Cómo podría ser esto más hogareño para ti?
9. Ahora escuche de nuevo Imaginary Landscape. ¿En qué se diferencia ahora la música para ti?

Entrenamiento de escucha 2, estar en casa

1. Escuche una obra de John Cage, por ejemplo Two2 (véase el enlace en la página anterior).
2. Respira un poco antes de empezar la grabación y siéntate cómodamente.
3. Pon música y escucha
4. Si algo no te resulta cómodo, date cuenta y déjalo ir
5. Conecta profundamente con cada sonido que escuches, sé esta música ahora, suelta tu vida cotidiana y tu yo cotidiano, viaja ahora como sonido, tono, pausa.
6. Ahora estás en un mundo paralelo, un mundo musical. Este mundo está en todas partes, no hay fronteras, el sonido no tiene principio ni fin. Sé esto ahora, un ser de todas partes y sin fronteras, sin principio ni fin.
7. Sé esta música y mira hacia tu yo cotidiano. Como esta música, ¿qué mensaje tienes para tu yo cotidiano, ahora mismo?
8. Vuelve y medita sobre el mensaje. ¿Qué podría cambiar en tu vida si siguieras este mensaje?
9. ¿Cuál podría ser un nuevo aspecto de estar en casa para usted?

Cage y mi proceso vital

Cage me llamó la atención después de algunos años como músico profesional. Enseñando piano me enfrentaba al elitista mundo de la música clásica, que era una discrepancia insoportable comparada con la realidad de los niños a los que enseñaba. Me di cuenta del abismo que había entre los dos mundos. Primero reaccioné con resistencia. Por un lado, sentía la realidad de los niños y, por otro, me rebelaba contra la actitud elitista de la música clásica. Ya no estaba en casa. Perdí mi sentido del yo, mi “yo soy”.

Me gustaba tanto la complejidad de la tradición clásica como que los niños hicieran música a su manera. Por un lado, intentaba profundizar en el núcleo de una pieza musical, siendo disciplinado, buscando mi máxima capacidad para interpretar la obra. Por otro lado, me inspiraba la visión todo el mundo puede hacer música. ¿Qué hacer con esta polarización?

Estudiando la música de Cage, conocí una forma totalmente nueva de hacer música que se alejaba de la concepción tradicional del conocimiento y la habilidad. A través de los ojos de Cage incluso las obras tradicionales aparecían cambiadas. A través de John Cage descubrí una actitud diferente que me permitía fluir con el momento y al mismo tiempo empecé a descubrir a través del Process Work cómo fluir también con el momento. En este camino no perdí mi capacidad de tocar obras complejas y, al mismo tiempo, me volví más capaz de fluir con mis alumnos de piano. El mundo musical se abrió a un amplio espectro.

Además, la música de John Cage me transformó. Su enfoque me animó a adentrarme más en mi propio proceso creativo y mi alma musical se sintió tímidamente como en casa, sintiéndome de un modo nuevo en una música en la que un tono o un silencio eran toda una sinfonía.

Estar en un sonido, o pasar de un sonido a otro libremente, me llevó a la experiencia de estar en conversación con el sonido como un ser independiente y un compañero para mí, un cocreador. En este mundo me di cuenta cada vez más de que tocar música era una forma de co-crear música junto con las vibraciones del sonido que llenaban el espacio.

Recuerdo un concierto en una iglesia de Basilea, donde toqué algunas piezas de Música para piano de Cage (Cage 1998). El público parecía viajar, y se palpaba una atmósfera de conexión con el universo. Al terminar la música se hizo el silencio durante largos minutos. En este concierto descubrí una nueva identidad de mí mismo como músico. Una identidad para viajar en un viaje chamánico y llevar al público conmigo.

Mi nueva identidad como músico también contó con el profundo apoyo de Lane Arye, mi increíble profesor en Unintentional Music (Ayre 2002). Cage y Unintentional Music se convirtieron en una pareja inseparable. Durante esta época, también empecé a crear música con cencerros.

¿Se trataba de otra aparición de los 10 hombres vestidos de negro detrás del seto, de mi sueño infantil?

Cage y el estudio de la música no intencional me llevaron a otro aspecto de mi hogar en mi verdadero yo. La brecha entre la música de élite y los niños de hoy desapareció. Navegué con facilidad por todos los mundos, sentí nuevas posibilidades creando música, tocando música y enseñando música.

De nuevo, Process Work, Deep Democracy, las artes y la música estaban enredados y eran inseparables. Cuando estaba en un mundo, estaba al mismo tiempo en el otro espacio. Esto me llevó a trabajar de forma más coherente con las herramientas del Process Work en mi trabajo como músico y en mi vida (Schatzmann 2003).

En cuanto a mi sueño de infancia, Cage entró con fuerza en mi vida al mismo tiempo que la granja, donde viví más de 20 años. Cage y la granja eran dos caras de la misma moneda. Al igual que los hombres de mi sueño infantil que me agarraban detrás de la puerta, en este caso fue mi marido, un granjero, quien me agarró en la puerta cuando me dirigía a mi hogar familiar. Una vez más sacada de mi zona de confort, tuve que seguir adelante y buscar un nuevo hogar, un nuevo aspecto de mi verdadero yo y encontrar el camino a casa, acercándome a descubrir, ¿Quién soy, por qué soy?

La vida en la granja fue uno de los estudios más profundos de mi vida y tuve que aprender a seguir a la naturaleza, a conectar con ella. La vida en la montaña me enseñó que sólo tengo una posibilidad: seguir lo que quiera que ocurra: el tiempo, los ritmos de los animales y aprender a vivir constantemente con la imprevisibilidad.

Esto estimuló mi música. Interpretar a Cage en un concierto tenía que ver con una especie de soledad y desnudez. Sólo podía tocar a través de mi verdadero y honesto yo. Trabajando en los Alpes experimenté cómo se derrumbaban mis viejos esquemas. Una vez más me di cuenta de que estaba en un viaje sin fin, experimentando mi hogar siempre de una forma nueva. Mi hogar era cada vez más grande.

Cage quería dejar a un lado las preferencias del gusto personal: Por eso utilizó el I Ching para muchos pasos de su proceso de composición. Abandonar mis preferencias personales me ayudó a cruzar fronteras. Me ayudó a trabajar con Process Work y a entrar en áreas desconocidas de nuevas energías y actitudes y me abrió a nuevos procesos creativos.

Por ejemplo, el sin saber fase en el inicio de un proceso creativo me ayudó a mirar el papel en blanco o el silencio antes de crear música de una manera ahora curiosa, preguntando, ¿Qué quiere suceder, qué quiere crearse? Era la experiencia del proceso de co-creación con algo que ya estaba en el aire. Como pequeño ejemplo, les contaré la historia de cruzar un borde antes de un concierto.

Fue mi primer concierto con un nuevo programa en solitario titulado Elementar con cencerros y piano. Para mí fue un reto compartir este programa con el público porque combinaba música clásica moderna con mis propias creaciones para cencerros. Me encontré con ciertas personas del público con las que conecté que eran muy críticas. En un primer momento me aterroricé. En el segundo momento me acordé del cocreador de mis piezas y de la idea que había detrás del concepto del programa. Ya no me sentía sola ni separada. Salté y subí al escenario abrazando al público junto con mi cocreador. Fue uno de los momentos en los que dejé atrás una parte de mi historia personal.

Para mí, esto tenía algo que ver con la práctica de la mente del principiante. Tocar y crear música sin preferencias me llevó a una nueva forma de interpretar la música, también las obras musicales tradicionales. Descubrir la verdadera naturaleza de una determinada obra a partir de ese momento fue mi guía hacia la música. Escuchemos, lo que dice Shunryu Suzuki sobre la mente del principiante (Dixon et al. 2011):

La mente del principiante está vacía, libre de los hábitos del experto, dispuesta a aceptar, a dudar y abierta a todas las posibilidades. Es el tipo de mente que puede ver las cosas como son, que paso a paso y en un instante puede darse cuenta de la naturaleza original de todo.

En la granja, trabajando con la naturaleza y los animales, así como tocando música y practicando música involuntaria, descubrí que todas las experiencias conducen a la mente del principiante.

La mente del principiante como camino espiritual fue uno de los aspectos cruciales de los 10 hombres de mi sueño infantil. Ya no volvía a mi casa familiar, sino que intentaba estar en casa en cada momento, encontrara lo que encontrara. Esto se convirtió en una práctica diaria con muchos fracasos. Estarán de acuerdo conmigo cuando digo que ésta es la figura más desafiante de los 10 hombres. En mi vida, John Cage es una clave importante para decir sí a este proceso de aprendizaje.

Volver a la práctica

Entremos ahora en una experiencia asombrosa que desarrollé a partir de mi inspiración en John Cage para la vida cotidiana.

En el siguiente ejercicio quiero averiguar qué me está diciendo el sonido del momento, cómo puede utilizarse como entrenamiento para la Democracia Profunda en mí mismo y permitirme volver al mundo cotidiano con un sentido ampliado del hogar.

Su asunto, su sinfonía

Este ejercicio puedes practicarlo dentro o fuera, en la naturaleza. Puedes intentarlo solo o con alguien que te guíe.

1. Respira un poco y siéntate o ponte de pie de forma cómoda.
2. Piensa en un tema sobre el que quieras saber más, toma algunas notas. Luego deja las notas a un lado.
3. Tómate tu tiempo, relájate y empieza a escuchar.
4. Abre tus oídos y todo tu cuerpo a todos los sonidos y ruidos de tu entorno. Ahora eres un organismo auditivo.
5. Imagina que el sonido que escuchas es una pieza musical con más de una voz. Intenta escuchar todas las voces que suenan en este momento, intenta escuchar no sólo en horizontal sino también en vertical, de forma que escuches la música como una partitura con diferentes voces, por ejemplo como una sinfonía con muchos actores. Disfruta de la totalidad de las diferentes voces.
6. Ahora puedes intentar diferenciar las voces. Fíjate en el ritmo, el tono, el tempo y el color del sonido o timbre que oyes y obsérvalos de forma neutral. Por ejemplo:
   1. ¿Qué color de sonido oyes?
   2. ¿Cómo es el volumen o los diferentes volúmenes?
   3. ¿Cómo es el tono del sonido? ¿Alto? ¿Bajo? O si hay más de un sonido, ¿tiene diferentes tonos?
   4. ¿Cuántos actores se notan en esta música?
   5. ¿Cómo es la calidad específica de cada voz en esta sinfonía?
7. Graba una cinta con el sonido de tu entorno y/o escribe una descripción de lo que oyes: estudia cada voz.
8. Mientras escuchas y estudias, intenta separar los distintos sonidos, de modo que cada sonido exprese algo único: un papel, como una figura.
9. ¿Cómo te habla esta música? ¿Hay sonidos que te resultan más cercanos que otros? ¿Hay sonidos que te perturban? Si es así, toma un sonido perturbador y ábrete a su mensaje para ti. Puedes cambiar de forma y convertirte en ese sonido o escuchar profundamente hasta que surja una percepción. Intenta hacer esto con todas las voces, también con las de aquellos que están cerca de ti y a los que quieres.
10. ¿Cómo se combinan todos los sonidos? ¿Qué cualidad tiene esta música en su conjunto, como una sinfonía de estos diferentes sonidos? ¿Qué relación tienes tú con esta sinfonía?
11. Intenta ahora ser toda esta sinfonía y expresa ser esta sinfonía con tu propio estilo: movimiento, imaginación, un sonido que incluya las distintas voces. ¿Hay algún consejo que saques de esta experiencia, para tu día a día?

Preguntas para tu día a día:

1. ¿Cuál es el mensaje de cada sonido que se refiere a tu tema del paso 2 de este ejercicio?
2. ¿Cómo pueden las voces ayudarte con tu problema?
3. Si tú, tu yo cotidiano, fueras esta música ahora mismo, ¿quién serías en este momento? ¿Qué cambiaría en tu vida?
4. ¿Otras ideas?

Demostración

He aquí un ejemplo del ejercicio cuando lo hice con Ruth, a quien conociste antes. Ruth es arquitecta y artista y está preparando una exposición de sus obras “Hüllen”. Incluyo comentarios de algunos de los pasos del ejercicio para mostrar una posible forma de realizarlos.

El problema de Ruth en el paso 2 era su entusiasmo por la exposición, pero también su nerviosismo, su miedo, sus grandes expectativas, etc. Quiere saber más sobre cómo llevar a cabo este proceso.

Pasos 5 y 6: La música que escucha:

• Viento sonando en los árboles, encantador, siempre ahí, flujo constante, agradable.
• Sonido del motor de una máquina agrícola: zumbido agresivo, dominante, manejada por alguien, en este sentido controlable.
• Pájaros: Este es el condimento de la música, muy encantador, diverso, aporta profundidad a la música

Paso 8: Figuras significativas dentro de la música.

• Motorconductor, avanza, potencia, el hacedor
• Viento: Juguetón, tierno, despreocupado, a la deriva: el contrapunto al motor
• Pájaros: hacer comentarios, las voces que vienen de fuera, imprevisibles

Paso 9: Las conexiones con Ruth

• Viento: Mi actitud ante mi trabajo
• Motor: Ahora puedes hacerlo, ¡adelante!
• Pájaros: Habrá comentarios, gente que critique tus obras de arte

Paso 10: El mensaje de toda la sinfonía

Todo está ahí ahora mismo, puedes empezar. Ser toda la sinfonía me calma, el temblor de mi cuerpo se detiene. Puedo dejar a un lado mi nerviosismo, ser desapegado.

Viene a mí, pasa a través de mí y sale de mí.

Importante: El motor se puede controlar. Puedo utilizarlo, pero no tengo que ser el motor desde ahora hasta la exposición sin descanso, lo que me agotaría. Toda la sinfonía me relaja.

¿Por qué este ejercicio?

Para las personas que no son músicos, puede ser un reto escuchar todas las voces como en la partitura de una sinfonía. ¿Por qué hago hincapié en diferenciar las distintas voces?

Creo en este entrenamiento de escucha como una posibilidad de volverse más sensible a las voces separadas - esto puede ser útil en un proceso de grupo o en tu trabajo diario, en equipos, en tu familia, etc. El Tao de todas las voces uniéndose en un momento determinado es, en mi opinión, un entrenamiento maravilloso: estar al mismo tiempo con las voces separadas y la totalidad de todos los sonidos individuales uniéndose. Si tienes dificultades para darte cuenta de todas las voces, empieza por lo que estás oyendo en ese momento. Si se trata de una sola voz, es suficiente. Con el entrenamiento, tu capacidad de escucha aumentará.

En mi propio ejemplo, al final del próximo capítulo, verás dos ejemplos de cómo dibujar también lo que oyes. Encuentra tu propia manera de dibujarlo. Cualquier forma de hacerlo es adecuada para ti.

Este tipo de armonía, como señala Cage en su obra, era su meditación. Le interesaba el budismo zen, pero no practicaba la meditación de forma tradicional. Su forma de componer puede verse como una manera única de practicar el budismo zen. Y en el sentido del Process Work, practicó la Democracia Profunda en la música, amando todos los sonidos.

Resumen

En mi opinión, acceder al arte de John Cage de forma procesual puede considerarse un entrenamiento auditivo:

• Liberarme de las preferencias, amar todas las voces y practicar la Democracia Profunda
• Volver a casa, a mi propia naturaleza, a mi verdadero yo, practicar la mente del principiante. Estar presente en el momento, amar el Tao.
• Formación para diferenciar la calidad de los sonidos.
• Formación de sensibilización.
• Aprender que todo es música, también el lenguaje, el ruido, el sonido de la naturaleza, etc. y estar conectado con todo es música llegando a un hogar fluido. El hogar como un sonido sin fin.

Para concluir este capítulo, a continuación presentamos un tipo de meditación sonora que utiliza el Tao del sonido momentáneo.

Música matinal en el río

Meditar mientras se camina Yo mismo probé el ejercicio.

Primer paso - Descubrí 4 voces al mismo tiempo: Pájaros, avión militar, tráfico, río

Paso 2 - Puedes dibujar algo parecido a una partitura (página siguiente). Luego intenta escuchar cada voz y ver cuál es la más X. Naturalmente, el avión militar es mi X. Lo odio.

En primer lugar, soy consciente de que vivo en un lugar seguro en Suiza. El avión militar está simplemente entrenándose, pero yo vivo aquí en libertad. ¿Vivo en libertad? Políticamente sí, pero me doy cuenta de que algunas cuestiones me molestan. El avión militar me recuerda que a veces luchar es lo correcto. Ser amable no siempre es útil.

Paso 3 - Con esta intuición empecé mi jornada laboral. El mes siguiente me mostró que mi vida requería una Magdalena luchadora, que cruzara aristas fuertes.

Paso 2 dibujos - A continuación puedes ver dos formas de dibujar la música.

Capítulo 4: Marina Abramovich y el cruce de fronteras

Comienzo con una cita de una de las reflexiones de Marina Abramovic tras finalizar la representación El artista está presente. Fueron 90 días, seis días a la semana y siete horas al día sin descanso, sentados en la misma silla Todos tenían la posibilidad de sentarse frente a ella el tiempo que quisieran (Abramovic 2018, 32):

La cantidad de amor, el amor incondicional de unos desconocidos, fue la sensación más increíble que he tenido nunca. No sé si esto es arte, me dije. No sé qué es esto, ni qué es el arte. Siempre había pensado que el arte era algo que se expresaba a través de ciertas herramientas: pintura, escultura, fotografía, escritura, cine, música, arquitectura. Y sí, la performance. Pero esta actuación iba más allá. Era vida. ¿Podría el arte, debería el arte, estar aislado de la vida? Empecé a sentir cada vez con más fuerza que el arte debe ser vida, debe pertenecer a todos. Sentí, con más fuerza que nunca, que lo que había creado tenía un propósito.

Marina Abramovic es una artista cuya obra se cruzó en mi vida hace años durante una exposición en el Kunstmuseum de Berna. Realmente no la entendí, pero algo me atrajo. Aún conservo en la memoria una fotografía de la performance con el pie de foto: Sentada, esperando una idea. Marina Abramovic. está sentada frente a un enorme montón de piedras.

Esta imagen está grabada en mi memoria. Cada vez que tenía que crear algo, esta imagen estaba presente y me daba la confianza de que algo llegaría. ¿Por qué piedras? No puedo dar una respuesta, pero reflexionando ahora creo que las piedras son un símbolo de atemporalidad. Al conectar con la atemporalidad de estas piedras, mi mente se desplaza al nivel de la esencia. El nivel de la esencia lo contiene todo, de una forma que no se puede expresar. Es el punto del que todo surge y al que todo vuelve. Y ahí está la creatividad en su totalidad, lista para desplegarse en una idea.

Me olvidé de ella más o menos, y luego en los últimos años llegué a saber de su proyecto El artista está presente, y compré el vídeo. Otra vez vinieron los 10 hombres y me agarraron, para continuar mi viaje. En esos momentos, cuando vienen los hombres, me obsesiono y tengo que estudiar para saber más, llevando la investigación a mi propia vida y trabajo.

Por aquel entonces, ya era estudiante formal en el Deep Democracy Institute (DDI) y me enfrentaba a profesores increíbles y desafiantes. El contacto con mis compañeros me abrió a nuevos mundos y empecé a viajar más de nuevo. El primer paso fue aprender a subir a un avión. Llevaba años sin volar debido a mi nerviosismo. El comienzo de mis estudios en DDI fue cruzar este límite.

Volviendo ahora a Marina Abramovic, puedo decir que éste era exactamente el momento perfecto para estudiar su trabajo performativo.

En este capítulo presentaré algunas de sus actuaciones. Estudiaremos:

• Cómo Marina Abramovic y sus performances son un modelo para cruzar fronteras, adentrarse en zonas desconocidas y dejarse animar por ella para cruzar nuestras propias fronteras y encontrar a través de este proceso un nuevo hogar dentro de nuestro verdadero yo.
• Cómo sus actuaciones desde una perspectiva orientada al proceso pueden verse como una forma especial de proceso de grupo, que ofrece posibilidades para descubrir roles y roles fantasma en nosotros mismos y en el campo, hacia el descubrimiento de la verdadera naturaleza de mí mismo, del grupo en el que estoy y del campo más amplio.
• Cómo podemos utilizar la actuación como un trabajo interior para nuestros problemas, cruzando nuestros límites, obteniendo percepciones a través de una actuación y compartiéndola con amigos, el público o presenciando después nosotros mismos lo que ocurrió durante la actuación a través de la grabación de la actuación. Encontrar el hogar dentro de un proceso significa darse cuenta de cada cambio que se produce durante la actuación.

Descubrí en Marina Abramovic un modelo para cruzar fronteras. No me sorprende que sus memorias se titulen Atravesar muros (Abramovic 2018). Recapitulemos la definición del borde:

El límite en términos de Process Work aparece en el momento en que mi identidad llega a su límite.

Más allá de este límite comienza algo desconocido. Normalmente no lo quiero y me da miedo. En esos momentos no puedo dejar de ser quien era hasta ahora, una reacción normal que todos tenemos a veces. Nuestra vida está llena de aristas y nuestro destino a menudo nos obliga a cruzarlas. Cruzar bordes es nuestro crecimiento sin fin en la vida.

Dejar los estudios para iniciar una profesión es un límite natural. Ser madre por primera vez es cruzar un límite. Envejecer o temer una enfermedad son otros límites. Podría hacer una lista interminable. Podemos esperar a que el destino nos obligue a cruzar bordes, pero el Trabajo de Proceso ofrece herramientas para trabajar con la conciencia en los bordes y permitir cambios para acceder a más potencial y creatividad.

Arte y cruce de aristas

En la mayoría de las actuaciones, Marina Abramovic se expuso a situaciones que daban miedo e incluso eran arriesgadas. En una actuación, Ritmo 0 en 1974, posó desnuda y la gente podía hacer con su cuerpo lo que quisiera. Fue realmente amenazador para ella. La gente le hacía daño y ella se sentía como un objeto". Su proceso, como cuenta en una entrevista, consiste en liberar su miedo al dolor y a la muerte y, como modelo, atravesar ese miedo y encontrar un acceso a lo desconocido más allá de ese miedo. Imaginaba que a través de sus actuaciones la gente también podría superar sus miedos (La impactante Marina Abramovic 2014).

Volveré más tarde a Ritmo 0. Ella era y es un modelo a seguir para cruzar bordes y modelar el nuevo hogar que hay detrás del borde. Los bordes son siempre la frontera hacia algo desconocido y el hecho de que yo no los cruce es miedo a lo desconocido. En última instancia, cruzar los límites tiene algo que ver con la muerte. En este sentido digo que cruzar los bordes es una especie de morir. La vieja identidad muere y tiene la oportunidad de encontrar un nuevo espacio para vivir, un nuevo hogar. Siguiendo la biografía de Marina Abramovic observo que un hilo conductor recorre su vida como artista, cruzando todos los bordes que encontró y/o consteló en sus actuaciones. Es impresionante ser testigo de los cambios que sus actuaciones revelan a lo largo de los años en un proceso interminable.

En sus memorias describe un dolor que tuvo durante El artista está presente (Abramovic 2018, 313):

Tenía más dolor del que parecía que el cuerpo humano podía soportar. Sin embargo, en el momento en que me dije: "Vale, voy a perder el conocimiento, no puedo más", el dolor desapareció por completo.

Enfrentándome a muchas aristas durante mis primeros años de estudio en DDI, afrontando una situación muy difícil con la granja, la enfermedad de mi marido y su muerte, Marina Abramovic modeló para mí el valor de dar un paso hacia lo desconocido, aunque signifique sostener el dolor y experimentar lo desconocido como guía hacia un nuevo hogar.

Creo que un aspecto importante de hacer arte es cruzar los límites, alcanzar nuevas dimensiones, transformarme a mí mismo y a mi obra. Es la vida misma. Si estudiamos la historia del arte y de la música, vemos constantemente a artistas que cruzan fronteras para alcanzar nuevas dimensiones que luego se convierten en la corriente dominante.

Pienso por ejemplo en Ludwig van Beethoven. Fue el primer compositor independiente. Antes de él, todos los compositores eran empleados de la iglesia o aristócratas. La música de Beethoven fue un modelo de autonomía en la composición. Él hizo avanzar la música. Los compositores posteriores a él ya estaban acostumbrados a la autodeterminación y ya no tenían que complacer al público. Aparecieron cada vez más artistas, cuyo arte conmocionó a la corriente dominante y fue punta de lanza de nuevos desarrollos en la sociedad.

En este sentido, el arte anticipa tendencias que quieren surgir en todos. También podemos decir desde este punto de vista que el arte es vida. Además, podemos decir que cruzar aristas requiere amor o, al menos, apertura a lo desconocido. Desde la perspectiva de El artista está presente y otras experiencias performativas por las que pasó, Marina Abramovic nos enseña: Arte = Vida = Amor.

Su enfoque del arte nos lleva a sentir nuestro planeta como una comunidad. Al igual que Joseph Beuys, amplía su concepto de arte y da acceso a algo fundacional que está al alcance de cualquiera. Marina Abramovic se aleja de la forma tradicional de hacer arte.

Marina Abramovic experimentó con su compañero Ulay numerosas actuaciones en las que exploraron la relación de muchas y también dolorosas maneras. Con una enorme resistencia, siempre conectados con lo desconocido, se expusieron ante los visitantes. A través de estas actuaciones trataron temas de relaciones y mostraron al público la profundidad de las interacciones que a menudo intentamos evitar en la realidad cotidiana. Tras divorciarse de Ulay, siguió con aún más energía las áreas de lo desconocido y compartió estas experiencias con el público.

Marina Abramovic nos muestra resistencia, alta disciplina, amor profundo, creatividad sin fronteras, voluntad de permanecer en lo desconocido y apertura al mundo numinoso. Sus actuaciones a veces rozan cuestiones de vida y muerte.

Estos son, en mi opinión, los requisitos de su enfoque del arte. Al mismo tiempo, me doy cuenta de que son cualidades necesarias para los trabajadores de procesos que trabajan con individuos o con grupos, en cualquier parte del mundo. Además, son aptitudes necesarias para músicos, actores, bailarines, poetas, escultores, pintores y -por decirlo sin rodeos- cualquiera que quiera vivir su verdadero yo: No rendirse nunca, un alto nivel de disciplina y al mismo tiempo seguir la creatividad. A veces estas experiencias son el paraíso, a veces el infierno en el centro de la vida.

A menudo vemos estas habilidades en zonas de conflicto de todo el mundo, donde viven constantemente al borde de sus límites. Inclino la cabeza en señal de respeto hacia estas personas. A menudo son maestros para quienes tenemos el privilegio de vivir en una situación segura. Pero estoy seguro de que todos experimentamos algunas de estas cualidades, cuando atravesamos momentos muy difíciles y encontramos en nuestro interior energías que van mucho más allá de nuestra identidad cotidiana. En esos momentos no solemos tener elección. Marina Abramovic decidió conscientemente exponerse a los límites, mostrándonos que nuestras posibilidades como seres humanos son mucho mayores de lo que normalmente creemos.

Aspectos del proceso de grupo en el arte de Marina Abramovic

En este punto me gustaría explorar algunos aspectos del proceso de un grupo de Process Work y compararlo con el arte, especialmente con el arte de Marina Abramovic. Como artista, desarrolló un arte que sólo existe en el tiempo, en el momento en que tiene lugar la actuación. Esto requiere un público que participe, presencie y cocree la actuación. No crea una obra de arte fija y luego la muestra al público. La obra vive en el momento en que sucede. Es similar a un proceso de grupo.

El proceso de grupo no puede organizarse, no puede controlarse, pero es un proceso que esculpe la vida, es arte en acción para crear significado a través de la actuación. Un proceso de grupo puede considerarse un tipo de actuación. Llegados a este punto, volvamos a hablar de la democracia profunda. Ya hablamos de ella en el capítulo sobre John Cage al relacionar la música y el Worldwork, una parte importante del Process Work.

¿En qué sentido es la Actuación un proceso de grupo?

Democracia profunda y trabajo mundial

Arnold Mindell, junto con sus colegas, desarrolló un método específico para trabajar con grupos, denominado Worldwork. Dentro de este ámbito descubrió lo que denominó Democracia Profunda. Un formato del Worldwork y la Democracia Profunda con grupos es el llamado proceso de grupo. Arnold Mindell comparte sus experiencias y nos enseña que el campo de un grupo es un flujo constante de información (Arnold Mindell 2014a). Considera que el papel del facilitador es ayudar al grupo a acceder no solo a la información visible, sino también a la invisible y tácita: sentimientos, atmósfera, sueños y espíritus que influyen en el campo.

Describe roles visibles y roles invisibles, que denomina roles fantasma. Los fantasmas son papeles que están presentes, pero nadie los representa en ese momento. También dice que el campo no tiene límites: no hay interior ni exterior. Cada campo está conectado con todo.

En su obra hace hincapié en la no-localidad de todos los acontecimientos que se producen. Habla de la Democracia Profunda, que profundiza en nuestra comprensión política de la democracia con el objetivo de poner en primer plano todas las voces y estados de ánimo dentro del campo. Esto ayuda a resolver conflictos, construir comunidad y aportar más conciencia a todo lo que ocurre en el planeta.

Estamos acostumbrados a tener líderes que dirigen y organizan grupos. Muchos de nosotros vivimos en sistemas democráticos, donde la gente tiene la oportunidad de votar. En un sistema democrático gana la mayoría, por lo que los problemas sólo se resuelven parcialmente.

En el Trabajo de Proceso se ofrece otro camino, el camino de la Democracia Profunda. En este camino, el objetivo del facilitador es sacar a la luz toda la información oculta e invisible siguiendo las señales de información del campo en tiempo presente. De este modo, el campo se expresa a través de los participantes y pueden surgir nuevas percepciones, relaciones y resoluciones.

Max Schupbach habla de un principio de autoorganización en cada grupo, lo que significa que el grupo tiene un campo con una tendencia natural a organizar el grupo, de modo que se equilibre (Schupbach 2010). Esta tendencia suele ocultarse en estructuras invisibles, como pensamientos, sentimientos y estados de ánimo tácitos que perturban la identidad primaria de un grupo. Schupbach también menciona tres niveles de información dentro de cualquier grupo. Está la información visible en posiciones claramente expresadas. Podemos hablar aquí de la realidad consensuada. Es el nivel que encontramos a menudo en los debates públicos. El proceso de grupo funciona también en otro nivel: el nivel de la ensoñación. Schupbach habla del nivel de emergencia (Schupbach 2007b). Aquí nos encontramos en el nivel de la ensoñación. Algo quiere emerger, está ahí pero no tan claro como las piezas de información en el nivel de la realidad consensuada. La información en el nivel de la tierra de los sueños, que también podemos llamar señales, ya tiene el potencial para el cambio y más flujo. Por lo tanto, reprimir estas señales también reprime potenciales importantes.

Schupbach menciona además el früh emergenz ebeneel nivel de pre-emergencia (Schupbach 2007a). Es el nivel de la esencia y apenas se percibe. Este nivel tiene un alto potencial para el grupo porque la información emerge de un mundo espiritual y por lo tanto tiene el potencial para un cambio profundo. El facilitador ayuda al grupo a hacer visibles las señales de los tres niveles para obtener mejores soluciones en los equipos y en los grupos ad hoc que exploran un tema.

Estos procesos de grupo pueden denominarse una especie de proceso de creación de comunidad. A veces es necesario un proceso de grupo para resolver conflictos, para mejorar la colaboración en equipos y organizaciones. El proceso de grupo también puede utilizarse como una forma ampliada de debate y se practica en todo el mundo como Worldwork, donde las cuestiones globales se viven en grupos. Según la práctica chamanística podemos decir que como el campo cambia a través de un proceso de grupo, el mundo que nos rodea y los mundos que están geográficamente lejos pueden cambiar. En tales procesos de grupo existe un potencial para co-crear el mundo como ya hablé en el capítulo sobre Joseph Beuys.

Volviendo al arte: Veo el arte y especialmente el formato de la performance que siguió Marina Abramovic como un tipo especial de proceso de grupo.

En la representación Ritmo 0, Marina Abramovic empieza a romper la frontera entre artista y público al permitir que el público sea un factor determinante (Marina Abramovic y su interpretación de ‘Ritmo 0 - 1974 2017). En una galería de Italia puso delante de ella, sobre una mesa, muchos objetos que el público podía utilizar sobre su cuerpo pasivo como quisiera. Entre estos objetos también había otros peligrosos, como pistolas, cuchillas de afeitar, cuchillos y clavos. Algunos de los visitantes le cortaron la ropa e hicieron otros procedimientos aterradores. Con esta actuación abrió un gran espacio a los tabúes y al potencial invisible o tendencia que todos llevamos dentro a hacer mal uso, abusar y herir a los demás.

Que esta actuación Ritmo 0 ocurrió en una galería, mostró los dobles valores de nuestra llamada alta cultura. Cruzó un límite del modo que he descrito antes y ofreció con su actuación una visión de sí mismos. Todos condenamos la violencia. La actuación mostró la violencia oculta en todos nosotros. En su libro The Year One, Mindell habla de nubes de información que, si no se siguen, empiezan a apestar como basura y también se envían a otras partes del mundo, las llamadas zonas de conflicto . El arte escénico de Marina Abramovic es, en mi opinión, un proceso de grupo en el que todo el mundo tiene la oportunidad de trabajar sobre lo invisible y explorar lo que todos tendemos a reprimir. Ella se adentró sobre todo en zonas tabú para sacar a la luz estos patrones prohibidos. Marina Abramovic puede considerarse un tipo especial de facilitadora. A través de sus actuaciones facilita la aparición de muchos fantasmas y los hace visibles.

Contenido sensible: Contiene desnudos

A lo largo de su vida siguió este hilo de experiencias dolorosas en sus actuaciones. Pudo hacerlo porque -según tengo entendido- había tratado el tema muchas veces en toda su agonía y belleza. Creó muchos otros espectáculos que unieron a la gente, como Generator, del que hablaremos en la próxima sección.

La declaración que leíste al principio de este capítulo sobre la conexión del arte con el amor muestra su manera única de atravesar el dolor y buscar el amor. Su arte escénico, visto como una especie de proceso de grupo, es un proceso de construcción de comunidad en el que nos encontramos unos a otros en nuestras zonas reprimidas y también en nuestro potencial para la iluminación y para experimentarnos a nosotros mismos como en el camino de vuelta a casa. El arte de Marina Abramovic nos invita a explorar el hogar atravesando los miedos en grupo y los conflictos grupales y los miedos a nosotros mismos. Nos invita así a practicar la construcción de comunidad explorando lo que tememos y lo que anhelamos. Para mí personalmente este es mi entrenamiento continuo y probablemente continuará hasta el final de mi vida, imaginando estar después de la muerte en medio de todo, en casa en un mundo donde nada se repudia y donde todo vive en la esencia pura.

A lo largo de su vida siguió este hilo de experiencias dolorosas en sus actuaciones. Pudo hacerlo porque -según tengo entendido- había tratado el tema muchas veces en toda su agonía y belleza. Creó muchos otros espectáculos que unieron a la gente, como Generator, del que hablaremos en la próxima sección.

La declaración que leíste al principio de este capítulo sobre la conexión del arte con el amor muestra su manera única de atravesar el dolor y buscar el amor. Su arte escénico, visto como una especie de proceso de grupo, es un proceso de construcción de comunidad en el que nos encontramos unos a otros en nuestras zonas reprimidas y también en nuestro potencial para la iluminación y para experimentarnos a nosotros mismos como en el camino de vuelta a casa. El arte de Marina Abramovic nos invita a explorar el hogar atravesando los miedos en grupo y los conflictos grupales y los miedos a nosotros mismos. Nos invita así a practicar la construcción de comunidad explorando lo que tememos y lo que anhelamos. Para mí personalmente este es mi entrenamiento continuo y probablemente continuará hasta el final de mi vida, imaginando estar después de la muerte en medio de todo, en casa en un mundo donde nada se repudia y donde todo vive en la esencia pura.

Resumiendo, mi visión del arte de Marina Abramovic es:

• Cruzar el límite es arte
• El proceso de grupo es arte es amor.
• Y esto requiere: resistencia, alta disciplina, amor profundo, creatividad sin fronteras, voluntad de soportar lo desconocido, apertura para el mundo numinoso.

Generator, una performance de Marina Abramovic

En Kiev, Ucrania, tuve la maravillosa oportunidad de asistir a una actuación de Marina Abramovic titulada Generador (‘Generador (2014/2017)’ s.f.).

Aquí la breve descripción que encontré en el museo:

En esta obra, Abramovic invita al público a experimentar su cuerpo, su mente y el espacio que le rodea, completamente privado de cualquier sentido del oído o la vista. Traslada la noción de Estado frágil al cuerpo y la mente del espectador, colocándolo en una posición de vulnerabilidad, al tiempo que se concentra en una noción central en la obra de Abramovic: “la nada”. Como ella misma dijo: “Lo más difícil es hacer algo que esté cerca de la nada”. Esta obra se creó originalmente en la Sean Kelly Gallery de Nueva York.

Pruébalo:

Mi trabajo interior con GENERATOR

Conducido por un facilitador a la sala, con los ojos vendados y auriculares. Sólo mi cuerpo, mi cuerpo de sueño y el espacio que me rodea.

Primer cansancio, ralentización, tiempo ilimitado

Caminar por las murallas para orientarse.

Luego, soltar las paredes.

El encuentro del cuerpo con otras personas es algo delicado, un poco hiriente, sorprendente, aterrador. A veces un cuerpo me toca, como buscando orientación. Se inclina sobre mí o siento las manos sobre mi cuerpo. Ambas cosas no me resultan cómodas. Siento mi propia fragilidad. Me doy cuenta de que necesito mucho espacio a mi alrededor. Si alguien me toca, lo siento como una irritación.

Proceso de grupo sin palabras, el contenido es el cuerpo, ¿cuánto contacto está bien para mí? Tengo que demostrarlo con mi cuerpo, yéndome o quedándome. Sorprendentemente, mi facilitador me dijo después que a menudo estaba solo en la sala. ¿Coincidencia?

De pie y sentada, apoyada contra la pared. Algo en mí necesita apoyo, ser sostenido. Allí duermo unos segundos.

Mis preparativos habituales para una actuación ya no funcionan. Era un concepto de mi realidad cotidiana, de mi proceso primario. Al estar en la sala sin canales visuales y auditivos exteriores, me salía por la ventana y hacía experiencias imprevisibles. Por ejemplo lo siguiente: mi pensamiento desaparece. Ya no puedo seguir un concepto. En su lugar entro en un estado donde la nada, el vacío, la presencia, la fragilidad son las fuerzas. Sentirme dentro de mi cuerpo. Una especie de hogar. Es la única orientación. Después de no sé cuánto tiempo, surge la alegría. Alegría y tendencia al movimiento. Mi cuerpo navega por el movimiento. No hay pensamiento, ni siquiera sentimiento, en cierto modo sólo hay ser. En cierto modo, libertad. Hay algunas reglas en el espacio de actuación, que también prohíben algo como hablar. Aunque siento libertad. Mi cuerpo se mueve alrededor de su eje y cada vez más el cuerpo se equilibra, lo que no era al principio. Me siento tranquilo, centrado, desapegado.

Volver a la práctica

Como en cada uno de los capítulos sobre un artista, volvemos ahora a la práctica. Esta vez te invito a crear tu propia actuación sobre un tema en el que quieras trabajar. En lugar de hacer un trabajo interior privado sin ser presenciado por los demás, tu actuación será vista. De esta manera, a través del espejo de los demás puedes tener la oportunidad de aprender de ello. Puedes hacer una especie de proceso grupal de construcción de comunidad y tienes que permitir el debate posterior.

En mis talleres, las actuaciones tenían un poderoso efecto en todo el grupo, como en el siguiente ejemplo.

Durante un taller de música en los Alpes suizos, una de las participantes se encontró en una situación límite al mostrar una interpretación musical de su proceso interior. Después de todas las actuaciones, llegó su turno. Estaba sentada en el refugio donde tenía lugar el taller y estaba totalmente bloqueada. Todo el grupo mantuvo el espacio y la presencia de todos creó una energía muy intensa.

Tras un largo silencio, de repente se levanta y sale corriendo del refugio con un utensilio para hacer queso. Este objeto es como un megáfono y también se utiliza para cantar el Alpsegen. Lloró y cantó sin fijarse en los oyentes. Fue una actuación liberadora, no sólo para ella sino para todo el grupo. Todo el mundo aprendió de esta actuación. Este ejemplo me dio una profunda confianza en este formato. Una actuación requiere que mi propia voluntad cruce los límites y crea una energía intensa.

La performance tiene una duración determinada que puedes definir antes si quieres. Creas un diseño de actuación que crees que permite una experiencia de tu tema. De este modo, el proceso tiene una estructura definida, pero dentro de esa estructura todo es posible.

A continuación te presento un ejemplo que muestra cómo podrías crearlo.

Ejercicio: El cruce de aristas como espectáculo

1. ¿Tienes un problema con el que estás atascado? Tal vez tengas un conflicto, pánico o miedo. ¿Te sientes al límite y no puedes avanzar?

Reflexiona y toma algunas notas, especialmente notas sobre una energía que te molesta, que te da miedo. También puede ser una persona que te da miedo.

Mi situación para 1: Ahora tengo que entrar en una fase de decisión sobre la venta de mi granja. Muchas dificultades, noches sin dormir. Enfrentada a una enorme carga material, enfrentada a un nuevo papel que me asusta. Soy el vendedor y tengo que decidir, aunque no sé si es la decisión correcta. Asumir la responsabilidad.

2. Trabaja ahora sobre la energía que más te asusta y duele

Mi respuesta a la 2: La granja con este aspecto material es una presión enorme y un peso tremendo para mí.

3. Trata ahora de entrar en contacto con esta energía.

Mi respuesta a la 3: Paso al tremendo peso que presiona a Magdalena.

4. Crea una actuación para ti mismo de modo que te permitas experimentar resistencia, voluntad de estar en lo desconocido, alta disciplina, amor.

Mi respuesta a la 4: Decidir grabar una cinta, porque una actuación necesita compartirse y hoy no hay nadie.

5. Diseño de la actuación: Fija un tiempo para hacer la actuación que quieres hacer. Esto entrenará tu disciplina y resistencia. Ten cuidado al fijar el tiempo. ¿Puedes evaluar tu capacidad momentánea de resistencia y disciplina? Compruébalo con una prueba, comprueba tu resistencia y luego crea un diseño que requiera un poco más, para que puedas cruzar un límite.

6. Crea una idea para una escultura de vida, es decir, tú eres la escultura.

Mi ejemplo para 6: Tengo que crear algo que presione sobre algo, que quiera escapar. Por ejemplo, podría presionar una parte de mi cuerpo sobre otra durante un tiempo determinado de 30 minutos.

7. En primer lugar hacer una práctica, para averiguar la posición correcta

Mi respuesta a la 7: La primera prueba fue realmente insoportable. Me desplomé como se puede ver en el cortometraje. Así que tuve que buscar una posición más realista.

8. Cambia algunas ideas de la actuación para que se ajuste a lo que quieres hacer.

Mi respuesta a la 8: El segundo intento funcionó.

9. Durante la representación, fíjate en lo que ocurre

Mi respuesta a 9: Al cabo de unos minutos empecé a contar los segundos en mi reloj. Era difícil entrar en la experiencia. Al cabo de un rato a veces era posible, y a veces volvía a tener dificultades. Sentía mucho dolor en la parte inferior de las piernas debido al peso que recaía sobre ellas. Al cabo de un rato volvió a ocurrir algo sorprendente: Cada vez sentía más el propio peso y me convertía en el peso. Mi cuerpo empezó a soltarse. El cuerpo se conectó cada vez más con la gravedad y me convertí en cierto modo en la granja que yacía sobre Magdalena. Pensar ya no era posible. Algo pasó con mi cerebro. Era como estar conectado con la tierra en una profunda experiencia física.

10. Ver la actuación

Mi respuesta a 10: Fuerte efecto de concentración, energía de meditación. Durante el primer visionado un ligero efecto soporífero. En el segundo visionado unas horas más tarde:

Sensación intensa de soltar, de dejar de ser activo y de dejar de controlar. Perspicacia: No hacer como posibilidad. El propio campo puede organizar lo que quiere que ocurra.

Antes de este trabajo, vi no hacer respecto a esta cuestión como una experiencia de evasión. Pero esta forma de no hacer tiene una cualidad diferente: no hacer con conciencia.

11. Sus ideas, próximos pasos

Mi respuesta al 11: No hacer como una meditación conectada con la práctica de la gravedad en la sensación del cuerpo. Siendo yo mismo el peso. Siempre que surja el pánico conectar con no hacer y la gravedad, en contacto con la tierra, sea el peso.

Un día después de esta actuación, surgió una solución sobre la granja. ¿Sorprendido?

¿Qué ha pasado?

Este ejercicio de interpretación fue como cruzar un límite. Antes, tenía tendencia a luchar contra este peso, esta enorme responsabilidad. A través de esta experiencia pude seguir el dolor hasta el momento en que se produjo un cambio. Siendo este peso, conseguí una conexión profunda con la granja y sentí la granja. La amé en lugar de odiar esta enorme tarea.

¿Qué ocurrió entonces en el campo, para que se produjera una solución justo después de este día? Al cruzar mi borde, el campo se aclaró. Ya no era la Magdalena temerosa que intentaba escapar, encerrada en mi proceso primario. En mi nuevo papel, llegué a ser un ser centrado, con los pies en la tierra, que estaba profundamente conectado con la granja y con el futuro de la granja, accediendo a mi proceso secundario. Me oía pensar: Quiero esto para la granja, no quiero esto. Me conecté con el vendedor real y el propietario, que sabe lo que tiene que vender y cómo lo hará. Este nuevo papel, que antes no estaba representado, este fantasma, tuvo la oportunidad de pasar a primer plano y se ocupó durante estos 30 minutos de la representación. Como consecuencia, este papel en el campo ayudó a encontrar una solución porque el campo se convirtió en un todo.

Ahora el campo podría cambiar porque un rol ha pasado de ser un rol fantasma a un rol representado - este rol faltaba antes de la actuación.

• Peso Rendimiento (Schatzmann 2018e)

Capítulo 5: Max Frisch y la fuerza oculta del arte y el trabajo por procesos

En este último capítulo dedicado a los artistas, quiero compartir con ustedes mi emoción por un debate que vi por casualidad en la televisión. Era de madrugada. Quería irme a dormir y, como estaba cansada, hice clic en mi portátil en un estado de ensoñación. De repente me encontré en medio de una discusión, mi cansancio desapareció inmediatamente. Sentí que los diez hombres de mi sueño infantil volvían a poseerme.

En una charla en la televisión suiza en 1978 con un miembro del gobierno suizo, Max Frisch, autor suizo, compartió sus pensamientos sobre la poesía y las artes en general (Max Frisch y Kurt Furgler en conversación (Schweizerdeutsch) 2012). Véalo aquí.

Cuando habla de poesía, se refiere también a las artes en general. La discusión giró en torno a la política y las artes y su diferente enfoque de la sociedad y la vida en general. El texto es una transcripción de la discusión en dialecto suizo. Intenté escribirlo y en parte es original de Frisch y en parte hay palabras mías, como yo lo entiendo.

A lo largo de este capítulo analizaré algunas afirmaciones de Max Frisch sobre el arte. Las discutiré y las compararé con aspectos de los procesos grupales y las actitudes interiores. Estudiaré la vuelta a casa a través del proceso de corrosión de las ideologías. Observaré Andorra, una obra de Max Frisch, y comentaré cómo encuentra fantasmas. También compartiré el sentimiento y el anhelo de las utopías y de encontrar el hogar en este camino sin fin.

Max Frisch fue un famoso escritor suizo. Compartió sus opiniones políticas y su literatura artística con un público internacional. En mi infancia oí hablar de él a los adultos de mi entorno, que lo criticaban duramente. En mi adolescencia y juventud me entusiasmó y leí la mayoría de sus libros. Adoraba a Frisch y a otros autores que eran muy políticos en los años sesenta, setenta y ochenta, y me politizaba a través de ellos. Este mundo se convirtió en una especie de hogar no local y los diez hombres me empujaron fuera de la zona de confort de la clase media.

Después de muchos años sin pensar en Frisch, la discusión que encontré por casualidad me devolvió la emoción por su forma de entender el arte. El punto central de sus afirmaciones es la pregunta: ¿Por qué el arte irrita a los políticos? Y yo añadiría que también a la sociedad en general. Fritz dice que el arte vive en un espacio donde la gente no está conectada socialmente. El arte desgarra los estados congelados y el arte está conectado con la utopía. El arte socava todas las ideologías. ¿Se acuerda de las declaraciones de Tinguely al principio, cuando hablaba de las pirámides que se desmoronan, o de Beuys, que trabajaba incansablemente en su utopía de que todo el mundo es artista?

Pero escuchemos los pensamientos del propio Frisch. Las anoté del programa de televisión que vi a altas horas de la madrugada:

La poesía no es una huida de la realidad, ni una apuesta, ni un sentimiento, etc. Poesie als ein Durchbruch zu den genuinen Erfahrungen der menschlichen Existenz. Poesie macht uns betroffen, trifft uns dort, wo wir in Selbstverständlichkeiten versteinert sind. Sie reisst uns auf. (...) Poesie, Kunst überhaupt, befreit uns durch Spontaneität, das kann Glück und Schrecken sein.

Lo que puede irritar a un político no son sus intenciones. Si el Parlamento es más fuerte, no lo es la comunidad literaria en su conjunto, y ésta es hoy en día, en comparación internacional, una comunidad diferente.

¿Qué le irrita?

La poesía atrae a personas que no tienen ningún interés, ni un papel familiar o personal. Se salta cualquier idea ideologizada y, si se le da ese nombre, se convierte en arte subversivo y con derecho. Lo que la distingue es que es libre. Nun könnte man es anders sagen: Sie als Bundesrat regieren, Sie müssen Massnahmen ergreifen. Poesie ergreift keine Massnahmen. Es genügt, dass sie da ist und zwar als ein Ausdruck profunden Ungenügens und profunder Sehnsucht, die wir alle haben.

La poesía se refiere a lo que en la política siempre se ha olvidado, es decir, a la utopía. Cuando un romántico se refiere a la muerte o a la miseria por culpa de un trabajo mal hecho, el romántico se basa en la utopía de que nuestro hombre en nuestro mundo sea diferente. Es decir, las ideas no pueden ser interpretadas por el arte y esto es siempre un problema.

Vom Pragmatiker aus gesehen ist Kunst immer unbrauchbar. Poesie sagt nicht wohin mit dem Atommüll. Und Poesie fragt nicht nach Erlaubnis. Es sencillamente libertad en la búsqueda de la felicidad y del placer, lo que todo el mundo puede hacer, no sólo los artistas.

Toda colaboración entre el arte y la naturaleza termina, aunque sea positiva, en un tácito reconocimiento de la propia naturaleza. El arte se opone al arte.

Traducción: La poesía no es una evasión de la realidad, ni un adormecimiento o sentimentalismo... La poesía como ruptura con las experiencias genuinas de la existencia humana. La poesía nos conmueve. La poesía nos desgarra allí donde estamos congelados en situaciones que damos por sentadas. (...) La poesía, las artes en general, nos liberan a través de la espontaneidad, que puede ser felicidad u horror. A un político no le molestan sus opiniones políticas. Cuando tenga la mayoría en el parlamento, no le molestará todo el equipo literario y, comparado hoy internacionalmente, es un equipo bastante importante.

¿Qué irrita?

La poesía llega a las personas allí donde no ocupan cargos, donde no desempeñan un papel en la familia o en la sociedad. Se infiltra en todas las conciencias ideologizadas y en la medida en que el arte -si hace honor a su nombre- se sienta subversivo, y con razón.

Lo que distingue al arte es que no tiene objetivos. Se podría decir de otra manera: Tú, como miembro del gobierno, tienes que gobernar, tienes que actuar. La poesía no actúa. Basta con que esté presente, presente como expresión de una profunda insuficiencia y de un profundo anhelo que todos tenemos. La poesía guarda aquello que siempre se pierde una y otra vez en la política: a saber, la utopía. Si una novela retrata un matrimonio roto o la miseria provocada por el trabajo alienado, la novela asume la utopía de que ser humano podría ser diferente en esta nuestra tierra. No se puede esperar que la poesía proporcione recetas y esto es siempre un fastidio.

Desde una perspectiva pragmática, la poesía es inútil. La poesía no nos dice dónde poner los residuos radiactivos. Y la poesía no pide permiso. Simplemente está ahí, como libertad en la conciencia y el sentimiento, que es posible para todos, no sólo para los artistas. Toda colaboración entre el arte y el poder termina en una fatal incomprensión del arte, incluso las colaboraciones exitosas.

El arte -como nos recuerda Frisch- es una contradicción con el poder.

Algunas ideas principales

El arte es una contrapartida del poder. Su hogar es la libertad en la conciencia y la percepción sensorial. Frisch también afirma que todo el mundo puede acceder a él. Esta convicción es similar en mi mente con la comprensión del punto de vista de Beuys en su fórmula todo el mundo es un artista.

Frisch afirma que el arte tiene algo que ver con la libertad de conciencia y la percepción sensorial. Todo lo que surge de este tipo de libertad puede considerarse arte. Un encuentro, una charla, un cuadro, una poesía, una pieza musical, la agricultura, los negocios y los procesos de grupo. El marco es la libertad de conciencia y percepción sensorial. Además, hay que tener en cuenta que Frisch también dice que el arte se infiltra en todas las ideologías. El arte no tiene finalidad, según Frisch, y el verdadero arte no puede encontrarse en colaboración con el poder.

Otra reflexión de Frisch en esta entrevista que he visto me parece también importante:

Je klarer, absichtsloser, in jener bedingungslosen Aufrichtigkeit gegenüber dem Lebendigen, die aus dem Talent erst den Künstler macht ...

Alles Lebendige hat es in sich, Widerspruch zu sein, es zersetzt die Ideologie und wir brauchen uns infolgedessen nicht zu schämen, wenn man uns vorwirft, mit unserer Schriftstellerei zersetzend zu sein.⁹

Alles Lebendige hat es in sich, Widerspruch zu sein, es zersetzt die Ideologie und wir brauchen uns infolgedessen nicht zu schämen, wenn man uns vorwirft, mit unserer Schriftstellerei zersetzend zu sein9.

Si ahora seguimos la libertad de conciencia y percepción sensorial de Max Frisch, podemos compararla con el trabajo de procesos y decir:

Al no ser libre en mi conciencia y en mi cuerpo sensorial, estoy aislado de las artes, aislado de la vida incondicional, aislado del fluir. En esos momentos estoy al borde de algo que es arte. Más precisamente aún, diría que la conciencia de cada estado en el que me encuentro tiene algo que ver con la libertad de conciencia.

Notar cuando estoy atascado ya es ser libre para reconocer y por lo tanto está conectado con la libertad de conciencia y la percepción sensorial. Aquí surgen U y X, recuerdas U y X del capítulo sobre fundamentos del Trabajo de Proceso.

La U siempre está conectada con lo que ya conocemos, surgiendo de nuestro pasado. La X es siempre algo futuro, una cualidad que nos invita a salir de lo conocido y cruzar los bordes para alcanzar nuevas dimensiones.

Seguir la libertad de conciencia y de percepción sensorial es, por tanto, una práctica que dura toda la vida y es un camino del arte, accesible a todos, y en este sentido todo el mundo es un artista.

Veamos un ejemplo. Hace poco le conté a uno de mis compañeros que tengo algunas dificultades con el presidente de una asociación a la que pertenezco. Lo que me irritaba era su continuo monólogo, que me molestaba y me confundía. Lo analizamos como X. También tuve un juicio pensando que no es reflexivo, no es creativo, no se relaciona lo suficiente.

Ya ves que son juicios pesados y, naturalmente, nuestra colaboración no fue muy asombrosa. Con mi comportamiento directo le escandalicé. Dos seres humanos que no encajan. Tengo que admitir que mis juicios eran ideológicos. Con mi compañero pasé por un proceso que puede mostrar lo que quiero decir con libertad de conciencia y percepción sensorial.

Desenvolver su estilo de monólogo que me irritaba me llevó a la cualidad de estar presente en todas partes. El siguiente paso de nuestro trabajo desembocó en un gesto de abrazar el planeta y me oí decir: Mundo déjame oírte. Surgió un sentimiento de amor incluso por este presidente.

Primero fue necesario descubrir la cuestión más inquietante, expresar honestamente mis juicios. Luego, en la segunda fase, ir a X, cruzar un borde hacia lo desconocido, aportó una comprensión ampliada de mi propia relación con el mundo y también con este presidente.

La fuerza oculta del proceso de grupo

Max Frisch fue un autor que participó en la vida política y contribuyó mucho a la democracia en Suiza. Por ello, me gustaría hacer hincapié en el proceso de grupo en este análisis como formato para trabajar con los problemas del mundo.

Conocimos el proceso de grupo en el capítulo sobre Marina Abramovic y volveremos a tratarlo aquí en comparación con los pensamientos y puntos de vista de Max Frisch.

De nuevo, quiero estudiar la conexión entre estar en casa con mi mito vital y el sueño de mi infancia y con la aportación de Max Frisch. Tuve mis primeras experiencias de proceso en grupo en Zurich, en el Instituto de Psicología Orientada a Procesos, el primer Instituto fundado por Arnold Mindell hace muchos años. Nunca antes me había topado con este método.

Inmediatamente me sentí totalmente asombrado. Volví a sentirme como en casa. Encontré un nuevo estilo de interacción y volví a casa con la sensación de haber aumentado mi valor. Recuerdo que en el tren a Berna hablaba con todo el que me encontraba, obviamente algo había cambiado en mí. Me sentía como un pájaro libre. Hoy estoy ávido de estudiar este formato y de conocer e iniciar proyectos. Max Frisch volvió a entrar en mi vida en el momento oportuno. Pero tuve que volver a reflexionar sobre por qué me maravillaba tanto Frisch y me vinieron a la mente algunos aspectos de mi pasado. Permítanme compartir con ustedes algo personal:

En mi granja, junto con mi marido trabajamos mucho en ámbitos políticos, especialmente en política agrícola. Me sentía interpelada por él. Me empujaba a hablar en público, hacíamos campaña juntos. Vivíamos en los Alpes en los meses de verano con gente que se interesaba por lo que teníamos que compartir. Tuvimos muchas discusiones, muchos problemas, muchos momentos increíbles y mi sensible energía musical y sutil se vio realmente arremolinada en confrontación con el canal mundial y todas las dificultades, polarizaciones, fracasos y éxitos.

A menudo, me preguntaba:

¿Por qué renunciaste a tu vida sensible y te metiste en un terreno tan difícil, donde hay tantos problemas que resolver? ¿Por qué no seguir tocando el piano y pasándolo de maravilla con la música?

Hoy estoy convencida de que cuando aparecieron de nuevo los diez hombres, era de nuevo el momento de salir de mi zona de confort, llegar a un nuevo hogar y profundizar en mi propio yo desarrollando cualidades que aún no había experimentado. Durante este tiempo, las artes y el Process Work fueron mundos y hogares cruciales para mí. El Process Work me enseñó a acceder siempre a la actitud de que en todo hay algo bueno, algo que te hace avanzar. El arte fue un camino que unió todas mis partes cuando me sentía dividida y esto me permitió seguir mis visiones, mis utopías y llevarlas a mi vida cotidiana.

Hoy puedo decir que el arte, que en cierto modo carece de propósito cotidiano, tiene un puente, y este puente es el Trabajo de Proceso, que conecta el mundo del arte con nuestra vida cotidiana. Sí, el arte no tiene propósito por sí mismo, pero el arte y especialmente el arte en conexión con el Trabajo de Proceso es capaz de cambiar nuestras vidas. Veremos más adelante en este capítulo que tanto el arte como el Trabajo de Proceso revelan lo que está oculto.

Empecé a escribir este capítulo en un momento en el que no sabía por qué, y si esto iba a formar parte de mi trabajo de diploma. Noté una obsesión por entender y reflejar estos pensamientos y puntos de vista en esta charla en lo profundo de la noche, encontrando esta increíble discusión accidentalmente en internet. Algo me atrapó, y durante todo el día siguiente no pude soltar esta charla. No me interesaba si tenía un propósito para mi trabajo de diploma. Pero tenía que reflexionar, escribir, reescribir una y otra vez. Para qué demonios quiero a este Max Frisch en mi tesis de diploma, me pregunté medio año después. Me pregunté si esto sigue siendo actual.

Una voz, probablemente la del niño del sueño de la infancia, que quiere estar en casa, dijo:

Mmm, creo que ya no es importante, ¿por qué abrir de nuevo otra ventana, otro punto de vista? Parece difícil profundizar en esto y conectarlo con la tesis del diploma.

Otra voz, probablemente la de los diez hombres dijo:

Pero es importante hablar también con las palabras de Max Frisch, que son muy confrontativas. No detengas tu impulso original y sigue trabajando en ello. Veras solo caminando, si sera parte del trabajo de diploma o no y podria ser, que una especie de energia confrontacional todavia falta. Tu sin energia de confrontacion no eres tu verdadero yo. No vuelvas a casa, encontrarás uno nuevo y más grande.

Así que empecé a reflexionar sobre las ideas de Max Frisch, el trabajo de proceso y, en particular, el proceso de grupo.

Comienza un nuevo estudio interno del Trabajo por Procesos

Si alguien me pregunta qué estoy haciendo y por qué estudio y practico el proceso de grupo, a menudo me siento como un principiante y busco palabras, todas las cuales no son realmente lo que quería decir. ¿Por qué?

Preguntas como ¿por qué hacemos procesos de grupo? ¿Tiene algún efecto? ¿Es útil para el mundo? ¿Cómo puede un proceso de grupo ser un tipo especial de hogar? Describir lo que es un proceso de grupo es realmente difícil, porque como he dicho antes, al entrar en un proceso de grupo todo se vuelve diferente de lo esperado. Un proceso de grupo es como el arte: Desde un punto de vista pragmático, el arte no es útil, dice Frisch. Vuelve a leer lo que dice Frisch sobre las artes:

La poesía no nos dice dónde poner los residuos radiactivos. La poesía no pide permiso. Está ahí de todos modos, como libertad de conciencia y sensación, que es posible y accesible para todos los seres humanos, no sólo para los artistas.

He dicho antes que Marina Abramovic es una especie de facilitadora, porque entra en un campo y suministra información que es invisible y hace visibles aspectos negados. A través de esta facilitación artística inicia debates, reflexiones y ayuda a cambiar el campo.

Tras la Segunda Guerra Mundial, Max Frisch escribió un borrador que más tarde se convertiría en la obra Andorra, en la que trabajaba el tema del modelo del marginado y el chivo expiatorio (Frisch 1969). En un momento dado, Andri, el marginado de la obra, responde tras preguntarse por qué es diferente de los demás:

... de repente eres como ellos quieren y ese es el mal. Está en todo el mundo, pero nadie quiere tenerlo y el mal está en el aire, pero no se queda ahí, debe entrar en alguien, para que puedan agarrarlo y matarlo.

El artista lo formuló y conmocionó a la sociedad con esta obra. Fue escrita en una época difícil, después de la Segunda Guerra Mundial, en la que la gente tenía enormes dificultades para mirar dentro de sí los patrones del mal. ¿Qué hizo Max Frisch? Compartió con honestidad incondicional un papel que existe dentro de todos nosotros. En un proceso de grupo, esto se llama un papel fantasma - un papel que es difícil de representar y de poseer porque es sobre todo un tabú.

Desde entonces, este papel y este tema se debaten en un marco más amplio. Hoy en día, el papel del fantasma del mal que todos llevamos dentro nos resulta un poco más familiar, aunque sigue siendo un tema difícil. Los artistas se dieron cuenta muy pronto del papel del fantasma. ¿Por qué un artista puede hacerlo? Por la honestidad incondicional y la libertad de conciencia y sensación en la que vive.

Esto es lo que Frisch exige a los artistas, pero también estaba convencido de que esto es posible para todos. Frisch, como artista, siempre expresaba todo lo que notaba y hablaba de ello directamente. Como un rayo láser, observó los papeles y los papeles fantasma de la sociedad en la que vivía.

Esta capacidad de rayo láser me parece muy importante para el papel del facilitador, para un miembro del equipo y para mi trabajo interior. No sólo a la hora de nadar dentro de un grupo, dentro de mis ilusiones o necesidades, sino siendo lo suficientemente desapegado para percibir qué voces están presentes en el momento y también para expresarlo. En un proceso de grupo, tanto el facilitador como los participantes son artistas en esos momentos, porque siguen lo que perciben.

Con el entrenamiento pueden llegar a ser cada vez más capaces de darse cuenta de los patrones invisibles, al igual que el artista. En este sentido, el proceso de grupo puede llamarse arte. Por eso me entusiasmaron tanto las reflexiones de Max Frisch. Ahora sé por qué necesito a Max Frisch para mi tesina y por qué me siento como en casa con estos pensamientos.

Un segundo pensamiento de Max Frisch es su visión de ideologías que corroen. Para él, el arte es subversivo y una antítesis del poder. A continuación intentaré compararlo con el método de Deep Democracy. A través de este documento, hemos visto varias veces la importancia de todos los puntos de vista para permitir que el campo se exprese en su totalidad. Mindell escribe en Líder como artista marcial (Arnold Mindell 2014a):

La democracia profunda es nuestra sensación de que el mundo está aquí para ayudarnos a ser nosotros mismos, y que nosotros estamos aquí para ayudar al mundo a ser completo.

Las señales ocultas, como los roles fantasma, se hacen visibles. Detrás de cada rol y rol fantasma podemos revelar la esencia del rol. Toda la estructura primaria de un grupo se derrumba y surgen nuevas percepciones y potenciales. Arnold Mindell describe en sus libros, concretamente en Sentados al fuego muchos ejemplos de este fenómeno, que muestran cómo las personas poderosas cambiaron a través del descubrimiento de información oculta (Arnold Mindell 2014b). En este sentido, podemos ver algo subversivo en el camino de la Deep Democracy.

Echando un vistazo al significado original de la palabra subversivo: sub-vertere = umstürzen, untergraben/subvertir. Si tomo la palabra de forma totalmente neutral, entonces diría que sí: el proceso puede cambiarlo todo y sí, el proceso es capaz de subvertirlo todo. Pero la palabra subversivo puede malinterpretarse por su connotación de algo rebelde.

Normalmente utilizamos el término para describir la subversión intencionada, y este no es el caso de Deep Democracy. Por lo tanto, yo sustituiría la palabra subversivo por hablar de cualidad reveladora. El proceso de Democracia Profunda revela lo que es invisible, lo que tendemos a evitar y revela la esencia de los roles.

En el siguiente ejemplo intentaré mostrar lo que quiero decir con la cualidad reveladora del campo. Usted verá, que el papel de la crítica sigue siendo tácito, porque el papel en el campo estaba presente en la atmósfera insoportable.

Era un taller de música no intencionada en una academia de música profesional. Me invitaron a trabajar con estudiantes. Normalmente pedía que alguien trabajara conmigo en medio para demostrar el trabajo.

Nadie, silencio, ambiente atascado. Me puse un poco nervioso y esperé. No pasó nada. Entonces dije: “El Proceso acaba de empezar, nadie quiere jugar, bien, exploremos ahora lo que pasa en este momento”.

Una respiración profunda recorrió todo el grupo y apareció un papel fantasma, a menudo relacionado con una escuela de artistas: el de crítico. Por eso nadie quería jugar. Todos llevaban al crítico dentro y, al mismo tiempo, le tenían un miedo enorme.

La crítica en el arte y particularmente en el arte de la performance es algo que traumatiza a la gente. El crítico es un enorme y peligroso papel de fantasma. En este seminario no estaba lo suficientemente entrenado para tratar con fantasmas. Afortunadamente, la situación era tan clara, que fue relativamente fácil coger al crítico.

Hoy veo que se trataba de un ejemplo asombroso de corroer ideologías, concretamente la ideología o el sistema de creencias de la música clásica en nuestro tiempo. Tocar música debe ser absolutamente perfecto! dice el crítico. Después de debatir sobre los miedos que rodean al crítico y al crítico como papel, en ese taller pudimos continuar. Lo pasamos muy bien juntos, llenos de alegría y creatividad.

El enorme potencial de la cualidad reveladora de la Democracia Profunda es que nos da la posibilidad de acceder a todos los papeles que surjan. Las ideologías y los estados congelados se caracterizan por la opresión de las voces marginadas en un grupo y en los individuos. El poder subversivo o revelador del Trabajo de Proceso y la Democracia Profunda es que el campo lo saca a relucir con seguridad, porque no puedo suprimir mis señales - son más fuertes que mi identidad como en el ejemplo del taller descrito anteriormente(Arnold Mindell 2014b).

El papel fantasma del crítico estaba en cada alumno, no sólo en el líder de la escuela. Recuerden la afirmación de Max Frisch:

Basta con que la poesía esté presente, presente como una profunda insuficiencia, un profundo anhelo que todos tenemos.

¿Podría ser que el universo nos utilice en un proceso de grupo como canales para explorar juntos nuestra insuficiencia y nuestros anhelos más profundos? En momentos de un proceso de grupo -por ejemplo, cuando surgen los papeles fantasma- suelo sentir esta insuficiencia y el anhelo de los que habla Max Frisch. Esto me hace volverme humilde y agradecido. En el ejemplo anterior con los estudiantes, surgió una atmósfera de amor, todo el mundo compartió percepciones y sentimientos. Los fantasmas son de todos y el paradigma de la democracia profunda es ya un proceso de corrosión de las ideologías.

Volver a la práctica

Llegados a este punto, de nuevo creo que es hora de practicar y experimentar.

Hacer procesos de grupo no es lo más fácil y necesita formación y práctica. Pero lo que quiero ofrecer aquí es una muestra de ello, que puedes hacer contigo mismo. Como antes, lo conecto con un poco de experiencia en la creación de una obra de arte.

Ejercicio: proceso interno en grupo

1. Recuerda un asunto con un grupo. Puede ser tu grupo de trabajo, tu familia, tus amigos, tu club deportivo o cualquier otro grupo. El problema puede ser un conflicto, una colaboración, un deseo de explorar más, un proyecto.
2. Describa el problema.
3. Describa a todos los participantes que observe.
4. Inicia un proceso de grupo contigo mismo y deja que hablen todas las voces.
5. Juega todos los papeles, cambia de un papel a otro, deja que las voces luchen entre sí, aportando sus argumentos y fíjate en lo que es especial, sorprendente, no previsto/inesperado. Sigue el flujo de la información que surja.
6. Intenta crear algo parecido a una obra de teatro con las distintas piezas de información.
7. Mientras lo haces, una parte de ti se da cuenta de lo que cambia y registra los momentos sorprendentes. Una parte son los participantes, otra el facilitador.
8. Sigue el proceso hasta que ocurra algo significativo. Por ejemplo, puede surgir una idea.
9. 9a. Escribe el proceso como una historia. Estudia todas las voces y deja fluir tu creatividad hasta que esta historia deje de estar ligada a los miembros del grupo.
   9b. Otra posibilidad: Crea un sonido, una melodía, un ritmo para cada voz y graba una cinta con todas ellas. Escucha las voces como si fueran una pieza musical.
10. Crea especialmente la intuición que tienes como música, poema, pintura, danza...
11. Cuando vuelvas a reunirte con el grupo, fíjate si algo ha cambiado. La información no es local, por lo que puede ser que hayas ayudado al grupo a revelar información oculta.

Este ejercicio es un pequeño experimento sobre el proceso de grupo. Naturalmente un proceso de grupo es algo muy complejo y no se puede trabajar a fondo en un pequeño ejercicio.

Pero practicar esto por ti mismo puede ayudarte a acceder a más roles que no te son familiares. Notarás que todos los roles son compartidos, y que el campo es totalmente libre enviándonos las señales, ¡incluso desde roles que ya no están aquí en la tierra!

Después de haber escrito este capítulo estoy convencido una vez más de que el Trabajo de Procesos, la Democracia Profunda y también los procesos de grupo como forma particular de Democracia Profunda son arte. En palabras de Joseph Beuys, también podemos afirmar que todo proceso de grupo es una escultura social. Como facilitador de Democracia Profunda, esta idea es crucial para mí. Empezar un proceso de grupo con la actitud de esculpir juntos una escultura social es una guía útil.

Utopía: otra política, otro arte

Al final de este capítulo me doy cuenta de mi profundo anhelo de otro tipo de política. Permítanme explicar el trasfondo de este sentimiento.

Tras largos años luchando por nuestras convicciones en política, mi marido y yo nos sentimos en cierto modo frustrados al notar que la política iba en una dirección que ya no podíamos compartir. Él dejó su trabajo político en el Parlamento y en organizaciones no gubernamentales de agricultura, que participaban en procesos políticos. Sufrimos mucho y me pregunté qué hacer.

Este fue el momento inicial para unirme al Deep Democracy Institute y fue perfecto. Trabajando en el formato del proceso de grupo, tal y como describí en los capítulos de Marina Abramovic y Max Frisch, me doy cuenta cada vez más de la promesa de otra política y otros formatos para el arte.

Mientras escribo esto, pienso en el proceso de grupo también como una posibilidad de trabajar con la gente en temas de eventos culturales. Podría tratarse de una exposición, un concierto u otro proyecto cultural. Esto sería otra tesina, pero compartiré con vosotros un pequeño ensayo de esta utopía en la Parte 3 bajo el título Hüllen.

Resumen

A través de Max Frisch aprendí:

• Confiar en lo que noto y decirlo
• Realizar procesos de grupo interno en mi vida cotidiana
• Observar lo que noto en grupos como literatura, teatro, poesía y a través de esto mejorar mi habilidad para cambiar de roles y entender mejor los diferentes roles.

Parte 3: Aplicaciones

En esta sección describiré algunos ejemplos de mi trabajo con el arte, la música y el Process Work.

Capítulo 1: Rita

Introducción

El primer ejemplo será un viaje con Rita, músico profesional.

Rita es una mujer muy inteligente con varios títulos académicos: Másters en ciencias de la música y filosofía, un diploma de músico y mucho más. Su proceso a largo plazo es que le falta confianza en sí misma. Ha trabajado mucho en ello. La conozco desde hace muchos años. Primero trabajamos juntos musicalmente, y luego una o dos veces le di sesiones de música no intencionada, para trabajar con su miedo escénico y otras luchas a la hora de hacer música. Una vez participó en un taller de fin de semana sobre música no intencionada en mi granja.

Ahora había aceptado un atractivo compromiso para interpretar su propia música durante una lectura de un autor especial. Sin duda era un hito en su vida.

Pero al cabo de unas horas de decir sí al compromiso le entró miedo de su propio valor. Fue entonces cuando me llamó para que la apoyara en su proceso.

Maravilloso, pensé. Me hacía mucha ilusión, me encantaba la idea, ayudarla a improvisar por primera vez en público.

Estructura del proceso

Estudiemos ahora la estructura del proceso para saber más sobre lo que está ocurriendo: el significado, los roles, los roles fantasma, los tres niveles de experiencia y la información que obtenemos del canal del mundo a través de su experiencia:

Cruzó el borde y luego tuvo un contragolpe.

Su patrón principal: ¿Soy capaz de hacerlo? Nunca lo he hecho antes. No puedo. ¿Cómo se hace? Yo no soy nada.

Mi papel como su coach: Apoyar no sólo su proceso, sino al mismo tiempo trabajar musicalmente en su proyecto, para que el resultado sea lo suficientemente bueno para un músico profesional. No es cosa fácil en dos semanas. Como músico, ella -como todos los músicos- se enfrenta a críticas y bloqueos.

Me alegré de haberla conocido durante muchos años. Esto me ayudó a utilizar las metahabilidades de confianza y ánimo. Conocía bien sus capacidades.

Primera sesión

Rita no sabía cómo empezar, cómo entrar.

Luego estaban las siguientes aristas musicales:

Nunca hice tal cosa. Probablemente no pueda. No sé de dónde saqué esto
valor para decir que sí al compromiso.

Y para mí sólo es posible improvisar, porque de momento odio las obras anotadas.

Su proceso individual se mostró así:

De todos modos, no tengo confianza en mí mismo. No soy capaz de alcanzar mi propio nivel.

Lo que interpreto es banal. Siempre que hablo delante de un grupo me retracto de mis pensamientos antes de expresarlos y les digo que no se crean lo que digo.

Nuestro trabajo

Miramos el primer texto de la lectura y había algunos puntos en los que había pensado jugar, le pregunté, ¿Cómo le llega esta poesía? Dijo: Respiración.

Así que empezamos con la respiración. Rita sacó su corno inglés del estuche preparándose para tocar.

Entró en un espacio profundo y cuando le pregunté, ¿Qué lugar de la Tierra o del universo tiene una resonancia con este espacio? dijo, Mi dormitorio, entre soñar y despertar Sin hacer nada, libertad total.

Comenzó a tocar la música de este espacio. Siguió una maravillosa música especial. Ella estaba ahora más allá del borde en un nuevo espacio, en una nueva creatividad.

Se sentaron las bases para trabajar.

Segunda pieza, segundo punto del texto.

Rita trajo una idea aquí. Una melodía del hermano Jacob de la primera sinfonía de Gustav Mahler. Esta melodía es muy melancólica.

Ahora el trabajo era mucho más fácil, porque Rita ya había cruzado su límite y tenía acceso a su creatividad. Era fascinante trabajar con ella, estaba abierta y dispuesta a dar rienda suelta a su imaginación.

Para el tercer punto, en el que se requería música, volvimos a seguir el texto y ella improvisó una melodía desconocida, que cambiaba constantemente.

Al cabo de dos horas habíamos preparado el borrador y ella estaba lista para continuar en casa. Le recomendé grabar cintas para trabajar su coraje, escuchar desde fuera para trabajar su sistema de creencias.

Segunda sesión

Rita me contó que le enseñó sus piezas a un asesor dramático. Maravilloso, pensé, Se integra en el mainstream y está dispuesta a confrontar su música con un público y, sobre todo, con un público profesional.

Me dijo que constantemente dejaba de jugar y pedía opinión al asesor. Él se enfadó y dijo, Siempre que estoy inmerso en la música la detienes.

Fue un feedback fabuloso para ella. La empujó a seguir adelante y noté una nueva energía en ella para ir a por ello.

Trabajamos en este borde para mostrar su música, su borde para defender su creatividad.

Me habló de un saboteador interior.

Primera intervención

Explorar la energía del saboteador no parecía el camino adecuado. Era muy brutal, muy alejado de su identidad, demasiado secundario, demasiado tenso. Así que continuamos con el movimiento, con la esperanza de que los gestos de movimiento pudieran llevarla más allá del límite en un nivel de esencia. Rita estuvo callada durante mucho tiempo. Al principio pensé que estaba pensando demasiado, pero estaba meditando muy seriamente y de repente mostró un gesto de movimiento muy congruente, así que me quedé alucinado.

El gesto de movimiento en sus palabras: Siguiendo mi respiración surgió un movimiento de brazos que salía de la pelvis formando un gesto de entrega con los brazos y las palmas de las manos.

El punto de tierra de este movimiento fue el sofá de su sala de terapia. Allí no existen tabúes. Allí ella es libre de volver a un viejo patrón. No hay obligaciones. Todo es como es, ni bueno ni malo, es un alivio, un espacio de libertad.

Parecía realmente estar en esta habitación y luego dejó que este espacio jugara. Fue totalmente conmovedor escuchar la música de este espacio. Se me puso la piel de gallina. Para ella era una experiencia nueva tocar de esta manera.

Después tocó un ciclo entero. Funcionó, Rita lo manejó muy bien e incluso cuando surgió su saboteador interior pudo seguir jugando. Su punto de tierra la ayudaba a lidiar con todo lo que surgía.

Aquí dejé el enfoque del Process Work y le hice sugerencias como músico sobre cómo podía prepararse ahora y antes de la actuación.

Sus comentarios tras la actuación:

Creo que estuvo muy bien. ¿Por dónde empezar? Cuando me fui a casa después de la sesión y también al día siguiente, estaba al mismo tiempo tensa y tranquila y relajada. Algo así como afortunado y feliz. No me conozco ni feliz ni tranquilo.

Hoy a la hora de comer, cuando he podido probar en la sala de interpretación, he tenido una terrible subida de adrenalina. Aparecieron de nuevo todos los viejos esquemas, la adversidad del instrumento, todo lo que creo que no soy capaz de hacer. Sólo faltaban dos horas para la actuación. Así que seguí todos los consejos e intenté relajarme con el trabajo que habíamos hecho. Salí de la sala durante el debate público previo a mi actuación, volví al movimiento y a este espacio de la última sesión. Este tipo de concentración era realmente nuevo para mí.

No hablé mucho con el autor, que leyó, pero puedo describir cómo estuvimos conectados durante el acto: Me senté a cierta distancia de él, pero de forma que mantuviéramos contacto visual. Por cierto, tiene un corazón muy cálido, despierto y abierto. Después toqué las tres improvisaciones. No me parecieron muy valientes, pero sabía que para el público es diferente. La primera pieza con la respiración larga y los sonidos extraños, luego la melodía del hermano Jakob. El autor se dio cuenta rápidamente y durante la música nos miramos. Después - mi propia melodía, esta fue la música más desafiante, pero pude dejarme tocar la música más o menos y no busqué algo que no estaba allí. Y de nuevo, y de nuevo sin sentirme abandonado, esto fue un gran apoyo.

Antes de empezar a tocar, buscaba el contacto visual con el autor. En la primera pieza toqué enseguida sus palabras y esto me pareció que tuvo un efecto muy fuerte en el público. Realmente pensaron que yo actuaba y reaccionaba con las palabras. Recibí muchos comentarios que lo confirmaban. La profesora que me pidió que hiciera esa actuación dijo que nunca había experimentado una conexión tan intensa entre los poemas y la música. Y esta autora hace lecturas a menudo con músicos consumados.

Tú estabas allí, tu difunto Lorenz [mi difunto marido] estaba allí. El pequeño hijo del profesor, y todo estaba conectado en profunda belleza y tristeza.

Al cabo de unos meses recibí de ella el siguiente correo electrónico:

Quiero compartir con vosotros que he vuelto a tocar improvisaciones en una actuación. Era una liturgia para el Viernes Santo. Sólo un día antes me lo pidieron porque un músico se puso enfermo. Primero quise decir que no. Pero luego me di cuenta de que el trabajo que hicimos juntos es realmente sostenible. Era un riesgo, un experimento, sólo había un día de preparación y no tuve miedo ni un segundo. Me preparé muy intensamente y sabía bien lo que había que hacer. Me permitisteis actuar y confiar, apenas puedo creerlo, muchas gracias. Todo salió bien, especialmente con el corno inglés. También llevaba una armónica y una pequeña guitarra. La respuesta fue muy positiva y me sentí concentrado durante la música, más valiente y libre de censura interior.

Me alegré mucho y sentí el enorme regalo del Trabajo de Proceso y, especialmente en este trabajo, el profundo poder del trabajo de la esencia y su camino para volver a casa con el verdadero yo. Cuando miro atrás, veo que trabajamos casi enteramente en el nivel de la esencia. Desde ahí fue posible para ella conectar estas percepciones a otros niveles. El resultado en el nivel RC de la realidad cotidiana demostró que realmente había integrado su proceso a largo plazo.

El trabajo de esencias para ella era el camino correcto. Como persona intelectual y muy inteligente, con experiencia en análisis psicológico, le faltaba una parte, ya tenía experiencia en el análisis ( el diván en la sala de terapia ) y como la conozco también en privado conocía un poco su lado inconformista especial también, pero no estaba preparada para conectarlo con el nivel de realidad consensuado de interpretar una actuación y defenderla en el mundo exterior. El trabajo de la esencia fue su acceso a esta conexión para confiar en su creatividad.

Su propia música salía de su verdadero yo, no perturbado por normas y miedos. Su maravillosa música conmovió profundamente al público. En mis experiencias musicales en general, es la fuente de la esencia la que toca a los oyentes. Hacer música desde este hogar en el mundo de la esencia es recordar al oyente su propio hogar.

Capítulo 2: Mi camino hacia una decisión

La siguiente sección es una descripción de mi propio trabajo interior con la música:

Trabajé en un tema específico mío: practicar la combinación de música y Process Work.

Se trataba de una cuestión sobre una decisión en el ámbito laboral. Pensé en dejar un trabajo concreto que me ha acompañado durante toda mi vida profesional: dar clases de piano en una escuela de música donde los niños aprenden a tocar el piano. Este fue mi trabajo diario durante años como mi ingreso básico. Entre medias me di cuenta de los proyectos que tenía sin una gran presión para ganar suficiente dinero.

Me encantaba el trabajo y me encantaban los niños, adolescentes y adultos que aprendían a tocar el piano. Ahora algo llamaba a la puerta en busca de nuevas experiencias. ¿Estarían los diez hombres llamando a mi puerta de nuevo, requiriendo otro nuevo hogar?

tomé esto como una oportunidad para explorar lo que más tarde se convirtió en Soundcloud en mi tesis de diploma y al mismo tiempo esperaba mostrar cómo la música apoya el proceso (Schatzmann 2018c). Puedes escuchar la música aquí. Tenga en cuenta que esta música no es para compartir. Es una expresión musical en bruto. Quiero demostrar que el trabajo con la música no depende de tu habilidad musical. Por eso la grabé tal y como surgió espontáneamente, sin preparación.

25 de diciembre de 2018

25 de diciembre de 2018 Uno de los primeros días sin presión horaria en mucho tiempo.

Dejar mi trabajo en 2020 está continuamente en mi mente y quiero utilizar las vacaciones de Navidad para trabajar en esta decisión.

Lo que noto en el momento: Dos partes en mí

Estructura del proceso

Primer papel: miedo a saltar

Rol dos Desconocido, nueva identidad, perder el propósito

Edge: El punto de no retorno que más temo. ¿Seré capaz de tomar la decisión correcta?

El sonido: Un sonido profundo en medio de mi cuerpo con un movimiento que apoya este llegar a mi propia profundidad. Escuche aquí (Schatzmann, s.f.).

La perspicacia que emana de la música:

Una decisión no se toma, una decisión sucede. El tema de la decisión correcta no es decidir, sino profundizar en el interior.

Mi plan

Cada día tocando una música libre sin reflexionar pero dejando que la música suceda desde dentro hacia fuera.

Mi diario musical por ahora tiene la siguiente estructura y plan:

• Música libre como meditación en acción. Grábalo.
• Piensa en el tema del día y trabájalo con la música como trabajo interior.
• Compara la meditación musical gratuita con el trabajo interior concreto

Música gratis tras el trabajo en profundidad (vídeo)

29 de diciembre de 2018

Ayer me di cuenta de repente mientras conducía el coche.

10 años hasta mi 70 cumpleaños.

Magdalena, ¿y estás dudando en cambiar tu vida profesional? Adelante.

¿Quién me dice esto?

Luego el siguiente sueño:

Alguien, un conserje de una escuela pública, me lleva en coche por una zona muy solitaria en el bosque de un paisaje montañoso. Allí pasamos junto a un altar. Está hecho muy sencillamente de madera. Veo que tiene algo de católico. Siento una atmósfera de devoción.

Continuamos nuestro viaje y llegamos a un pueblo perdido como al final de la civilización. Allí vemos vías de tren que están fuera de servicio.

Me interesa el altar. ¿Qué significa?

Haciendo sonar el altar, surge un sonido muy sensible. Acaricio las campanas con una rama de hiedra. Un sonido al borde de ser audible. A veces repica una campana alta.

Yo soy tu altar, ven con todo a mí y cállate, estate en silencio y escucha. Desde allí sal permaneciendo en contacto conmigo. ¡La vida es devoción!

Música: Ivy branch:

2 de enero de 2019

¡Segundo día del nuevo año! Por fin nieva después de días cálidos. Me siento como en casa, recordando mi infancia, cuando la nieve en invierno era normal. El cambio climático. ¿Sería posible trabajar sobre el cambio climático aquí y ahora a través de la música?

Recuerdo que Des Pas sur la Neige, de Claude Debussy. Es una pieza que me conecta con la atmósfera del invierno, el silencio, la ternura del sonido de la nieve.

Pasos en la nieve. Salgo a la calle y paso a paso voy caminando y escuchando el sonido bajo mis zapatos. Es una meditación sobre la huella. Conocemos la huella ecológica - esta es mi primera asociación. La huella de la meditación (escuche aquí) que comento con palabras me invita a ver un marco más amplio de la huella en el paseo. Después, medito sobre la pregunta, ¿Qué quiero imprimir en la tierra en mi próxima y última fase de mi vida? (Schatzmann 2019a).

12 de enero de 2019

En medio de la vida cotidiana. Mucho trabajo.

Nieve fuera. Recordando Des pas sur la neige, todos los días paseando con mi perro por un paisaje nevado. El ritmo se ralentiza.

Hoy quiero trabajar en soltarme y estar sin mi rango de profesor y líder de una escuela de música. Sentirme algo libre pero también, me imagino estar aquí en la granja donde todo tiene que salir de mi propia iniciativa.

Imagina haber terminado con este trabajo.

Espacio alrededor de mi tórax, sorpresa para mí, esperaba más una sensación de ansiedad de lo desconocido.

Mancha terrestre:

Algo así como la Taiga rusa. Nunca estuve allí, pero mi imaginación me lo dice.

En este paisaje soy una pequeña nada. El paisaje es enorme, grande sin fin.

Convertirme en este paisaje: No son los seres humanos los que deciden aquí lo que funciona, soy yo. Los animales y la flora viven cuando yo lo permito. Están completamente conectados conmigo.

La música:

Este paisaje suena: Sólo octavas, por todo el teclado del piano. Unidad, claridad, todos los tonos en un solo tono y sus octavas.

La música no tiene forma, es como un espacio en blanco. La música me hace muy tranquilo y listo para sentir, todas las voces fuera de este espacio en blanco se han ido.

Conectar con esta música y este paisaje ayuda a escuchar la voz interior, la vida interior a algo que es más grande que los argumentos del sí o el no. Escuche aquí a Tiaga Music Wave (Schatzmann 2019b).

Resumen de este diario musical:

Cada vez que trabajaba en la música de mi proceso hacía hincapié en algo de dentro hacia fuera. Escuchar profundamente en el interior permite percepciones, ideas para los próximos pasos. En la meditación musical me siento en casa, siento mi verdadero yo. Noto un gran cambio de actitud.

FROM INSIDE OUT es mi nueva guía.

Las semanas que siguieron me encontré todavía en el sí y el no, pero con las experiencias de antes podía estar relajado, y esperaba a que la decisión se produjera. La decisión realmente apareció después de un tiempo sin trabajar conscientemente en ella. Surgieron algunas señales y para mi asombro pude notarlo como la decisión ya se ha tomado. Me sentí de una manera extraña lejos de la escuela de música. Esta fue la decisión.

La música me apoyó para permitirme esperar a que llegara la decisión, para ir paso a paso con Debussy: Dés pas sur la neige. La música del espacio, de mi yo más profundo sin influencias me ayudó a estar más despierta a todo lo que sucedía.

Veo que el trabajo de esencia con música es útil al principio de un proceso. Grabar la música ayuda a recordar más adelante.

En mi proceso se sucedieron varias fases, también cognitivas. Sin embargo, la conexión nunca se perdió. Estas experiencias se sentían como una impregnación.

Capítulo 3: Hüllen

Un formato para visitantes de exposiciones de arte

En el capítulo sobre John Cage describí un ejercicio con Ruth Hänni. Es arquitecta y artista. La preparé para su primera exposición y planeamos un acto basado en la Democracia Profunda. Lamentablemente, muchos de los inscritos estaban enfermos, por lo que sólo se apuntaron unas pocas personas.

En primer lugar, Ruth y yo habíamos planeado un proceso en grupo con sus obras. Unos días antes decidimos hacer primero un ejercicio en díadas con una de las obras, esperando que así fuera más fácil sacarla a la superficie. También hablamos de nuestro miedo a la forma desconocida en que la gente mira las obras de arte. Nos dimos cuenta de que nosotros mismos estábamos un poco asustados... y al límite. Yo misma sentía la dificultad de utilizar o no su exposición para mi propia investigación, y el tiempo para trabajar en ella era escaso.

Durante el acto, Ruth y yo hicimos una demostración de este ejercicio con una de sus obras titulada Confíe en.

Para nuestra sorpresa, nada más empezar, una mujer preguntó si podía decir algo. ¡Claro! respondimos, y esto ya fue el comienzo de un proceso de grupo sobre el tema de la confianza. Todo el mundo habló y encontramos muchos fantasmas. Por ejemplo, el fantasma de la empresa que no se preocupa por la confianza. También descubrimos que los jóvenes tenían una relación con la confianza muy diferente a la de los participantes de más edad. Sentimos todas las historias de la gente y al mismo tiempo nos dimos cuenta de la frescura de los jóvenes. En cierto modo, hicimos un proceso de grupo sobre los aspectos intergeneracionales de la confianza. Fue realmente asombroso y me motivó a explorar aún más la Democracia Profunda en la dirección del arte.

Volver a la práctica

Ejercicio: Observar el arte

En díadas, tríadas o juntos en pequeños grupos

El ejercicio está escrito para díadas

1. Recorran juntos una exposición de arte y elijan una obra que les llame la atención, que coquetee con ustedes.
2. Observa los primeros efectos, las impresiones. Lo que te coquetea, lo que te perturba. Intercambia tus impresiones.
3. Estudia las cualidades que te gustan, las cualidades que eres capaz de localizar. Descríbelas como roles. ¿Existe una polaridad entre vosotros? Intenta defender tu papel y jugar con estos papeles.
4. En un siguiente paso averigua algo que te moleste, algo extraño, algo que no entiendas o que no te guste. ¿Puedes mostrarlo también en un papel?
5. Continúa con el juego de roles con los papeles que te gustan y con los que no te gustan. Intenta identificarte también con los papeles que no te gustan y dales voz. Continúa explorando cada vez más cada papel y especialmente el papel que no te gusta, que no entiendes. Intenta identificarte con él hasta que encuentres la esencia de ese papel. Jueguen juntos con las esencias de los papeles. Déjate llevar, sé creativo, co-crea la obra de arte de nuevo para que te conviertas en el co-artista de la obra de arte.
6. ¿Qué cambios se han producido en esta obra? ¿Qué te llevas a la vida cotidiana?
7. ¿De qué manera te ayuda ahora la obra de arte a sentirte como en casa en una nueva experiencia?

Capítulo 4: Trabajo interior y composición musical

Para terminar la parte de aplicaciones me gustaría compartir un proceso profundo con música y Process Work que tuve en invierno de 2017.

1 de enero de 2017

Pasé un domingo maravilloso con tiempo soleado y un hermoso paseo.

Al volver a casa, me vino un pensamiento:

Magdalena ahora tienes tiempo para hacer música, ¿por qué dudas todo el tiempo desde la muerte de Lorenz?

Así que me preparé para el trabajo interior sobre este tema.

¿Cuál era la duda?

Amor por la vacilación. La vacilación consiguió espacio. El espacio era muy vulnerable, sensible, por lo que casi todas las músicas eran demasiado fuertes. No podía imaginar como antes, para decidir qué música para trabajar ahora, en el sentido de los negocios como de costumbre. Ahora estoy en un espacio especial donde lo desconocido para mí como músico es extraño, ya no es mi identidad normal.

Dándome cuenta también de que mi vida cotidiana me exige tantas decisiones racionales, ocupada con cosas materiales, con procedimientos, de modo que marginaba esta vulnerabilidad y buscaba siempre un espacio para descansar.

El siguiente paso fue: ¿Cómo puedo expresarlo con un gesto musical? Tenía que esperar que no pasara nada.

Entrar en este espacio vulnerable y dejar que este espacio se exprese. De repente dejé que algo cayera en las cuerdas del piano. Y entonces ocurrió algo asombroso. Fue el desvanecimiento del sonido, como morir.

Y sentí la resonancia en mi lugar donde había estado todo el tiempo.

Esto me dio una idea para trabajar en esta dirección y la idea de llevar esta vulnerabilidad también más en mi vida cotidiana.

3 de enero de 2017

Hoy he convivido con mi vulnerabilidad: Esta toma de conciencia ayudó a equilibrar la vida cotidiana con sus exigencias y el cuidado de mi vulnerabilidad.

Escucha: Gesto musical Klanggeste (Schatzmann, s.f.)

Escucha: Wohin geht der Klang - ¿Adónde va el sonido? (Schatzmann, s.f.)

10 de enero de 2017

En mi estudio empecé ahora a componer una pieza que conectaba mis experiencias pasadas con mi proceso de vulnerabilidad. En cierto modo fue fácil. Escuché los sonidos adecuados para el momento. Compuse de forma asociativa, no como suelen trabajar los compositores clásicos. Y me di cuenta de que componer me resultaba muy familiar, como estar en casa.

Por último, probé algunas piezas al piano, un estudio de Chopin para entrenar los dedos.

De repente me di cuenta de por qué dudaba a la hora de tocar música. La música puede ser demasiado materialista, demasiados tonos, demasiado física. Estoy y estuve en un proceso con un moribundo que fue perdiendo cada vez más su vida física hasta la transición. Cuando recuerdo el momento en que murió mi marido, se hace un profundo silencio.

Mi proceso consiste ahora en crear música que alimente el proceso de cruzar el límite del mundo material y entrar en un mundo más amplio.

Hay compositores que sólo escriben música tranquila: Por ejemplo, John Cage, Morton Feldman, Makiko Nishikaze. También recuerdo la última pieza de las 6 pequeñas piezas para piano de Arnold Schönberg. La última, muy lenta y tranquila, fue escrita tras la muerte de Gustav Mahler.

14 de enero de 2017

Hoy era el momento adecuado para seguir trabajando en mi obra para piano. Un largo paseo por un paisaje invernal, que despliega el mundo en silencio.

Entré y noté un espacio sensible en el que los tonos, la ocurrencia musical se mostraba para ser anotada en el papel. Me acordé de la compositora Makiko Nishikaze, que dijo una vez que ella pide el tono adecuado y luego vuelve al principio, tocando toda la pieza hasta que llega de nuevo al nuevo tono o sonido y pregunta si realmente quiere quedarse ahí.

Sí reconocí algo parecido: Como el Tao del tono. También me acordé de John Cage, que trabajó mucho el significado del Tao en su música utilizando el I Ching. ¿Cómo se manifiesta el Tao en la música? Cage trabaja a través del giro de la moneda: maravilloso. Nishikaze a través de una alta sensibilidad. ¿Podría compararse esta forma con la idea de flirteo que nos enseña Arnold Mindell?

La idea de una nueva práctica compositiva utilizando el camino sensible de las coquetas será mi próxima investigación.

Escucha el Música de fondo.

Conclusión

Hemos llegado al final de nuestro viaje y es hora de mirar atrás.

Este trabajo fue un viaje de unos tres años de estudios, pausas, experimentos, discusiones con otros, pruebas, fases de sobreesfuerzo y trabajo interior. Me llena un sentimiento de agradecimiento pensar en mi propio crecimiento a través de este trabajo. Fue un camino de vuelta a casa para mí de una forma nueva y fresca.

Al principio de este trabajo estaba la profunda experiencia de dejar ir a mi compañero muerto, explorando otra manera de estar en contacto con esta alma dentro del área de la esencia. Esta experiencia, encontrándome en un punto cero, fue uno de los impulsos iniciales para mi investigación con la pregunta: ¿Qué es estar en casa?

De una forma nueva encontré el reino de la esencia como el centro de la experiencia de nuestro hogar no local, la conexión de la vida y la muerte, el origen del arte y la música y de un aspecto profundo del Trabajo de Proceso y la Democracia Profunda. Exploré cómo esa creatividad innata, cimentada en la esencia del Tao que no puede hablarse, es una fuerza profunda para dar forma a nuestro mundo.

Toda manifestación de arte tiene sus raíces en la esencia, y todo cambio en nuestras vidas empieza ahí. Ahora sé, que el papel en blanco antes de crear música, por ejemplo, no es algo que tenga que temer, sino que el papel en blanco es la esencia, de donde surge la creatividad.

En primer lugar, este trabajo me cambió como artista. En segundo lugar, a través de este trabajo obtuve un marco para trabajar también con individuos y grupos para apoyarlos como seres humanos creativos.

En tercer lugar, este trabajo fue un viaje para encontrar mi propio camino de cómo ir más allá con el Trabajo de Proceso, la Democracia Profunda, la música y el arte en mi próxima fase como artista, como facilitador y coach.

Si a usted, como lector, le ha picado la curiosidad por probar los ejercicios y experimentar en sí mismo su faceta de artista, se cumple una profunda esperanza.

Descubrí de una forma nueva la fluidez entre los tres niveles: la esencia, el país de los sueños y la realidad consensuada. Experimentar profundamente la esencia en cada experiencia vital me abrió a tener más valor en la vida. Esta experiencia también la noté en mi trabajo con los clientes. Dar forma a las experiencias de la esencia como el hogar de todo a través del arte y la música es ahora un punto central de mi trabajo. El arte, como una de las primeras manifestaciones de todo, precede a la vida cotidiana. La integración de la música y el arte en el campo del Trabajo de Proceso y la Democracia Profunda es una forma hermosa y asombrosa de trabajar la fluidez a través de todos los niveles, llevando las percepciones y los dones a la vida cotidiana.

Combinar el Trabajo de Proceso y la Democracia Profunda con el arte y la música me proporciona personalmente algo muy concreto a mano para recordar las percepciones, también días después de trabajar en un tema. Como observador/oyente de mi obra de arte tengo la posibilidad de descubrir una y otra vez nuevos aspectos de mi proceso. Mis experiencias conmigo mismo y con los demás demuestran que plasmar la experiencia de la esencia en una obra de arte real, sea cual sea, es impresionante. Incluso crear obras de arte que expresen fuertes polaridades, muestra la belleza de las disonancias.

Terminando esta tesina y resumiendo mi investigación, acaba de publicarse el nuevo libro de Arnold Mindell: 2ª Formación del Líder (Arnold Mindell 2019a).

Arnold Mindell habla del “sonido del silencio” (Arnold Mindell 2019a, cap. 7). ¡Qué alegría me da leer esto! Dice que el sonido del silencio es una forma de trabajar con la Processmind, a nivel de la esencia. Dice además:

La idea básica es que el silencio tiene un sonido, un mensaje.

En mi experiencia, este sonido de silencio es el primero de algo que quiere presentarse. Muy lejos incluso de los sueños que podemos imaginar. Para mí, como músico, la música es una gran ventana a lo más profundo, al verdadero yo y al hogar, un puente entre la vida física y la inmaterial y, en mi práctica, la fuente de la creación musical.

La música -y yo diría que las artes en general- son el hogar de todo, y esto puede ser posible para todos. Fíjense en mi dibujo de abajo. Fue mi primera manifestación de una visión. Los “cuernos” que salen de mis ojos y mis orejas como embudos me recuerdan todavía hoy que debo mirar y escuchar al universo. No soy pintor y en la escuela siempre se me dio “mal” pintar. Pero no se trata de eso. El punto es que cada uno puede experimentarse a sí mismo como artista, como formador y diseñador de su vida, a través de la música, las artes y el Trabajo de Proceso, experimentando una y otra vez su verdadero hogar.

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Apéndice 1: Glosario

Proceso: El flujo de información. Hay dos flujos de información diferentes. Una es más conocida y tiende a gustarnos, la otra es menos conocida y tiende a disgustarnos.

Proceso primario + secundario, U y X: Proceso primario (u): Lo informativo que nos gusta o conocemos bien. Proceso secundario (x). La información que se considera ajena y que se experimenta como fuera de control.

Borde: La frontera entre la información más conocida (primaria) y la menos conocida (secundaria). Marca el límite de nuestra identidad. El trabajo por procesos ofrece métodos para cruzar el límite.

Democracia profunda: Percatarse de cada información a todos los niveles: realidad consensuada, mundo onírico y esencia.

Papel: Un patrón de comportamiento impersonal que no es local y nos pertenece a todos. Los roles son puntos de vista, comportamientos o valores acordados por la cultura general del grupo. En los grupos, los roles pueden manifestarse a través de los individuos.

Papel de fantasma: Un papel fantasma es un patrón de comportamiento, un punto de vista o una actitud que la cultura dominante del grupo considera inadecuados y, por lo tanto, se marginan y se dejan de lado. No está representado de forma congruente en el grupo.

Campo: Información no local y local dentro de un grupo que organiza a los individuos que luego representan estas piezas de información a través de roles y roles fantasma.

Canales: La distinta percepción del proceso. Cómo se recibe y se envía la información. Los distintos canales son: visión, audición, propiocepción (sensación corporal), movimiento, relación y mundo.

Señal: Aspecto de la información que aparece a través de uno de los canales.

Doble señal: Un aspecto de la información que no es intencionado. El emisor experimenta esta información como algo fuera de su control. Esta información está relacionada con el proceso secundario.

Nivel de esencia: El reino de la experiencia más allá de la polaridad que sólo puede percibirse, y que a menudo aparece en atmósferas y experiencias de las que es imposible o casi imposible hablar. Puede denominarse el Tao que no puede hablarse.

Coquetea: El mundo de las esencias puede percibirse a través de coqueteos, una señal parpadeante que apenas se detecta y no puede rastrearse.

Dreamland: El mundo de los sueños nocturnos, así como las fantasías, sentimientos y experiencias subjetivas de individuos y grupos. Estas experiencias no pueden medirse objetivamente.

Consenso Realidad: El mundo mensurable de la vida cotidiana que la cultura en cuestión considera “real”. Lo que se considera “real” varía de una cultura a otra.

Mito de la vida, sueños de infancia: Un sueño temprano significativo o un recuerdo temprano que muestra patrones que aparecerán a lo largo de su vida. También podría denominarse la melodía de la vida o la danza de la vida.

No localidad: Procedente de la física cuántica, este término describe experiencias que están más allá del tiempo y el espacio y que podrían descubrirse en individuos, grupos y el mundo en su conjunto.

Sistema Mayor y Menor: Escalas de un sistema tonal europeo surgido después de la Edad Media. Las siete escalas se redujeron a dos: Menor y Mayor

Armonía: Sonido de dos o más voces. El aspecto vertical de la música.

Sinfonía: Estructura musical de la música orquestal desde principios del siglo XVII. Esta estructura fue importante en los periodos clásico (siglo XVIII) y romántico (siglo XIX) de la música.

Frase musical: En teoría de la composición: Algunos motivos, o gestos, como pensamientos, que construyen una pequeña unidad. Comparable con una frase en el lenguaje.

Apéndice 2 Ejercicios

Ejercicios Parte 1

Capítulo 2: Estabilidad del proceso

Ejercicio 1: Experiencia básica 1 - Sabor de u y x

1. Piensa en algo que te guste en este momento (u)
2. ¿Cómo sabes que esto te gusta?
3. Compruebe, en qué canal experimenta esto
4. Piensa en algo que no te gusta en este momento
5. ¿Cómo conoces el dolor?
6. Intenta averiguar el canal en el que tienes esta experiencia
7. Sigue la experiencia en el canal en el que te fijaste X.

Ejercicio 2: Experiencia básica 2 - U y X y Música

1. Detén por un momento las actividades de tu vida cotidiana
2. Siéntate o ponte de pie cómodamente, respira un poco.
3. Intenta abrir un poco tu mente
4. ¿Hay algo que te guste en este momento?
5. Descríbalo y disfrútelo
6. Encuentra un sonido para esto, algo corto (melodía corta, ritmo, ruido ) ¿Hay algo incómodo para ti, algo que no te guste? ¿Te molesta, te perturba? Descríbelo y encuentra un sonido como los mencionados anteriormente
7. Combina los dos sonidos y crea una pequeña pieza musical
8. ¿Qué le dice esta música? ¿Alguna idea?

Ejercicios Parte 2

Capítulo 2: Joseph Beuys

Ejercicio 3: Entrenamiento utópico, Esculpir tu mundo

1. Observa tu vida cotidiana y piensa en un área en la que eches de menos inspiración y emoción.
2. Respira un poco, relájate, déjate llevar por el sueño, la niebla.
3. Imagina que estás muy lejos de la Tierra, o muy lejos de tu situación cotidiana.
4. Mira a tu alrededor. ¿En qué te fijas? ¿Hay algo que te parezca especial y atractivo? ¿Es toda la escena o un aspecto concreto?
5. Intenta entonces desprenderte de la frontera que te separa de esta zona hasta que sientas que eres la propia zona. Olvídate de tu vida cotidiana. (Esto puede llevar un poco de tiempo). Ahora conviértete en este lugar. Ahora eres este lugar.
6. Como este lugar (que eres tú), ¿qué característica o cualidad notas que eres? Disfrútalo. Este lugar está lleno de creatividad sin límites. Como este lugar, explora tu cualidad que difiere de tu yo cotidiano. Sé ahora esta nueva cualidad, disfrútala, muévela, déjala sonar.
7. Desde esta nueva perspectiva, examina el tema que te planteaste en el paso 1. ¿Hay un punto principal, un aspecto general que tú como este lugar notas? ¿Cuál es el punto más importante desde tu perspectiva ahora? ¿Cuál es el aspecto inspirador?
   
   Este aspecto puede ser algo más grande de lo que normalmente eres capaz de darte cuenta en la vida cotidiana. No te preocupes, ahora eres este nuevo yo por un momento y no un ser en la vida cotidiana.
8. Después de dar suficiente espacio a lo que este nuevo yo te está diciendo, crea como este yo algunos pasos siguientes que se acerquen a la inspiración, las ideas, las realizaciones. ¿Qué podría cambiar en el mundo al realizar estos pasos?
9. Intenta esculpir esto ahora en una especie de obra de arte: Coge algún material para darle forma, encuentra un sonido para construir una pieza musical, invita a la gente a compartir tu idea, escribe un poema, haz una performance, etc.

Ejercicio 4: Plasmación de una visión

Este ejercicio quiere darte la oportunidad de explorar tu artista interior y realizar con este artista interior tus visiones y planes. Aquí me refiero al arte como un viaje que comienza en un mundo súper sensorial. El nivel de esencia en el Process Work o ferner punkt de Beuy puede apoyarte a trascender tu mente cotidiana, volviendo a casa contigo mismo, y desde ahí crear una visión. El ejercicio tiene dos partes y puedes trabajarlo durante un periodo de dos o más días para profundizar en tus visiones. El ejercicio te ayuda a encontrar un gran plan o una gran visión. También puede utilizarse para cambios profundos en tu vida.

Parte 1

1. Piensa en un plan, una visión o un sueño que no has podido hacer realidad porque, o bien no creías que fuera posible, o bien aún no era el momento adecuado para llevarlo a cabo. Algo quedó en el aire, algo te detuvo, no había suficiente voluntad y energía. Pero ahora quieres ir a por ello.
2. La visión, el plan: Observa primero la visión general, que puede ser vaga, un sentimiento, una imagen interior o cualquier otra cosa. Toma algunas notas y luego apártalas.
3. Déjese llevar a un lugar muy alejado de su vida cotidiana (el ferner punkt de Beuys).
4. Mira alrededor de este lugar, disfruta de su calidad especial. Siente, muévete, escucha la calidad y conviértete cada vez más en esta calidad. Como este lugar con esta cualidad especial, tú eres la fuerza detrás de tu visión. ¿Cómo es ser esta fuerza? ¿Cuál es su carácter distintivo?
5. Como este lugar, como esta fuerza mira tu visión. ¿Cuál es la razón más importante para realizar esta visión o plan? ¿Qué hay detrás? ¿Cuál es la esencia de la visión o el plan?
6. Ahora, como esta fuerza, elige un medio y -sin dejar de ser esta fuerza- da forma a la esencia de tu visión. Pinta, suena, muévete, escribe como esta fuerza. Si es sonido: haz un mono o escribe la partitura de la música, si es movimiento, haz una película. Como esta fuerza eres el artista que crea una obra de arte.
7. Date el tiempo suficiente para crear esta obra de arte. Tú como este artista estás lejos de tu yo cotidiano, vuelas más allá de los bordes y creas como un artista famoso. Tú eres ahora el artista y este artista es el creador, que lleva la fuente de la visión a una forma audible, visible, tangible.
8. Después de terminar. Déjelo al menos un día.

Segunda parte:

1. Al día siguiente, mira, escucha o lee lo que has creado como si fueras un observador, no el creador. Deja que surjan tus inspiraciones como si estuvieras en una exposición, en un concierto o en una representación.
2. Intenta descubrir qué parte de esta obra de arte no se parece a tu yo cotidiano. Quizás más grande, más loca, más extraña, etc. ¿Cuál es la diferencia entre tú y esta parte especial de tu obra de arte? Fíjate en el artista que la ha creado. Describe a esta artista como si la estuvieras describiendo para un anuncio.
3. ¿Quién es esta artista, cuál es su calidad? Imagina por qué el público adora a esta artista.
4. Crea un movimiento de manos para la cualidad especial de este artista y repítelo hasta que tengas una especie de percepción de cómo tu artista interior te apoya en tu vida cotidiana y en la realización de tu visión.
5. Celebra el nacimiento de tu nuevo artista interior, báilalo, muévelo, cántalo, etc.
6. ¿Cuáles son los siguientes pasos para hacer realidad su visión?

Capítulo 3: John Cage

Ejercicio 5: Entrenamiento auditivo 1, estar en casa

Este ejercicio le ayuda a ampliar su comprensión de lo que es la música y puede entrenarse para abrirse a cualidades desconocidas. Las cualidades desconocidas en el canal auditivo como en la música son un proceso secundario muy fuerte. Si no nos gusta algo en la música pero tenemos que escucharla, nos muestra aristas fuertes y a menudo esto es doloroso de soportar.

1. Escucha una de las grabaciones de Paisaje Imaginario, coge la que te resulte menos cómoda. (véase el enlace en la página anterior).
2. Escucha una parte.
3. Apaga la música y descríbete a ti mismo el aspecto más desconocido de la pieza con un movimiento de manos.
4. Repite el movimiento hasta que entiendas su significado (hasta que comprendas su energía).
5. Relájate, respira un poco y vete en tu imaginación a un lugar de la tierra o del universo. No hace falta que conozcas este lugar.
6. Esté allí, sienta la calidad del lugar. Puedes notar una conexión entre la energía del movimiento de tus manos y este lugar?
7. Si la respuesta es sí, conéctate profundamente con esta energía. Suelta tu personalidad cotidiana y sé esta energía ahora. ¿Quién eres? ¿En qué te diferencias de tu yo cotidiano? Disfruta de este nuevo sabor.
8. Mira tu día a día desde esta perspectiva. ¿Tienes algún consejo para tu yo cotidiano? ¿Qué cambiaría en tu vida si vivieras más esta energía? ¿Cómo podría ser esto más hogareño para ti?
9. Ahora vuelva a escuchar Paisaje imaginario. ¿En qué se diferencia ahora la música para ti?

Ejercicio 6: Entrenamiento auditivo 2, estar en casa

1. Escuche una obra de John Cage, por ejemplo Two2 (véase el enlace en la página anterior).
2. Respira un poco antes de empezar la grabación y siéntate cómodamente.
3. Pon música y escucha
4. Si algo no te resulta cómodo, date cuenta y déjalo ir
5. Conecta profundamente con cada sonido que escuches, sé esta música ahora, suelta tu vida cotidiana y tu yo cotidiano, viaja ahora como sonido, tono, pausa.
6. Ahora estás en un mundo paralelo, un mundo musical. Este mundo está en todas partes, no hay fronteras, el sonido no tiene principio ni fin. Sé esto ahora, un ser de todas partes y sin fronteras, sin principio ni fin.
7. Sé esta música y mira hacia tu yo cotidiano. Como esta música, ¿qué mensaje tienes para tu yo cotidiano, ahora mismo?
8. Vuelve y medita sobre el mensaje. ¿Qué podría cambiar en tu vida si siguieras este mensaje?
9. ¿Cuál podría ser un nuevo aspecto de estar en casa para usted?

Ejercicio 7: Su asunto, su sinfonía

Este ejercicio puedes practicarlo dentro o fuera, en la naturaleza. Puedes intentarlo solo o con alguien que te guíe.

1. Respira un poco y siéntate o ponte de pie de forma cómoda.
2. Piensa en un tema sobre el que quieras saber más, toma algunas notas. Luego deja las notas a un lado.
3. Tómate tu tiempo, relájate y empieza a escuchar.
4. Abre tus oídos y todo tu cuerpo a todos los sonidos y ruidos de tu entorno. Ahora eres un organismo auditivo.
5. Imagina que el sonido que escuchas es una pieza musical con más de una voz. Intenta escuchar todas las voces que suenan en este momento, intenta escuchar no sólo en horizontal sino también en vertical, de forma que escuches la música como una partitura con diferentes voces, por ejemplo como una sinfonía con muchos actores. Disfruta de la totalidad de las diferentes voces.
6. Ahora puedes intentar diferenciar las voces. Fíjate en el ritmo, el tono, el tempo y el color del sonido o timbre que oyes y obsérvalos de forma neutral. Por ejemplo:
   1. ¿Qué color de sonido oyes?
   2. ¿Cómo es el volumen o los diferentes volúmenes?
   3. ¿Cómo es el tono del sonido? ¿Alto? ¿Bajo? O si hay más de un sonido, ¿tiene diferentes tonos?
   4. ¿Cuántos actores se notan en esta música?
   5. ¿Cómo es la calidad específica de cada voz en esta sinfonía?
7. Graba una cinta con el sonido de tu entorno y/o escribe una descripción de lo que oyes: estudia cada voz.
8. Mientras escuchas y estudias, intenta separar los distintos sonidos, de modo que cada sonido exprese algo único: un papel, como una figura.
9. ¿Cómo te habla esta música? ¿Hay sonidos que te resultan más cercanos que otros? ¿Hay sonidos que te perturban? Si es así, toma un sonido perturbador y ábrete a su mensaje para ti. Puedes cambiar de forma y convertirte en ese sonido o escuchar profundamente hasta que surja una percepción. Intenta hacer esto con todas las voces, también con las de aquellos que están cerca de ti y a los que quieres.
10. ¿Cómo se combinan todos los sonidos? ¿Qué cualidad tiene esta música en su conjunto, como una sinfonía de estos diferentes sonidos? ¿Qué relación tienes tú con esta sinfonía?
11. Intenta ahora ser toda esta sinfonía y expresa ser esta sinfonía con tu propio estilo: movimiento, imaginación, un sonido que incluya las distintas voces. ¿Hay algún consejo que saques de esta experiencia, para tu día a día?

Preguntas para tu día a día:

12. ¿Cuál es el mensaje de cada sonido que se refiere a tu tema del paso 2 de este ejercicio?
13. ¿Cómo pueden las voces ayudarte con tu problema?
14. Si tú, tu yo cotidiano, fueras esta música ahora mismo, ¿quién serías en este momento? ¿Qué cambiaría en tu vida?
15. ¿Otras ideas?

Capítulo 4: Marina Abramovic y el cruce de fronteras

Ejercicio 8: El cruce de aristas como espectáculo

1. ¿Tienes algún problema con el que estás atascado? Tal vez tengas un conflicto, pánico o miedo. ¿Te sientes al límite y no puedes avanzar?
   
   Reflexiona y toma algunas notas, especialmente notas sobre una energía que te molesta, que te da miedo. También puede ser una persona que te da miedo.
2. Trabaja ahora sobre la energía que más te asusta y duele
3. Intenta ahora entrar en contacto con esta energía.
4. Crea una actuación para ti mismo de modo que te permitas experimentar la resistencia, la voluntad de estar en lo desconocido, la alta disciplina, el amor.
5. Diseño de la actuación: Fija un tiempo para hacer la actuación que quieres hacer. Esto entrenará tu disciplina y resistencia. Ten cuidado al fijar el tiempo. ¿Puedes evaluar tu capacidad momentánea de resistencia y disciplina? Compruébalo con una prueba, comprueba tu resistencia y luego crea un diseño que requiera un poco más, para que puedas cruzar un límite.
6. Crea una idea para una escultura de vida, es decir, tú eres la escultura.
7. En primer lugar hacer una práctica, para averiguar la posición correcta
8. Cambia algunas ideas de la actuación para que encaje con lo que quieres hacer.
9. Durante la representación, fíjate en lo que ocurre
10. Ver la representación
11. Su opinión, próximos pasos

Capítulo 5: Max Frisch y la fuerza oculta del arte y el trabajo por procesos

Ejercicio 9: Proceso interno del grupo

9. Recuerda un asunto con un grupo. Puede ser tu grupo de trabajo, tu familia, tus amigos, tu club deportivo o cualquier otro grupo. El problema puede ser un conflicto, una colaboración, un proyecto o algo que quieras explorar más.

10. Describa el problema.

11. Describa a todos los participantes que observe.

12. Inicia un Proceso de Grupo contigo mismo y deja que hablen todas las voces.

13. Interpreta todos los papeles, cambia de un papel a otro, deja que las voces luchen entre sí, aportando sus argumentos y fíjate en lo que es especial, sorprendente, no previsto/inesperado. Sigue el flujo de la información que surja.

14. Intenta crear algo parecido a una obra de teatro con las distintas informaciones.

15. Mientras lo haces, una parte de ti mismo se da cuenta de lo que cambia y registra los momentos sorprendentes. Una parte son los participantes, otra el facilitador.

16. Sigue el proceso hasta que ocurra algo significativo. Por ejemplo, puede surgir una idea.

9a. Escribe el proceso como una historia. Estudia todas las voces y deja fluir tu creatividad hasta que esta historia deje de estar ligada a los miembros del grupo.

9b. Otra posibilidad: Crea un sonido, una melodía, un ritmo para cada voz y graba una cinta con todas ellas. Escucha las voces como si fuera una pieza musical.

12. Crea especialmente la intuición que tienes como música, poema, pintura, danza...

13. Cuando se reúna de nuevo con el grupo, observe si algo ha cambiado. La información no es local, por lo tanto puede ser, que hayas ayudado al grupo a revelar información oculta.

Ejercicios Parte 3

Capítulo 3: Hüllen

Ejercicio 10: Observar el arte

En díadas, tríadas o juntos en pequeños grupos

El ejercicio está escrito para díadas

1. Recorran juntos una exposición de arte y elijan una obra que les llame la atención, que coquetee con ustedes.
2. Observa los primeros efectos, las impresiones. Lo que te coquetea, lo que te perturba. Intercambia tus impresiones.
3. Estudia las cualidades que te gustan, las cualidades que eres capaz de localizar. Descríbelas como roles. ¿Existe una polaridad entre vosotros? Intenta defender tu papel y jugar con estos papeles.
4. En un siguiente paso averigua algo que te moleste, algo extraño, algo que no entiendas o que no te guste. ¿Puedes mostrarlo también en un papel?
5. Continúa con el juego de roles con los papeles que te gustan y con los que no te gustan. Intenta identificarte también con los papeles que no te gustan y dales voz. Continúa explorando cada vez más cada papel y especialmente el papel que no te gusta, que no entiendes. Intenta identificarte con él hasta que encuentres la esencia de ese papel. Jueguen juntos con las esencias de los papeles. Déjate llevar, sé creativo, co-crea la obra de arte de nuevo para que te conviertas en el co-artista de la obra de arte.
6. ¿Qué cambios se han producido en esta obra? ¿Qué te llevas a la vida cotidiana?
7. ¿De qué manera te ayuda ahora la obra de arte a sentirte como en casa en una nueva experiencia?

Apéndice 3: Enlaces a audios y vídeos

Parte 1 Del arte y la música al trabajo por procesos y la vuelta a casa

Capítulo 3: Trabajo procesual, democracia profunda, arte y música: la belleza como totalidad

Balcón: https://soundcloud.com/magdalena-schatzmann/balcony

Presión: https://soundcloud.com/magdalena-schatzmann/pressure

U y X: https://soundcloud.com/magdalena-schatzmann/uandx

Sinfonía nº 5 Abbado de Gustav Mahler https://youtu.be/vOvXhyldUko

Maraba Blue de Abdullah Ibrahim https://youtu.be/P5CGq4ZIsME

En un paisaje de John Cage https://youtu.be/nYSLwpDukSA

Escucha profunda, por Pauline Oliveros https://youtu.be/0at5DrXpJj8

Pollini Schönberg 6 Pequeñas piezas para piano, Op.19 En directo https://www.youtube.com/watch?v=_cmWgll8T4c

Anton Webern: 6 piezas para gran orquesta, Op.6 https://www.youtube.com/watch?v=g0jCDxWvufw

Parte 2: Los artistas y su impulso por volver a casa

Capítulo 3: John Cage - Deep Democracy y el Tao de la música

John Cage:

Dos 2 para dos pianos https://www.youtube.com/watch?v=FyF-0jFQaAY

4’33” para piano solo https://www.youtube.com/watch?v=FyF-0jFQaAY

Obras en las que utilizaba emisoras de radio que sonaban involuntariamente:

Paisaje imaginario https://www.youtube.com/watch?v=oPfwrFl1FHM

Música para piano https://www.youtube.com/watch?v=tH1a82KQu38

Capítulo 4: Marina Abramovic y el cruce de fronteras

Rendimiento del peso: https://vimeo.com/358024714/611f45bc7b

Capítulo 5 Max Frisch y la fuerza oculta del proceso de grupo

Gespräch Max Frisch mit Kurt Furgler (Schweizerdeutsch): https://www.youtube.com/watch?v=vpfhM2Q_TV0&t=546s

Parte 3: Aplicaciones

Capítulo 2: Mi camino hacia una decisión

Magdalena Schatzmann: Decisión https://vimeo.com/359023802

Música gratis: https://soundcloud.com/magdalena-schatzmann/freemusic251218

Rama de la hiedra: https://soundcloud.com/magdalena-schatzmann/freemusicivybranch291218

Huella: https://soundcloud.com/magdalena-schatzmann/footprint

Claude Debussy: https://soundcloud.com/magdalena-schatzmann/debussy-des-pas-sur-la- neigewav

Taigamusic: https://soundcloud.com/magdalena-schatzmann/taigamusicwav

Capítulo 4: Trabajo interior y composición musical

Magdalena Schatzmann: Música Gestual Klanggeste https://soundcloud.com/magdalena-schatzmann/gesture

Magdalena Schatzmann: Wohin geht der Klang - ¿Adónde va el sonido? https://soundcloud.com/magdalena-schatzmann/klangestewohin-geht-der-klang

Magdalena Schatzmann: la música que hay detrás https://soundcloud.com/magdalena-schatzmann/behind-1

1. Traducción: “Todo se mueve, no hay inmovilidad. No te dejes aterrorizar por términos de tiempos que ya pasaron. Deja ir los minutos, los segundos y las horas. Deja de resistirte a la metamorfosis. Sé dentro del tiempo, sé estático dentro del movimiento. Por una estabilidad del movimiento, por una estabilidad en el aquí y ahora. Resistir a la debilidad de detener el movimiento, congelar los momentos y matar lo que está vivo. Deja de confirmar una y otra vez los valores que de todos modos se desmoronan. Ser libre, estar vivo. Deja de ‘dibujar’ el tiempo. Deja de construir catedrales y pirámides que se desmoronan como pasteles. Respira profundamente. Vive el presente, vive en y sobre el tiempo, para una realidad bella y total”.” ︎
2. Traducción: El colapso del tiempo en nuestra conciencia: este acontecimiento es el enorme y único tema de nuestros días. Es un nuevo tema y una nueva tarea. Su realización nos permite una nueva realidad total, intensidad y conciencia liberada y por lo tanto la superación de la confusión que superficialmente parece caracterizar nuestro mundo. ︎
3. Traducción: ... que el tiempo mental-racional es un principio y un término divisor ... Familiar a nuestra conciencia previa nos es el término mental-racional para el tiempo. Pero lo que se descubre es más que el mero término ‘tiempo’, es el ‘anacronismo’ que significa estar liberado y libre del tiempo. ︎
4. Traducción: Normalmente comienzo una discusión hoy diciéndole a la gente: Imagina que estuvieras en un punto muy lejano de aquí y observaras la Tierra desde este punto más lejano. ¿Qué es lo más importante? De lo más importante pasamos a los detalles. Así que siempre lo inmediato, lo más obvio y luego ir a los detalles. ︎
5. ⁵Wenn du ein waches Auge hast, kann du sehen, dass jeder Mensch ein Künstler ist. Ahora estoy en Madrid y he visto cómo las mujeres que trabajan en la industria del mueble son grandes genios. Así se entiende el arte de hacer su trabajo y lo que hacen para ganarse la vida. El ser humano sabe que son portadoras de una humanidad futura. Und ich habe etwas bei den Müllabfuhrleuten gesehen, was ich bei den Scheisskünstlern vermisse, denn Künstler sind zum grossen Teil opportunistisch, sie sind Arschlöcher, das muss ich jetzt auch mal sagen. Die Künstler sind die reaktionärste Klasse.
   Eigentlich gibt es ja keine Klassen mehr, aber die Künstler sind so reaktionär, dass sie schon fast wieder eine neue Klasse bilden. ︎
6. Traducción: El arte es el elemento en el contenido del mundo, donde experimentamos, que este es el punto, la fuente de donde algo viene al mundo, de donde algo se producirá, que es siempre nuevo, y en este sentido evolutivo. ︎
7. Traducción: Dondequiera que estemos, la mayoría de las veces oímos ruidos. Si no los percibimos conscientemente, nos molestan. Si los escuchamos, se vuelven fascinantes Si la palabra música fuera sagrada y quedara reservada a los instrumentos de los siglos XVIII y XIX, podríamos sustituirla por algo que tiene más sentido: la organización del sonido [Véase el resto de la nota 6 de la p. 6]. ︎
8. Traducción: No intento diferenciar entre música y no música, sino que parto del ruido y no utilizo sonidos que no tengan el carácter de ruido. El autor del libro Klang und Skulptur concluye: “Esto sería una democratización. A través de las composiciones de Cage, crecerá la conciencia de que el mundo se convertirá en sonido o de que el mundo es simplemente sonido”. ︎
9. Traducción: Lo más claro y lo más involuntario, con esa honestidad incondicional hacia todo lo que vive, que sólo hace del talento un artista... O bien: Todo lo que está vivo tiene una antítesis innata, corroe la ideología y por eso no tenemos que avergonzarnos, si se nos critica por ser corrosivos en nuestros escritos. ︎